“Boneco de Neve”: o assassino que veio do frio

A crescente qualidade, criatividade e diversidade da produção de livros policiais vindos da Escandinávia (Suécia, Noruega, Finlândia e Dinamarca) revelou uma nova geração de escritores de suspense e crime que está dominando este que é um dos gêneros mais populares da literatura. Na última década os livros policiais escritos em países de língua inglesa (fundadores do gênero, diga-se) estão ganhando a forte concorrência de escritores escandinavos que estão conquistando a atenção dos leitores em todo o mundo. Ou seja, deixou de ser um fenômeno localizado. O reinado absoluto de nomes consagrados e seminais das histórias de mistério como Agatha Christie e Arthur Conan Doyle hoje sofre a ameaça de autores de sucesso como Stieg Larsson (da Trilogia Millenium), Henning Mankell (criador do inspetor Kurt Wallander), Lars Kepler (pseudônimo do casal de escritores Alexander Ahndoril e Alexandra Coelho Ahndoril), Arnaldur Indridason (“O Silêncio do Túmulo”) e Anne Holt (“1222”).

O caminho natural e inevitável dos grandes best sellers é o cinema. A estrela da vez é o escritor norueguês Jo Nesbo, criador do detetive Harry Hole que já protagonizou dez livros e chega agora às telas com uma grande produção internacional. Baseado no sétimo livro da série, Boneco de Neve (The Snowman), dirigido pelo sueco Tomas Alfredson (de Deixa Ela Entrar e O Espião Que Sabia Demais) apresenta o repertório que é marca registrada das histórias policiais quem vem da Escandinávia: paisagens geladas, personagens sombrios, crimes violentos e muito sangue sobre a neve.

Durante a primeira nevasca do inverno norueguês uma mulher, casada e mãe, desaparece sem explicação. A única pista identificada é um boneco de neve construído em frente à sua casa. O investigador policial Harry Hole (Michael Fassbender) entra no caso e, com a ajuda da também investigadora Katrine Bratt (Rebecca Ferguson, de Missão Impossível – Nação Secreta), descobre que o desaparecimento tem ligações com um antigo caso de assassinato e pode indicar uma nova série de crimes de um serial killer.

Ambientes desolados, gelados, descoloridos costumam abrigar pessoas frias, distantes, à beira da depressão. Parte clichê, parte realidade, o fato é que ambientes extremos interferem de fato na personalidade dos seus habitantes, que em muitos casos recorrem à bebida para suportar a realidade depressiva. Histórias policiais sombrias como Boneco de Neve refletem com clareza este contexto. O protagonista Harry Hole é o protótipo do policial sem muitas perspectivas, de baixa estima, separado da família e amigo íntimo do álcool que aquece o corpo e anestesia a mente. O caso do assassino do boneco de neve traz um pouco de vida e ânimo à vida do policial, interpretado por um correto e contido Michael Fassbender.

A direção elegante de Tomas Alfredson conduz a história com algum interesse até a metade do filme. Daí pra frente as coisas deixam de ter sentido e a narrativa perde o rumo e põe tudo a perder num thriller que prometia melhores resultados. A sensação mais evidente é que Boneco de Neve, o filme, não deu conta da complexidade da trama que o livro apresenta. Respostas, razões e motivações. Isto é tudo que se deseja de uma boa história policial. Mas o filme de Alfredson ficou devendo, e o resultado é decepcionante. As explicações para o crime, bem como a resolução do mistério, são confusas e estão longe de ser impactantes – como faziam supor – e tudo acaba num clímax que deixa por demais a desejar. Isto sem falar em personagens que parecem ter uma forte razão para sua inclusão na trama, mas, no entanto, somem sem dizer a que vieram. O personagem de J.K. Simmons, um poderoso empresário, é um exemplo deste desperdício de talento.

Consta que o realizador andou reclamando que não conseguiu filmar todas as cenas do roteiro. Isto, de fato, fica bem evidente quando se constata que algumas cenas presentes no trailer não estão incluídas na edição final do filme. Parece que nem a habilidade da montadora Thelma Schoonmaker (habitual colaboradora de Martin Scorsese, que assina como um dos produtores executivos) conseguiu resolver os problemas do roteiro, ou do material disponível, vai saber.

Assista o trailer: Boneco de Neve

Jorge Ghiorzi

“Os Assassinos”: o passado condena

“Tudo o que você precisa para fazer um filme é uma arma e uma garota”, já dizia Jean-Luc Godard. Esta definição síntese contém os elementos chaves que fizeram o sucesso de uma série de filmes que, conscientemente ou não, levaram este conceito ao pé da letra. Uma arma em cena significa conflito, disputa, ação. Uma mulher simboliza desejo, paixão, sacrifício. Este tipo de pensamento misógino marcou a fase de ouro do chamado “cinema noir”, que exibia na prática a receita formulada posteriormente por Godard nos anos 60. Mais do que um gênero em si, o Noir era um estado de espírito do cinema. Um modo de ser e ver o mundo, caracterizado pela dubiedade, dissimulação, caráter discutível e ética flexível.

Cronologicamente produzido de forma mais regular na metade do século XX (anos 40 e 50), o filme Noir, de fato, sempre existiu, não se limitando, portanto, a um período específico. Regularmente, até hoje, o cinema nos oferece obras que carregam fortemente o espírito estético e moral daqueles filmes. Drive (2011), de Nicolas Winding Refn, é um exemplo bem recente. Um mais antigo a ser citado é Os Assassinos (The Killers), realizado por Donald (Don) Siegel em 1964. Inspirado em um pequeno conto de Ernest Hemingway, esta produção é o que se poderia chamar de “noir de raiz”, que substitui a magia do preto e branco pelas cores vibrantes do Technicolor.

Em síntese o conto de Hemingway conta a história de um homem, envolvido num assalto, que sabe que vai ser morto por assassinos de aluguel, mas não tenta fugir. Nesta adaptação para o cinema, que é uma refilmagem (em 1946 Robert Siodmark dirigiu uma primeira versão), o diretor Don Siegel optou, acertadamente, em contar a história do ponto de vista dos assassinos. Esta opção narrativa necessariamente desloca a ação e acrescenta elementos de mistério e suspense, na medida em que os matadores (e nós também) não sabem as razões do crime e não entendem a resignação passiva da vítima. A descoberta da verdadeira história por trás de um crime comum passa a ser uma obsessão dos assassinos, que vislumbram a possibilidade de ficar com o dinheiro do assalto.

Tudo começa quando a dupla de matadores de aluguel, interpretados por Lee Marvin e Clu Gulager (ambos excelentes em seus papéis), invade uma escola para cegos com o objetivo de executar um professor (John Cassavetes). Cumprem a missão com facilidade, pois o alvo não esboça qualquer intenção de escapar. Isto intriga os matadores que decidem investigar a fundo a história, que envolve um passado secreto do executado e seu algoz, o contratante dos assassinos (Ronald Reagan, sim, o futuro presidente dos EUA). Esta busca pelo passado mostra uma série de flashbacks que vão desvendando as razões daquela morte. Personagens e histórias vão surgindo em cena, esclarecendo pequenas partes de um intrincado quebra cabeças. E, como todo noir que se preze, temos também uma femme fatale, interpretada por uma sedutora Angie Dickinson. Tudo não passava de um assalto a um caminhão de transporte de valores que acabou em traição no grupo. A morte encomendada era portanto apenas um acerto de contas. Mas, nada é tão simples como parece. Há uma complexidade nas relações do trio John Cassavetes - Ronald Reagan - Angie Dickinson, que remete para um desfecho inesperado.

Em Os Assassinos já encontramos traços do estilo de Don Siegel  que seriam uma constante nos filmes que dirigiu ao longo dos anos (Meu Nome é Coogan; Os Abutres também tem Fome; O Estranho que Nós Amamos; Perseguidor Implacável; O Homem que Enganou a Máfia; O Telefone; Alcatraz, Fuga Impossível): economia de planos, precisão do corte, diálogos curtos. Nada em excesso. Tudo funcional e preciso. O pupilo e herdeiro Clint Eastwood, que muito filmou com Siegel, em sua carreira como diretor segue a mesma cartilha do velho mestre, e costuma se dar muito bem.

A dupla de assassinos (Lee Marvin e Clu Gulager), antes e depois do crime, conversam bastante, são irônicos, durões, dizem banalidades, fazem coisas triviais do dia a dia. Enfim, até parecem gente bem bacana. Isso por acaso lembra outra dupla famosa de assassinos? Que tal John Travolta e Samuel L. Jackson em Pulp Fiction? E mais, não seria nenhuma surpresa se a estrutura de flashback / presente do mesmo Pulp Fiction fosse uma inspiração de Quentin Tarantino a partir dos retrocessos e avanços da narrativa de Os Assassinos.

Assista o trailer: Os Assassinos

(Texto originalmente publicado na coluna “Cinefilia” do DVD Magazine em fevereiro de 2017)

Jorge Ghiorzi

Spartacus (1960)

“O Céu Que Nos Protege”: um deserto de paixões

Ao longo de toda a carreira o cineasta Bernardo Bertolucci evidenciou nos filmes que dirigiu sua crítica à sociedade burguesa, alternando momentos de maior contundência política, como em A Estratégia da Aranha; O Conformista e 1900, e outros mais amenos, como La Luna; Beleza Roubada ou Os Sonhadores. No entanto, o que mais fica flagrante ao examinar-se sua filmografia com a perspectiva histórica, é que Bertolucci no fundo sempre foi um grande romântico. Por baixo daquele verniz politizado, tendendo ao intelectual, sempre bateu um coração seduzido pelas artimanhas do amor.

Uma produção, não exatamente valorizada na sua obra, meio esquecida até, conseguiu reunir de forma equilibrada estas duas facetas de Bertolucci. Em O Céu Que Nos Protege (The Sheltering Sky, 1990) nos deparamos com uma síntese consolidada que acomoda o projeto estético ao discurso político do realizador. A consagração mundial com O Último Imperador (1987), vencedor de diversos prêmios internacionais, incluindo 9 prêmios do Oscar, tornou Bernardo Bertolucci um realizador global com cacife para comandar grandes superproduções. Nesta fase da carreira ele passa a fazer o que poderíamos chamar de “cinema étnico”. Deste período, além dos citados O Último Imperador e O Céu Que Nos Protege, também podem ser incluídos filmes como O Pequeno Buda e Assédio.

Baseado no livro de Paul Bowles, com roteiro do próprio Bertolucci em parceria com Mark Peploe (ambos também escreveram O Último Imperador e O Pequeno Buda), o filme tem a ação centrada no ano de 1948, período marcado pela recuperação global pós-Segunda Guerra Mundial. O cenário é o Norte da África, particularmente na região dos desertos, incluindo o Saara.

Os protagonistas são Port Moresby (John Malkovich) e Kit Moresby (Debra Winger), casal nova-iorquino em crise conjugal. Em busca de um sentido existencial, e também reacender uma paixão que sucumbiu com o peso dos anos, eles ficam viajando pelo mundo, sem plano de voo nem destino definido. Ficam ao sabor do vento e dos desejos da hora. Enquanto viajam, esperam curar as feridas de um relacionamento desgastado. É sintomática e reveladora a explicação que ambos dão para a diferença entre “turista” e “viajante”. Segundo Port, “o turista pensa em voltar para casa assim que chega a algum lugar”. E Kit complementa: “o viajante pode nem voltar”. Port e Kit são, portanto, viajantes por definição. Há ainda um terceiro elemento nesta jornada. Um amigo do casal, George Tunner (Campbell Scott), companheiro de viagem, que assume o papel de confidente e parceiro de aventuras, ao mesmo tempo em que nutre sentimentos reprimidos pela amiga Kit. Apresenta-se então como um fator desagregador num triângulo amoroso involuntário.

Simbolicamente uma viagem tanto pode significar reciclagem, descoberta ou fuga. A jornada de Port e Kit consegue abarcar todos estes significados. Um casal em constante movimento, em busca de um porto seguro, ainda que seja apenas a miragem de um oásis no deserto. Quanto mais se afastam do mundo urbano das metrópoles, repleto de recursos materiais, e se embrenham na vastidão de terras desertas, mais se aproximam de seus verdadeiros sentimentos. Uma viagem de sinal trocado, rumo ao passado, partindo da civilização para encontrar a plenitude apenas no primitivo. Numa das mais belas e emblemáticas sequencias de O Céu Que Nos Protege, Port e Kit saem para passear de bicicleta e se deslumbram com a visão majestosa do deserto visto do topo de um penhasco. Seduzidos pelo espetáculo da natureza, se entregam aos desejos e fazem amor sobre as pedras. Sob o manto azul do céu que tudo cobre e protege, vivem um momento fugaz de sintonia plena, acompanhados pela trilha sonora grandiosa de Ryuichi Sakamoto e a fotografia espetacular do mestre Vittorio Storaro.

O ritmo lento, por vezes contemplativo, da narrativa vai num crescendo emocional das personagens que se (re)descobrem como agentes do seu próprio destino. Port e Kit podem fugir do passado, mas não controlam o futuro. Resta apenas o presente, imponderável. Mas, a tragédia sempre ronda as histórias de amor. Ao aflorarem os verdadeiros sentimentos que ambos sentem, o destino prega uma peça. O tempo perdido não volta mais. No terceiro ato, após a jornada sem mapas nem bússola, a roda da vida gira e volta ao início. Ao retornar ao ponto inicial da jornada, uma nova Kit entra no restaurante do hotel e recebe um questionamento metalinguístico do próprio narrador do filme (interpretado pelo escritor Paul Bowles): “Você está perdida?”. E Kit, derrotada e exaurida, confessa: “Sim”.

Road movie existencial com forte caráter intimista, O Céu Que Nos Protege é um projeto ambicioso, repleto de beleza, paixão e sentimento.

Assista o trailer: O Céu Que Nos Protege

(Texto originalmente publicado na coluna “Cinefilia” do DVD Magazine em janeiro de 2017)

Jorge Ghiorzi

“Crônica de um Amor Louco”: poesia no caos

Conhecido pela crueza de seus contos, histórias curtas e crônicas ambientadas no submundo dos excluídos, desiludidos e errantes sociais, o escritor Charles Bukowski encharcou sua obra com muito álcool, muita sacanagem, muito sexo, muitos palavrões e muitas mulheres sem nome. O interesse do cinema por adaptações de seus livros vem desde os anos 70. Mas foi apenas nos anos 80 que sua obra ganhou maior visibilidade para o grande público graças ao lançamento de três títulos adaptados de suas histórias.

Um deles foi Barfly – Condenados pelo Vício, dirigido por Barbet Schroeder em 1987, estrelado por Mickey Rourke e Faye Dunaway, num período onde ambos gozavam de grande prestígio na indústria. Ainda naquele mesmo ano, o próprio Schroeder lançaria também o documentário The Charles Bukowski Tapes, que reúne uma série de entrevistas com o escritor. Outro destaque daquele período foi Crazy Love (também 1987), dirigido por Dominique Deruddere, baseado em três contos do escritor. No entanto, a melhor de todas as presenças de Bukowski nas telas surgiu bem no início dos anos 80, permanecendo até hoje como uma das mais bem sucedidas adaptações da sua vida e obra, que se mesclam de forma simbiótica pelo forte caráter autobiográfico de seu texto. O filme era Crônica de um Amor Louco (Storie di ordinária follia, 1981), realizado pelo cineasta italiano Marco Ferreri, o mesmo de A Comilança.

Baseado no primeiro dos dois volumes da obra “Ereções, Ejaculações e Exibicionismos”, particularmente no conto “A mulher mais linda da cidade”, e também inspirado na vida do próprio Charles Bukowski, Crônica de um Amor Louco conta a história de Charles Serking (Ben Gazzara), um poeta errante, amante das bebidas, das mulheres e das letras, que vive perdido na cidade dos anjos perdidos, Los Angeles. Serking é uma encarnação ficcional, um alter-ego, do próprio Bukowski, cujas histórias contadas foram também vividas, vivenciadas. Ele fala (no caso, escreve) com conhecimento de causa.

Naquela vida sem rumo, passando de bar em bar, vagando pelas ruas em busca de fortuitas aventuras amorosas, e, eventualmente sentando à máquina de escrever, quando sóbrio, para redigir poesias e contos, Serking acaba por cruzar com uma alma gêmea, a bela prostituta Cass (Ornella Muti), também em busca de um sentido para sua atormentada existência. Deste encontro nasce um romance amargurado, marcado pela urgência e o desespero. Enquanto Serking purgava sua angústia através da poesia, Cass buscava o equilíbrio emocional cometendo o autoflagelo físico, punindo-se simplesmente por ser bela. Um amor de conotações sadomasoquistas se estabelece então.

Serking e Cass são duas peças “defeituosas” que não se encaixam na máquina da sociedade estabelecida. Forasteiros de um sistema que corrompe consciências e reprime o individualismo libertário, eles nadam contra a correnteza e assumem os riscos Como bem diz Serking em dado momento, “os fracassados são as pessoas mais verdadeiras deste mundo”.

Explorando situações bizarras e episódicas, com poucos diálogos, o realizador Marco Ferreri explora o embate da beleza contra o caos, sem, no entanto, abandonar seus personagens à própria sorte. Um olhar de carinho e atenção está sempre presente. Em meio à derrocada moral do universo que conspira, há sempre a poesia. A poesia que vence a desgraça. Salva e redime.

Neste sentido, é exemplar a sequência final que se passa na amplitude de uma praia deserta. Em cena, apenas Serking, amargurado pela tragédia com sua amada, e uma adolescente solitária. Enquanto ele recita uma poesia, ela desnuda o corpo jovem. Um momento que evoca a busca por uma juventude que se perdeu no passado ao mesmo tempo em que confronta a necessidade de encarar um futuro sem perspectivas. A sequência, bela por si só, remete ainda ao antológico e emblemático final de A Doce Vida, de Federico Fellini, que mostra Marcello Mastroiani também se deparando com uma jovem enigmática numa praia, com a qual não consegue se comunicar com palavras.

Consta que Charles Bukowski não aprovou o desempenho de Ben Gazzara, mas, neste caso, vamos deixar de lado a opinião do “velho safado”. O fato objetivo é que Ben Gazzara é a grande força emocional de Crônica de um Amor Louco, e seu desempenho visceral evidencia um ator totalmente mergulhado nas entranhas do personagem.

Assista o trailer: Crônica de um Amor Louco

(Texto originalmente publicado na coluna “Cinefilia” do DVD Magazine em dezembro de 2016)

Jorge Ghiorzi

“O Formidável”: Godard 24 quadros por segundo

Mais do que o enfant terrible da Nouvelle Vague francesa, Jean-Luc Godard foi o maior símbolo do movimento cinematográfico que reformatou uma nova maneira de fazer cinema a partir do início dos anos 60. Com opiniões fortes e uma visão bastante particular de como os filmes deveriam ser feitos – e a que propósito deveriam servir – o realizador francês tornou-se tão grande quanto seus filmes. Praticou um cinema de autor na sua forma mais radical e desenvolveu para si próprio um “personagem” ao qual se entregou com indisfarçável prazer. Agora, o “personagem” Godard, ele próprio, participa de um filme biográfico como protagonista revivendo um período atribulado da sua vida pessoal / profissional no final dos anos 60.

O Formidável (Le redoubtable), dirigido por Michel Hazanavicius, é baseado no livro "Um Ano Depois" escrito pela atriz Anne Wiazemsky que relata sua relação com Godard, com quem foi casada por alguns poucos anos (após o fim do relacionamento do diretor com Anna Karina). O auge do romance ocorre durante o período das filmagens de A Chinesa, em 1967, às vésperas dos movimentos de Maio de 68. No papel de Godard está o ator Louis Garrel (num desempenho excepcional) conhecido por interpretar um dos jovens do trio central de Os Sonhadores, de Bernardo Bertolucci.

O retrato de Godard apresentado na obra de Anne Wiazemsky, e por consequência no filme de Hazanavicius, não é exatamente lisonjeiro, pelo contrário, revela uma pessoa extremamente complexa, cuja convivência na intimidade estava longe de ser das mais agradáveis. Polemista por excelência, o realizador francês não deixava barato nenhuma discussão e comprava todas as brigas que estivessem ao seu alcance. Apontar incoerências dos adversários – e da sociedade francesa em geral – era seu esporte favorito. Enfim, um ranzinza de carteirinha em tempo integral, a 24 quadros por segundo.

Toda uma iconografia clássica de símbolos, características dos filmes de Godard, estão presentes em O Formidável. Lá estão os reconhecidos créditos em letras vermelhas e azuis, uma profusão de imagens de cartazes, placas e painéis de rua, e a referência constante aos livros, especialmente aos populares policiais pulp. Além destas citações gráficas, que remetem ao imaginário fílmico de Godard, o filme de Michel Hazanavicius por vezes emula também o clima de alguns dos mais significativos trabalhos do diretor, como A Chinesa (por óbvio, pois retrata alguns bastidores da produção), O Demônio das Onze Horas (Pierrot le fou), Week-end à Francesa, Made in U.S.A. e especialmente a obra-prima O Desprezo, narrativa com a qual espelha uma similaridade direta por narrar também a relação turbulenta de um artista intelectual com uma estrela do cinema em ascensão, em meio a um permanente embate entre a arte, a política e o capital.

O Formidável oferece, com a devida excusa pelo trocadilho, um formidável painel de uma época de intensa agitação política e cultural, cujo ápice foram as manifestações e passeatas do movimento de Maio de 68 nas ruas de Paris. Este episódio também foi rememorado em 2003 no já citado Os Sonhadores, de Bertolucci, realizador que também aparece em O Formidável na recriação de um episódio polêmico onde Godard ofende e desacata o diretor italiano, fato que resultou num rompimento dos dois.

Vencedor do Oscar de Filme e Diretor de 2012 com O Artista, Michel Hazanavicius faz em O Formidável um trabalho ainda mais inspirado e coerente, e, em muitos aspectos, superior ao trabalho oscarizado. Não cai na tentação de referenciar em demasia a figura mítica do seu conterrâneo, colega de profissão. Ao contrário, não se recusa a expor todas as fragilidades e contradições de Jean-Luc Godard, cuja personalidade egocêntrica transita da arrogância ao bom humor, do ativista radical ao bom burguês num piscar de olhos. A tarefa arriscada e perigosa de retratar uma personalidade pública ainda viva é, antes de tudo, uma ousadia, mas Hazanavicius sai ileso desta missão ingrata e realiza um filme que se assiste com imenso prazer. Para um cinéfilo o prazer é ainda maior.

O título do filme é uma referência ao primeiro submarino nuclear francês, lançado no mesmo período em que se passam os fatos narrados, que recebeu da imprensa local o apelido de “O Formidável”.

Assista o trailer: O Formidável

Jorge Ghiorzi

“Como Roubar Um Milhão de Dólares”: irresistível sedução

Paris é uma festa. Mas acrescente a este cenário lúdico uma estrela de cinema que esbanja elegância a cada movimento de seu corpo esguio. Inclua um requintado ator inglês exalando simpatia a cada frase pronunciada. Envolva tudo com uma história de conquista amorosa. E, toque final, acrescente uma pitada de suspense, e doses generosas de bom humor. Voilà! Estamos diante de uma clássica comédia romântica, que neste caso chama-se Como Roubar Um Milhão de Dólares (How to steal a million, 1966). Por fim, um conselho: consuma sem moderação. Deixe-se levar por este “guilty pleasure”, sem remorso.

Estrelado pela dupla Audrey Hepburn e Peter O’Toole, muito confortáveis em seus papéis, este típico produto da fase final da velha Hollywood foi dirigido com hábil leveza por William Wyler (Ben-Hur; Os Melhores Anos de Nossas Vidas; Da Terra Nascem os Homens) um dos mais versáteis e confiáveis artesãos da época que eles trabalham a soldo dos grandes Estúdios. Ao realizar Como Roubar Um Milhão de Dólares, o cineasta estava já no apagar das luzes de sua vasta e portentosa filmografia, iniciada praticamente com a adoção do cinema falado (seu primeiro filme foi realizado em 1928) e que se prolongaria ainda por mais dois trabalhos, lançados em 1968 e 1970.

Esta comédia romântica se insere também no subgênero dos filmes de grandes roubos, do qual Rififi e Topkapi (ambos de Jules Dassin) e O Grande Golpe (de Stanley Kubrick) são exemplos muito lembrados. Inclusive, durante a produção, William Wyler chegou a se aconselhar com Kubrick, em busca de inspiração para a abordagem que deveria adotar. Porém, num decisão que se mostrou acertadíssima, Wyler mudou o rumo da história e assumiu o tom de farsa, flertando abertamente com a pura comédia.

O universo da narrativa se circunscreve ao mundo das artes plásticas, onde pinturas e esculturas são supervalorizadas e disputadas em leilões por milionários em busca de um verniz cultural. É neste circuito da elite endinheirada e perdulária que circula Charles Bonnet (Hugh Griffith), um espertalhão habilidoso, especializado em falsificar obras de grandes artistas. Nas altas rodas ele é conhecido como um grande colecionador de artes. Eventualmente, quando precisa de dinheiro, ele coloca uma obra de arte “falsa” em leilão. Sem nenhum receio, afinal, quem compra é um milionário qualquer, que não está nem um pouco preocupado com autenticidade. O que vale é o status de contar com a obra de arte na sua parede.

A sorte do falsário muda quando o governo francês solicita o empréstimo de uma famosa escultura do acervo de Bonnet (obviamente falsificada) para expor no museu em Paris. Para efeitos da apólice de seguro da obra, o museu necessita fazer uma perícia técnica (mera formalidade) para comprovar sua autenticidade. Prestes a ser desmascarado e acusado de falsificador, entra em cena a filha de Bonnet, Nicole (Audrey Hepburn), disposta a tudo para salvar a reputação do pai. A única saída é arquitetar um plano para roubar a própria escultura exposta no museu (avaliada em um milhão de dólares). Para esta tarefa Nicole conta com a ajuda do misterioso e sofisticado ladrão Simon Dermott (Peter O’Toole). E, por tratar-se de uma comédia romântica, sabemos todos, de antemão, que Simon haverá também de “roubar” o coração de Nicole.

Com uma trama bem construída e igualmente bem solucionada, Como Roubar Um Milhão de Dólares propõe um pequeno jogo de aparências com o espectador, contrapondo a questão básica do original x falso ao perfil das personagens. Eles são exatamente o que sugerem de fato serem? Seus atos são honestos, sinceros? Ou são dissimulados e manipuladores? “Farsa”, esta é uma boa palavra para definir está ótima comédia que anda meio esquecida, mas merece uma revisão.

Em tempos politicamente corretos que vivemos, parece uma ousadia torcermos pelo ladrão em detrimento da lei. Mas o gênero da comédia permite tal tipo de transgressão. Além disso, como não ser seduzido pelo irresistível charme dos contraventores Simon e Nicole. Sem falar na fina ironia dos espirituosos diálogos, cheios de duplo sentido e segundas intenções, do casal em constante e ostensivo flerte.

Como Roubar Um Milhão de Dólares é um filme que inspira certa nostalgia de um tempo de inocência que não volta mais. Um prova indelével da marca da passagem do tempo (lá se vão 50 anos do lançamento) é a então quantia “astronômica” de 1 milhão de dólares, que hoje, convenhamos, é coisa de ladrão de segunda linha.

Assista o trailer: Como Roubar Um Milhão de Dólares

(Texto originalmente publicado na coluna “Cinefilia” do DVD Magazine em dezembro de 2016)

Jorge Ghiorzi