“Uncharted – Fora do Mapa”: corrida do ouro

A caça aos tesouros de ouro, base de muitas aventuras da literatura clássica e filmes de matinê da primeira metade do século XX, segue inspirando a imaginação dos roteiristas. Há, sem dúvida, um toque de nostalgia ao se resgatar este tipo de temática para o cinema do novo milênio. Um mundo onde o ouro, objeto cobiçado por 10 entre 10 exploradores de tesouros, já nem representa mais a melhor forma de conquistar fortunas no limite da ilegalidade. Um golpe com moedas criptografadas, ou saques virtuais de contas bancárias, por exemplo, seria bem mais fácil, rápido e “seguro”. Mas, reconheçamos, é um tanto sem graça. Onde ficaria a adrenalina da aventura?

Dito isto, chegamos a Uncharted – Fora do Mapa (Uncharted), dirigido por Ruben Fleischer (de Zumbilândia 1 e 2, Caça aos Gângsteres e Venom), uma aventura de ação que pretende reviver o clima dos antigos filmes de sessão da tarde, com a roupagem, a estética e o ritmo acelerado do cinema contemporâneo. A origem de Uncharted é bem menos nobre, pois não vem da literatura tradicional, mas sim do universo dos videogames. Trata-se de uma versão live action de uma série de muito êxito da Sony / PlayStation.

O esperto barman Nathan “Nate” Drake (Tom Holland), perito em pequenos golpes, é recrutado pelo caçador de tesouros Victor “Sully” Sullivan (Mark Wahlberg) para recuperar uma fortuna em ouro perdida há 500 anos, que valeria alguns bilhões de dólares. O que começa como um golpe, acaba se tornando uma aventura épica que se estende pela Europa e Ásia para alcançar o tesouro antes do implacável vilão espanhol, Santiago Moncada (Antonio Banderas), que acredita que é o herdeiro legítimo da fortuna. Se Nate e Sully forem capazes de decifrar as pistas para resolver um dos mistérios mais cobiçados do mundo, eles podem encontrar o tesouro e talvez até o paradeiro do irmão de Nathan, há muito tempo desaparecido.

A série Uncharted já conta com quatro volumes de jogos para as plataformas digitais. Para a adaptação a opção dos produtores foi não realizar um filme de origem, mas uma aventura que trouxesse elementos de vários dos jogos e expandisse seu contexto para a mídia cinematográfica. A preocupação era assegurar que o público não tivesse a necessidade de conhecer os jogos para acessar o universo do filme. Outra importante decisão do diretor Ruben Fleischer foi filmar preferencialmente (tanto quanto possível) em locações e sets construídos, ao invés de gerar tudo por computação gráfica, como é bastante comum. Cenários reais efetivamente trazem vida para a tela e tornam mais tangível o mundo da narrativa. Então, ponto para Uncharted neste quesito.

A dupla central Holland – Wahlberg funciona muito bem, deu liga como se diz. Já o mesmo não se pode dizer da coprotagonista Sophia Taylor Ali, que fica muitos pontos abaixo, destoa do clima geral e fica muito a desejar. Sua personagem, Chloe Frazer, é praticamente nula e irrelevante para o andamento da trama. No quesito participação de prestígio, Antonio Banderas tenta dar um ar de sofisticação ao vilão espanhol, mas parece estar em cena apenas para garantir um nome forte no pôster do filme, já que sua presença também pouco se justifica, não diz a que veio e pouco (ou nada) acrescenta à aventura de caça ao tesouro.

Exploradores em busca de relíquias históricas remetem inevitavelmente à figura icônica de Indiana Jones, a quem Uncharted reverencia e bebe na fonte em algumas sequências. Inclusive com uma breve citação literal ao nome do clássico personagem criado pela dupla Spielberg – Lucas há 40 anos (!), criando um momento curioso onde a ficção invade a ficção. Outra referência que o filme traz à memória é a aventura estrela por Nicolas Cage em 2004, A Lenda do Tesouro Perdido.

Uncharted – Fora do Mapa sofre da sina que costuma assolar a imensa maioria dos filmes adaptados de videogames. A sensação imersiva de um jogo digital costuma se perder quando reproduzida na tela grande. E não foi diferente aqui. A solução encontrada pelos roteiristas (a já citada utilização de partes de histórias de jogos diferentes) fragmenta por demais a narrativa e compromete a coesão. Parece estarmos diante de um roteiro escrito por inteligência artificial através de algoritmos. Está tudo ali, os personagens, a trama, o conflito, mas, algo não funciona em plenitude nesta experiência de gamificação. O saldo, não mais que mediano, talvez assegure uma sequência. Uma cena pós-crédito sugere isto. Que tenha mais sorte, ou competência, na próxima vez. Caso contrário, game over.

Assista ao trailer: Uncharted – Fora do Mapa

Jorge Ghiorzi

Membro da ACCIRS

“Moonfall – Ameaça Lunar”: mais um fim do mundo

 

Existem os Cavaleiros do Apocalipse. E existe Roland Emmerich. Todos com a mesma missão: destruir a Terra e aniquilar a humanidade. Os primeiros utilizaram como ameaças a peste, a guerra e a fome. Já o cineasta alemão vem tentando das mais diferentes formas: invasão alienígena, monstros gigantescos, aquecimento e resfriamento global, abalos sísmicos colossais. Ainda não conseguiu seu intento. Mas segue perseverando. Para a mais recente tentativa ele conta com o auxílio luxuoso do nosso satélite natural. Sim, ela mesmo, a Lua.

Mais legítimo herdeiro dos filmes catástrofe dos anos 70, Roland Emmerich, dadas as devidas proporções, é o Irvin Allen dos dias atuais. Quem não está ligando o nome à pessoa, Allen é o “mestre do desastre”, a mente criativa que concebeu seriados de TV como Viagem ao Fundo do Mar; Perdidos no Espaço; O Túnel do Tempo; Terra de Gigantes, e também se aventurou no cinema produzindo arrasa quarteirões (expressão bem adequada, diga-se) como O Destino do Poseidon (1972); O Enxame (1978) e o melhor filme catástrofe da década, apogeu do gênero, Inferno na Torre (1974).

Após a mal sucedida sequência de Independence Day (2016) Roland Emmerich resolveu retornar às origens, ou seja, investir em uma história original (!) com total liberdade de criação. E assim, chegamos a este Moonfall – Ameaça Lunar. Tudo começa quando uma força misteriosa tira a Lua da sua órbita e a coloca em rota de colisão contra a Terra. Semanas antes do impacto, e com o mundo à beira de aniquilação, Jo Fowler (Halle Berry), executiva e ex-astronauta da NASA, está convencida que tem a solução para salvar o planeta do desastre absoluto. Para colocar seu projeto em ação ela precisa recorrer a outro ex-astronauta, que caiu em desgraça após ser desligado da agência espacial, Brian Harper (Patrick Wilson). Junta-se a eles um pesquisador autodidata e teórico conspiracionista, K. C. Houseman (John Bradley), que na verdade foi a primeira pessoa a descobrir o problema da órbita lunar. Estes heróis improváveis são os únicos tripulantes da última missão suicida no espaço, deixando para trás todos os que amam, apenas para descobrir que a Lua não é exatamente o que pensávamos que era.

Colocando tudo na balança, Roland Emmerich mais uma vez apresenta um bem bolado fazendo uso de seus temas recorrentes. A saber: ameaça global + ciência questionada + herói desacreditado + coprotagonista improvável + núcleo familiar em crise + militares linha dura. Mexe aqui, remexe ali, e temos uma versão requentada das fórmulas de O Dia Depois de Amanhã e 2012. O que temos de bom nisso? Bem, se você desligar o botão do bom senso, da lógica e suspender a descrença, até pode se divertir. É cinemão pipoca na veia.

Então, se você entrar na sala de cinema com este espírito, já sabe o que vai encontrar. Não exija muito mais do que isto. Moonfall não tem ambição maior que não seja divertir. E aí talvez esteja seu mérito, pela honestidade da proposta. Roland Emmerich tem a absoluta certeza dos limites do que tem a oferecer. Então, seu esforço criativo é direcionado ao máximo para entregar minimamente um filme que estimule sensorialmente sua plateia, porque o cérebro deve ficar guardado na gaveta.

A sensação é que o realizador, por estar refém do seu formulismo, já está pouco se importando com o excesso de clichês que seus filmes apresentam. Tudo fica muito previsível, sem nuances e surpresas. Saldo positivo da tragédia anunciada: o filme diverte (quem estiver disposto a entrar na onda) e a Terra (ufa!) se salvou mais uma vez. O que o alemão estará tramando para o próximo ataque?

Assista ao trailer: Moonfall – Ameaça Lunar

Jorge Ghiorzi

Membro da ACCIRS

“Teorema”: tudo em família

 

Cineasta intelectualizado, com fortes posições políticas de embate contra o fascismo e o capitalismo, o italiano Pier Paolo Pasolini (1922 – 1975) fez da obra cinematográfica uma plataforma de divulgação de sua visão de mundo e dos mecanismos que movem a sociedade ocidental. A origem proletária, a formação marxista e a sensibilidade para a poesia e os livros sempre estiveram de alguma forma presentes em seus filmes, quase todos a serviço de um discurso político.

Lançado há mais de meio século, Teorema (Teorema, 1968) é um primoroso exemplo do cinema engajado e evangelizador de Pasolini. Este drama social foi construído sob uma perspectiva de classes sociais, a partir da crise de identidade de uma família burguesa, símbolo de um modelo de capitalismo que chegava ao esgotamento na segunda metade dos anos 60.

Acostumada a usufruir as benesses do conformo material, a família retratada em Teorema entra em colapso com a entrada de um elemento estranho na rotina da casa. Tal um vírus que corrompe a integridade do tecido social das relações familiares, um hóspede inesperado (Terence Stamp) chega à mansão e se incorpora naturalmente na rotina de todos. Nada sabemos sobre ele, nem as razões de sua chegada. Mas os efeitos da sua passagem são transformadores para o futuro de todos.

Em Milão a rica família burguesa formada pelo empresário Paolo (Massimo Girotti), a esposa Lucia (Silvana Mangano), os filhos Pietro (Andrés José Cruz Soublette) e Odetta (Anne Wiazemsky, na época musa e companheira de Jean-Luc Godard, cuja relação foi retratada no longa-metragem O Formidável) e ainda a empregada Emilia (Laura Betti), é totalmente alterada com a chegada de um misterioso visitante. Um a um todos são seduzidos pelo estranho, que desperta sentimentos reprimidos, particularmente os desejos de ordem sexual. Em seus contatos individuais com os membros da família todos se redescobrem e passam a encarar a vida sob uma nova perspectiva, distantes do tédio existencial no qual estavam mergulhados.

Poucos dias depois, tão inesperadamente como chegou, o estranho visitante parte e deixa a família. E nunca mais eles serão os mesmos. Suas existências foram irremediavelmente alteradas. O que antes era apenas um tédio existencial, se transforma então em desconforto existencial. Ninguém mais cabe na vida que vivia anteriormente. Cada um busca a solução de suas angústias trilhando seu próprio caminho de descoberta. O empresário entrega a fábrica aos empregados, se despe de todos os bens – literalmente a própria roupa inclusive - e vaga nu pelo deserto. A mãe sucumbe aos desejos da carne fazendo sexo aleatório com jovens que encontra pela rua. O filho surta e passa a pintar quadros abstratos com fezes e urina. A filha fica catatônica sobre a cama, sem falar nem se comunicar com ninguém. E a empregada doméstica, em delírio religioso, retorna para sua vila de origem assumindo a condição de santa milagreira.

O visitante é o elemento desagregador que embaralha a “ordem natural das coisas”, como diz um personagem a dado momento. O processo de “revelação” que provoca nos integrantes da família os leva a revisar valores e dogmas aos quais estavam submetidos. O processo de conversão do visitante se dá tanto por estímulos intelectuais – uso da palavra – quanto por estímulos sexuais – a sedução despudorada do corpo, disponível igualmente para o prazer de homens e mulheres. Não são gratuitos, portanto, os enquadramentos da fotografia que sempre privilegiam a zona genital do visitante sedutor. A narrativa em essência explora os conceitos de Eros (pulsão de vida) e Thanatos (pulsão de morte), os instintos fundamentais do comportamento, segundo Sigmund Freud. Em Teorema Pasolini propõe a necessidade de uma volta à essência do ser humano, integralmente despido dos valores burgueses e religiosos acumulados ao longo dos tempos.

Assista o trailer: Teorema

(Texto originalmente publicado na coluna “Cinefilia” do DVD Magazine em dezembro de 2017)

Jorge Ghiorzi

Membro ACCIRS

Premiados do Sundance Festival 2022

 

O Sundance Film Festival revelou os vencedores dos prêmios para sua edição de 2022 na sexta-feira (28/01). Como o forçado a se tornar totalmente virtual por causa do recente aumento dos casos de covid pela ômicron, a cerimônia de premiação aconteceu no Twitter.

O suspense de terror Nanny, de Nikyatu Jusu, ganhou o Grande Prêmio do Júri na Competição Dramática dos EUA, enquanto o Grande Prêmio do Júri de Documentário dos EUA foi para The Exiles, dirigido por Ben Klein e Violet Columbus.

Confira a premiação completa da edição 2022 do Festival Sundance de Cinema:

COMPETIÇÃO NORTE-AMERICANA

 

Nanny - Direção de Nikyatu Jusu

Filme - Drama

Nanny de Nikyatu Jusu

Prêmio do Público – Drama

Cha Cha Real Smooth de Cooper Raiff

Direção – Drama

Jamie Dack por Palm Trees and Power Lines

Prêmio Waldo Salt / Roteiro – Drama

K. D. Dávila por Emergency

Prêmio Especial do Júri / Elenco – Drama

892 – John Boyega, Michael Kenneth Williams, Nicole Beharie, Connie Britton, Olivia Washington e Selenis Leyva

Prêmio Especial do Júri / Visão artística – Drama

Bradley Rust Gray por Blood

The Exiles - Direção de Ben Klein e Violet Columbus

Filme - Documentário

The Exiles de Ben Klein e Violet Columbus

Prêmio do Público – Documentário

Navalny de Daniel Roher

Direção – Documentário

Reid Davenport por I Didn’t See You There

Prêmio Jonathan Oppenheim / Edição – Documentário

Erin Casper e Jocelyne Chaput por Fire of Love

Prêmio Especial do Júri / Visão criativa – Documentário

Descendant de Margaret Brown

Prêmio Especial do Júri / Impacto por mudanças – Documentário

Aftershock de Paula Eiselt e Tonya Lewis Lee

Prêmio Favorito do Festival

Navalny de Daniel Roher

Curta-metragem - Ficção

If I Go Will They Miss Me de Walter Thompson-Hernández

Curta-metragem – Não-Ficção

Displaced de Samir Karahoda

Curta-metragem – Elenco

A Wild Patience Has Taken Me Here de Érica Sarmet, com Zelia Duncan, Bruna Linzmeyer, Camila Rocha, Clarissa Ribeiro e Lorre Motta

Curta-metragem – Roteiro

Stranger Than Rotterdam With Sara Driver de Lewie Kloster e Noah Kloster

Curta-metragem – Animação

Night Bus de Joe Hsieh

COMPETIÇÃO CINEMA MUNDIAL

Utama - Direção de Alejandro Loayza Grisi

Filme - Drama

Utama (Bolívia, Uruguai e França) de Alejandro Loayza Grisi

Direção – Drama

Maryna Er Gorbach por Klodike (Ucrânia)

Prêmio Especial do Júri / Atuação – Drama

Teresa Sánchez por Dos Estaciones (México)

Prêmio Especial do Júri / Espírito inovador – Drama

Martika Ramirez Escobar por Leonor Will Never Die (Filipinas)

Prêmio do Público – Drama

Girl Picture (Finlândia) de Alli Haapasalo

The Territory - Direção de Alex Pritz

Prêmio Especial do Júri – Documentário

The Territory de Alex Pritz

Prêmio do Público – Documentário

The Territory de Alex Pritz

Prêmio do Júri – Documentário

All That Breathes (Índia) de Shaunak Sen

Direção – Documentário

Simon Lereng Wilmont por A House Made of Splinters (Dinamarca, Ucrânia)

Prêmio Especial do Júri / Excelência em filmagem real – Documentário

Midwives (Myanmar) de Hnin Ei Hlaing

Curta-metragem - Ficção

Warsha de Dania Bdeir

Grande Prêmio do Júri / Curta-metragem

The Headhunter’s Daughter de Don Eblahan

 

ESPECIAIS

Prêmio do Público – NEXT

Chase Joynt por Framing Agnes

Prêmio Inovação – NEXT

Chase Joynt por Framing Agnes

Prêmio Alfred P. Sloan – Filme

After Yang de Kogonada

Instituto Sundance / Prêmio Amazon Studios / Filme – Ficção

Amanda Marshall por God’s Country

Instituto Sundance / Prêmio Amazon Studios / Filme – Não-Ficção

Su Kim por Free Chol Soo Lee

Instituto Sundance / Prêmio NHK

Hasan Hadi por The President’s Cake

Instituto Sundance / Prêmio Mentoria Adobe / Não-ficção

Toby Shimin

O Guarda-Costas 2

 

O que já sabemos sobre a refilmagem de O Guarda-Costas?

O thriller de ação romântico estrelado por KEVIN COSTNER e WHITNEY HOUSTON foi lançado há 30 anos. O sucesso de bilheteria que arrecadou mais de 400 milhões de dólares garantiu ao filme dirigido por Mick Jackson o segundo lugar no ranking de 1992, atrás apenas de Aladdin da Disney. Isso sem falar na trilha sonora que vendeu milhões de cópias, com destaque absoluto para o hit “I Will Always Love You” na voz de Whitney Houston.

Uma simples sequência direta do filme seria impossível atualmente, pois Houston morreu em 2012. Na verdade quase houve um O Guarda-Costas 2 ainda nos anos 90. Kevin Costner, produtor do original, convenceu ninguém menos que a princesa Diana para contracenar com ele na sequência. O roteiro chegou a ser concluído, mas o projeto foi cancelado após a trágica morte de Diana em 1997. 

Para a novíssima versão de O Guarda-Costas a Warner Bros. contratou o dramaturgo Matthew López (do seriado Newsroom) para escrever o roteiro. O que já se sabe sobre o novo enredo é que não se concentrará em uma superestrela, como a Rachel Marron de Whitney Houston, nem em uma celebridade como Lady Di. Segundo o próprio López declarou, o foco será em uma jovem que chega repentinamente à fama (seria uma digital influencer?) que, para manter sua segurança, precisa contratar um guarda-costas. Não há ainda nenhuma informação sobre o elenco e o lançamento ainda está em aberto: 2023 ou 2024.

“Belle”: vida dupla

 

Não é mais apenas uma tendência. É fato. A realidade virtual, rebatizada como Metaverso, já está presente e seus efeitos se manifestarão através das formas disruptivas como interagiremos com o mundo físico daqui pra frente. A influência, na verdade, será intercambiável, uma via de mão dupla. Este é o universo preconizado na animação nipo-francesa Belle, uma realização de Mamoru Hosoda, o mesmo do premiado Guerra de Verão (Summer Wars, 2009), que também tratava de mundos simulados de realidade virtual.

A protagonista da nova fantasia científica de Hosoda é uma estudante de 17 anos, chamada Suzu. A mãe morreu em um ato de bravura para salvar uma criança, quando Suzu ainda era bem pequena. A tragédia abalou sua vida. Ela torna-se uma adolescente calada, reprimida, com poucos amigos. Certo dia a jovem decide conhecer o mundo de “U”, um ambiente virtual de 5 bilhões de membros na internet. Lá Suzu se transforma no avatar chamado Belle, incorporando a personalidade de uma cantora de grande sucesso. Em suas viagens pelo metaverso Belle conhece uma criatura misteriosa com aparência de um dragão. Juntos eles embarcam em uma jornada de aventuras e desafios que vão revelar suas verdadeiras identidades e seus mais íntimos valores como seres humanos.

A história de Belle traz algumas referências simbólicas de “A Bela e a Fera”, mas vai além, pois expande os temas e faz uma releitura do famoso conto de fadas adaptando-o à realidade tecnológica que vivemos hoje. A essência da mensagem é mantida: não devemos julgar apenas pelas aparências, o verdadeiro valor está no caráter. Pois é justamente este “viver de aparências” o grande apelo do ambiente virtual. Podemos ser e parecer como desejamos, vivendo uma versão idealizada de nós mesmos, ainda que falsa. Estão aí as redes sociais para provar isso.

A personagem central de Belle inicialmente deixa-se seduzir por todas as possibilidades de realização pessoal que o mundo de “U” proporciona. Vive momentos de glória conquistando milhões de fãs, bem diferente da sua vida recatada no mundo físico, real. Mas algo de errado não está certo. Logo a jovem passa a sofrer a pressão social de ser o que em realidade não é, ainda que seja no mundo de faz de conta do ambiente digital. Afetada por aquela “realidade” a jovem entra em conflito interior por não mais encontrar propósito em uma vida fabricada. Tudo muda, no entanto, quando encontra a misteriosa “fera” que assombra a comunidade virtual. Assume então como missão saber mais sobre a estranha figura, descobrir sua origem, suas dores, seus medos interiores e as razões que fazem com que viva reclusa em sua casa/castelo.

Como animação Belle é um maravilhoso espetáculo de criatividade, concepção estética, cores e música que justificam os 14 minutos ininterruptos de aplausos que recebeu no Festival de Cannes de 2021. O filme de Mamoru Hosoda, na verdade, tem muito mais a oferecer além do deleite visual e sensorial. O roteiro percorre todas as angústias da protagonista, transitando do humor ao deslumbramento, sem perder o foco ao narrar uma trama envolvente que conquista a cumplicidade do espectador.

Há ainda um subtexto que critica a era tecnológica e os perigos inerentes que o uso massivo do metaverso pode causar nos jovens, que correm o risco de desconectar da realidade física no momento mais decisivo da formação de suas personalidades. Por vezes o perigo está logo ali, dentro de nossas casas, representado pelo abuso e alienação parental. Belle é um ótimo conto de fadas tecnológico, que não abre mão de oportunas discussões de aceitação e representação social.

Assista ao trailer: Belle

Jorge Ghiorzi

Membro da ACCIRS

“O Beco do Pesadelo”: quando o truque não dá certo

 

Vencedor do Oscar de Melhor Filme em 2018, com A Forma da Água, o cineasta mexicano Guillermo del Toro sempre transitou seu cinema de gênero no terreno do terror, do horror, do fantástico e da fantasia. Após quatro anos longe da direção ele retorna com O Beco do Pesadelo (Nightmare Alley), drama de suspense com toques de terror que se passa no universo circense dos shows de variedades dos anos 40 nos Estados Unidos, em plena Segunda Guerra Mundial. Baseado em um romance do escritor noir William Lindsay Gresham, o filme de del Toro na verdade é uma refilmagem de O Beco das Almas Perdidas de 1947, dirigido por Edmund Goulding, com Tyrone Power, Joan Blondell, Coleen Gray e Helen Walker no elenco.

Viajante sem rumo e passado nebuloso, Stanton Carlisle (Bradley Cooper) chega por acaso em um circo itinerante de variedades. Consegue emprego temporário como operário do show e acaba se envolvendo com a vidente Zeena e seu companheiro mentalista. Após aprender rapidamente os truques da “profissão” decide abandonar tudo para investir em carreira solo aplicando golpes por conta própria. Em um dos espetáculos conhece a misteriosa psiquiatra Lilith Ritter (Cate Blanchett), a parceira perfeita para aplicar um grande golpe contra poderoso magnata.

Personagens amorais como Stanton e Lilith se atraem como iguais. Agem como cobras num serpentário: lutam pela sobrevivência num mundo hostil enquanto buscam obsessivamente uma maneira de se dar bem. O perigo está sempre no horizonte, mas a cegueira da ambição e do golpe perfeito embaça a visão. Movidos por instintos primitivos, com desejos de poder e ganância, não encontram limites nem freios morais para alcançar seus objetivos. Nesta trilha pelo lado obscuro da vida há muito a perder. Quem deseja obstinadamente o todo, corre o risco (ou a sina) de ficar com nada, muito menos do que possuía no início da jornada. Este é o arco narrativo do trágico Stanton Carlisle, que del Toro conta com um excesso de minutagem que prejudica a coesão do resultado final.

Cate Blanchett, posando as vezes de femme fatale à la Veronica Lake, raras vezes esteve tão caricata e canastrona em cena (Indiana Jones 4 seria outro desempenho fora de tom da atriz, só para lembrar). Bradley Cooper, por sua vez, eventualmente acerta no tom farsesco do ambicioso prestidigitador, mas no geral parece um tanto contido, e o resultado geral fica aquém para o potencial de um personagem conflitado. Em papéis secundários, com poucos minutos em cena, ainda aparecem com destaque Toni Collete, como a vidente falcatrua, e Willem Dafoe defendendo com sua característica vilania dúbia a figura do responsável pelo circo.

A primeira parte O Beco do Pesadelo lembra um pouco Água Para Elefantes. Tudo limpinho demais, muito estetizado para seduzir os sentidos pela beleza das tomadas. Artifícios visuais usualmente mais adequados para um romance - que essencialmente não é - do que para um drama de suspense com trama policial que retrata a sordidez humana. O Beco do Pesadelo apresenta uma série de possibilidades e promessas infelizmente não cumpridas. O filme de Guillermo del Toro não é nem noir, nem terror, como eventualmente chega a flertar.

Desnecessariamente longo, com um primeiro ato um tanto dispersivo e desfocado, quando finalmente entramos no entrecho principal da narrativa, a paciência do espectador já está um tanto esgotada pela expectativa frustrada que construiu. O mestre da manipulação e do engodo da ficção, Stanton Carlisle, não encontrou eco no trabalho de direção de del Toro, que não consegue manipular e conquistar a credulidade da plateia conforme seus desejos. Desta vez o truque não deu certo.

Assista ao trailer: O Beco do Pesadelo

Jorge Ghiorzi

Membro da ACCIRS