“Ambulância – Um Dia de Crime”: motorista sem limites

 

Abram caminho no trânsito. Lá vem a ambulância. A bordo, um policial ferido e uma socorrista. No volante, dois assaltantes em fuga. No comando, um cineasta movido à adrenalina aditivada: Michael Bay. Esta poderia ser uma sinopse minimalista de Ambulância – Um Dia de Crime (Ambulance), a eletrizante versão estadunidense de um filme de ação dinamarquês lançado em 2005. Porém, de minimalista não temos nada. Tudo é over e superlativo, afinal, estamos falando de Michael Bay.

E é justamente pela visão do realizador que se inicia a análise deste vertiginoso thriller de assalto a banco. Há ali, de maneira flagrante, uma assinatura, um estilo de filmar, um modo de injetar vertigem na narrativa, sem dar trégua ao espectador. Não se trata de uma forma esporádica de filmar. É uma tradição recorrente que se reafirma, filme após filme, desde Os Bad Boys, A Rocha e Armageddon, nos anos 90, até Transformers, Sem Dor, Sem Ganho e 13 Horas: Os Soldados Secretos de Benghazi, nos anos 2000. Então, sim, para Michael Bay a forma se impõe decisivamente sobre o conteúdo.

Posto isso, vamos ao que interessa. O “rei das explosões” está de volta, desta vez com uma veloz e furiosa Ambulância como uma das “personagens”, que entra por azar no centro de um malogrado assalto a banco. Os autores do roubo são dois irmãos (um deles adotivo). Danny (Jake Gyllenhaal) é um criminoso profissional, reconhecido pela ousadia e inteligência. Will Sharp (Yahya Abdul-Mateen, do recente Matrix Ressurectons), seu irmão, é um ex-combatente do Exército norte-americano, em dificuldades financeiras para bancar a cirurgia da esposa. Ao pedir ajuda ao irmão, Will é convencido por Danny a participar do grupo que vai assaltar um banco em busca de 32 milhões de dólares (isso, dinheiro físico, cédulas). O roubo, que parecia fácil, dá errado e a dupla escapa da cena do crime sequestrando uma ambulância que está no local para atender os feridos do intenso tiroteio.

Em se tratando de filme de Michael Bay, a formatação clássica dos três Atos sofre uma sensível distorção dos cânones hollywoodianos. Temos dez minutos expositivos no primeiro Ato, seguidos de frenéticos 90 minutos no segundo Ato, e por fim rápidos três minutos de desfecho no terceiro Ato. É papo reto.

Diferente de Velocidade Máxima (1994), com o qual guarda alguma semelhança pelo mote da perseguição implacável, com alguma surpresa podemos identificar que em Ambulância – Um Dia de Crime o diretor vai um pouquinho além (bem pouco, diga-se) demonstrando alguns sinais vitais em seus personagens principais. Isso mesmo, há vidas reais por trás daqueles personagens, mas nada que roube a cena a ponto de distrair a plateia para a essência da caçada motorizada pelos subúrbios da ensolarada Los Angeles. Neste aspecto se destaca a socorrista Cam Thompson, vivida pela mexicana Eiza Gonzáles (Em Ritmo de Fuga e Velozes & Furiosos: Hobbs & Shaw), que apresenta um arco de personagem que a transforma ao longo da narrativa. A Cam Thompson do inicio do filme não é a mesma do final, após o desfecho do episódio da perseguição. O coração do filme está em suas mãos, no sentido figurado e literal. O cinema da testosterona de Bay dá ainda sinais que se atualiza aos novos tempos de diversidade: um dos agentes do FBI tem um relacionamento homoafetivo.

A natureza nos impõe algumas leis irrevogáveis, mas não para Michael Bay. Para ele a Lei da Gravidade simplesmente não existe. Além disso, a energia cinética dos seus veículos em movimento parece desafiar a Física que se conhece. Tudo em nome do espetáculo, e que espetáculo! Algumas das sequências ensandecidas das perseguições (e dos tiroteios também) são no mais das vezes empolgantes. A utilização de drones nas tomadas está cada vez mais desenvolvida, e o diretor faz um excelente trabalho utilizando esta técnica de captação do movimento real.

A edição frenética e a câmera instável também estão presentes, um cacoete que Michael Bay trouxe dos diversos videoclipes musicais que dirigiu antes de entrar para a carreira de diretor de cinema. Nestes aspectos visuais Bay traz alguns traços de semelhança com o trabalho do precocemente morto Tony Scott, que tinha o hábito (amuleto?) de utilizar um surrado boné rosado durante as filmagens. Curioso que em Ambulância um dos personagens (líder da equipe do FBI) utiliza também um surrado boné com esta cor. Caso tenha sido uma homenagem intencional, foi bem-vinda.

Ambulância – Um Dia de Crime não reinventa a roda, mas dá fôlego para um gênero de filme de ação que parecia não empolgar mais as plateias pela repetição ad infinitum da fórmula (está aí a franquia Velozes & Furiosos, testando os limites da paciência do público). Aqui estão, lado a lado, o melhor e o pior de Michael Bay. Ao equilibrar-se entre a megalomania e a pieguice, ele até se permite a fazer piadinhas autorreferentes com dois de seus maiores sucessos, A Rocha e Os Bad Boys. Agora, vamos aguardar seu novo projeto, uma ficção científica chamada Robopocalypse.

Assista ao trailer: Ambulância – Um Dia de Crime

Jorge Ghiorzi

Membro da ACCIRS

“Belfast”: crônica irlandesa

A utilização das cores, ou sua ausência, é uma decisão estética que prenuncia a proposta memorialista de Belfast (Belfast, 2022) de Kenneth Branagh. O exercício de estilo se evidencia já na abertura com os planos aéreos da colorida capital da Irlanda do Norte nos dias atuais. Na sequência ocorre uma transição, as cores desbotam e retornam ao básico preto e branco. Num passe de mágica da edição somos transportados para o passado. Mais precisamente a Belfast de 1969, quando o realizador tinha apenas nove anos. A cidade passa a ser então apenas cenário, pois o protagonismo será do seu pequeno alter ego, Buddy (Jude Hill). Será sob seus olhos que seremos testemunhas de um doce e singelo acerto de contas com as memórias afetivas de Branagh. E que maneira melhor para um artista do audiovisual fazer isto senão através de um filme de recorte nostálgico?

À sua maneira Kenneth Branagh faz de Belfast um Amarcord (Fellini), um Roma (Cuarón), um Os Esquecidos (Truffaut) para chamar de seu. A referência não é gratuita, pois o cinema, de modo geral, está muito presente na crônica por meio das memórias dos filmes que Buddy assiste na TV (sempre em preto e branco) ou nas salas de exibição (sempre coloridos). Naquela época Belfast – e a Irlanda de modo geral – vivia tempos de guerra civil com os constantes embates entre protestantes e católicos.

No meio deste conflito encontramos pela primeira vez o pequeno Buddy. No caso específico, literalmente. Enquanto brincava na até então tranquila rua na frente de casa, em um bairro proletário dos subúrbios da cidade, o garoto vê, para seu espanto genuíno, uma guerra ser deflagrada bem na frente dos seus olhos. Em um elegante giro de 360º (tipo Cidade de Deus) a câmera identifica todo o entorno do personagem até assumirmos seu ponto de vista. Um bando de ativistas protestantes invade a rua e barbariza geral com bombas e tiros a quietude daquela gente, exigindo a retirada imediata de todos os católicos da região. Este episódio de violência vai afetar e determinar os destinos de Buddy e sua família a partir de então.

Para o garoto o conflito é apenas um acontecimento chato, que atrapalha as brincadeiras de rua devido às barricadas que os vizinhos do bairro montam nas esquinas para não serem novamente surpreendidos pelos ataques. Parcialmente alheio, ou ao menos sem a compreensão total do que está ocorrendo, Buddy na verdade está mais interessado nos filmes, no despertar do olhar para as garotas, nos chocolates surrupiados do armazém da esquina e nos papos com seus amorosos avós (Ciarán Hinds e Judi Dench, espetaculares). Em casa vive num lar com pais separados – não pelo casamento - mas pelas condições de trabalho. O pai (Jamie Dornan) trabalha em outra cidade e passa longas temporadas longe de casa. A mãe (Caitriona Balfe) assume a gestão da família, dos filhos, da sobrevivência em meio aos conflitos e das dívidas com o banco. Tudo isto leva a um ponto de inflexão que exigirá uma difícil decisão para a família: mudar de cidade para buscar melhores condições de vida, deixando para trás suas raízes culturais e afetivas, ou ficar lutando para tentar mudar uma realidade que ameaça o futuro dos filhos.

Tudo é narrado por Branagh de forma sincera, honesta e afetuosa, sem revelar dor excessiva. A guerra, o desemprego e as lutas religiosas são meros panos de fundo quando vistos pelos olhos inocentes de uma criança. O roteiro (do próprio diretor) opta por captar apenas o lado alegre da vida, apesar da realidade circundante eventualmente não ser um mar de rosas. Não é exatamente uma fuga da realidade, mas uma forma humanizada de resgatar o passado, como a nos dizer que, apesar de tudo, “éramos felizes e não sabíamos”.

Formalmente belo e sedutor, Belfast propõe uma visão humanizada – mas idealizada e romântica - de um momento decisivo da história da Irlanda. Não é assim que funcionam nossas reminiscências? Contamos as melhores partes e deixamos as dores para trás.  O longa representa também uma bem-vinda retomada de Kenneth Branagh aos filmes mais autorais. Nos últimos tempos ele vinha se especializando em ser um artesão de luxo de Hollywood realizando uma série de projetos grandiosos sob encomenda para os grandes estúdios, que procuram o verniz de um diretor de prestígio para comandar grandes filmes populares (Thor, Cinderela, Artemis Fowl). No início de carreira chegou a ser chamado de “novo Laurence Olivier” por dirigir e estrelar com grande sucesso uma versão de Henrique V em 1989. Que este reencontro de Branagh com o passado em Belfast sirva para reorientar sua carreira para novos rumos.

Assista ao trailer: Belfast

 

Jorge Ghiorzi

Membro da ACCIRS

“Batman”: mais herói, menos super

O Halloween, o Carnaval dos países anglo-saxônicos, é aquela celebração pública onde somos autorizados a vestir uma fantasia e colocar uma máscara para interpretar um papel diferente daquele que vivemos no cotidiano. Não é a toa que o novo Batman (The Batman), recriado por Matt Reeves (Cloverfield – Monstro, Deixe-me Entrar e Planeta dos Macacos – O Confronto), inicie justamente em um dia 31 de outubro, Dia das Bruxas. Os mascarados, heróis e vilões, saem das sombras e barbarizam numa soturna Gotham City. Os primeiros minutos da nova aventura do cavaleiro das trevas já dão a senha: esqueça tudo que você já viu do Batman. Inicia aqui uma Nova Era para as adaptações cinematográficas do personagem.

Após uma dezena de encarnações em diferentes filmes, com diversas interpretações e distintas estéticas, tudo leva a crer que o Batman de 2022 tenha enfim chegado ao tão desejado estado da arte almejado pela Warner / DC. Com direito a bônus. O filme ainda possui potencial para disputar as estatuetas do Oscar no ano que vem, ainda que tenha sido lançado cedo demais, pois as indicações só começam a esquentar e definir-se a partir de outubro. Portanto, a Warner terá que manter o hype por vários meses.

Quando o novo projeto de uma adaptação de Batman foi anunciado há poucos anos, houve forte manifestação contrária dos fãs mais radicais, essencialmente preconceituosa, que criticaram a escolha de Robert Pattinson para substituir Christian Bale no papel de Bruce Wayne / Batman. O receio era que o forte recall de Pattinson como o frágil e insosso vampiro da franquia Crepúsculo poderia comprometer a credibilidade do personagem. Mas, com o filme na tela, a desconfiança evaporou, como se nunca tivesse existido. Pattinson encontrou o tom adequado para interpretar o Batman fatalista e amargurado proposto por Matt Reeves.

Isto no leva a outro ponto de observação. Desta vez Batman é efetivamente o protagonista que conduz a história, acompanhamos essencialmente o ponto de vista do herói, e não dos vilões, como estava se tornando certa tendência nas encarnações anteriores. Mas do que se trata este novo Batman sob o comando de Reeves? Basicamente o que temos é uma história de caça ao assassino, o mote elementar das histórias policiais de investigação. O que, convenhamos, faz total sentido com o cânone original do herói mascarado. Afinal, o homem-morcego surgiu no mundo dos quadrinhos em uma publicação chamada “Detective Comics” em 1939, e logo passou a ser conhecido como o “Melhor Detetive do Mundo” no universo das HQs. Portanto, estamos diante de um retorno à essência do personagem, um resgate de identidade.

Localizado no segundo ano após o surgimento de Batman como vigilante das ruas de Gotham City, o filme nos mostra um Bruce Wayne recluso, refugiado em sua gótica mansão. Seus poucos contatos são o ajudante de ordens, Alfred Pennyworth (Andy Serkis), e o Tenente James Gordon (Jeffrey Wright). Quando um sádico assassino serial tem como alvo a elite política da cidade, uma série de mensagens enigmáticas leva o “maior detetive do mundo” para o centro das investigações no submundo corrupto da cidade. Na jornada ele encontra personagens como Selina Kyle, também conhecida como Mulher-Gato (Zoë Kravitz), Oswald Cobblepot / Pinguim (Colin Farrell), Carmine Falcone (John Turturro) e Edward Nashton, conhecido como o Charada (Paul Dano). Batman precisa desmascarar o(s) culpado(s) e fazer justiça ao abuso de poder e à corrupção que há muito tempo assola Gotham.

Um fato flagrante que salta aos olhos neste novo Batman é a utilização comedida do CGI, o que resulta em um personagem e uma narrativa mais orgânica. O conceito de low tech também se manifesta nas bat-gadgets. O carro do Batman está mais para um Mustang tunado e a moto é praticamente convencional, bem distante da visão altamente tecnológica que Christopher Nolan mostrou na sua trilogia com naves sofisticadas, supercarros e motos com design inovador. Então, estamos diante de um Batman mais pé no chão. O contato com o chamado mundo real que vivemos é ainda espertamente reforçada com a utilização de uma canção do Nirvana que pontua o filme e cujas primeiras notas (rearranjadas pelo autor da trilha sonora, Michael Giacchino) são acordes que assinam a presença do herói mascarado. Por fim, um destaque para a maravilhosa paleta de cores do fotógrafo Greig Fraser (do recente Duna) que inclui o vermelho neon, sem comprometer o aspecto soturno e pesado da direção de arte, que por vezes nos remete a Seven de David Fincher, não por acaso um filme sobre um assassino serial.

Diferente da imensa maioria dos filmes inspirados em quadrinhos o Batman de Reeves não sucumbe à urgência de uma narrativa de caráter pop, pois tem sempre algo um tanto mais consistente a nos contar. O andamento é ritmado, pausado, expandido. Dá o tempo necessário de reflexão ao expectador e assegura robustez à construção do protagonista, com suas motivações, seus vacilos, sua ação cerebral e suas interações pessoais. Claro, sem abrir de das necessárias sequências pontuais de ação (sem excesso), afinal, trata-se de uma adaptação de quadrinhos para o cinema, e a base de fãs precisa ser contemplada com o espetáculo.

Estamos diante de um ponto de virada nas adaptações de quadrinhos? Difícil afirmar, mas a amostra é promissora. O que podemos sim reconhecer é que houve uma dose de ousadia da DC em explorar novas possibilidades e finalmente dar uma cara própria para seus filmes de (super) heróis. Com Batman (cujo título no Brasil não leva o artigo “O”) a DC ganha autoridade e personalidade com uma muito bem sucedida reinterpretação do morcego mascarado.

Assista ao trailer: Batman

Jorge Ghiorzi

Membro da ACCIRS