A Odisseia: longo caminho de volta

A imponência poética do clássico de Homero, obra seminal da literatura ocidental, encontra uma equivalente magnitude visual nas imagens colossais da adaptação A Odisseia (The Odyssey), de Christopher Nolan. Logo na abertura, o diretor nos lança em um território cercado de presságios, pistas sutis e subtextos narrativos que preparam o terreno para o que está por vir. É uma imersão direta no desconhecido, na qual a imensidão física do cenário serve como metáfora para o vazio e a incerteza do próprio destino humano. Na condição de testemunhas, nos sentimos tão perdidos e desamparados quanto os antigos navegantes diante de um oceano sem mapas. 

A trama, em essência, reconta a milenar saga de Odisseu, vivido por Matt Damon como um líder calejado e assombrado pelas decisões do passado, cuja única obsessão é retornar para sua terra natal, a ilha de Ítaca, após o fim da guerra devastadora na conquista de Troia. Enquanto ele enfrenta uma verdadeira provação física e psicológica cruzando caminhos perigosos pelos mares, sua esposa Penélope, interpretada por Anne Hathaway, resiste como pode à pressão de pretendentes que tentam usurpar seu lar e seu reino. Completa o núcleo central o jovem Telêmaco, papel de Tom Holland, filho de Odisseu, que cresceu sem a figura paterna e agora tenta defender o legado da família. É a clássica história de Homero sobre família, lealdade, sobrevivência, destino e culpa. O elenco principal ainda conta com nomes como Robert Pattinson (Antinous), Lupita Nyong'o (Helena), Zendaya (Athena), Charlize Theron (Calypso), Elliot Page (Sinon), Mia Goth (Melantho) e John Leguizamo (Eumaeus).

Para traduzir toda essa carga dramática e a própria imensidão desse mundo mitológico em imagens, Nolan recorre a escolhas estéticas grandiosas. O diretor abriu mão do registro digital e rodou o filme inteiramente em película no formato IMAX de alta resolução. Essa decisão técnica não é mero capricho visual, pois a textura orgânica da película e a escala monumental das telas gigantes esmagam o espectador, transformando a sala de cinema em um templo de contemplação. É uma escolha que resgata a própria essência do cinema como uma experiência coletiva e sensorial de tirar o fôlego.

Os minutos iniciais da obra de Christopher Nolan desestabilizam temporariamente a compreensão do espectador, provocando uma desorientação pelo denso volume de informações apresentadas de imediato. No entanto, essa vertigem é calculada. Por volta dos 50 minutos de projeção, as engrenagens narrativas começam a entrar nos eixos e, em um passe de mágica, o filme domina completamente a nossa atenção, sem dar espaço para pausas ou fôlego restaurador. O resultado é surpreendente, pois os quase 160 minutos de duração fluem com tamanha organicidade que passam sem o peso arrastado comum a produções desse porte.

A conexão com o clássico milenar fica ainda mais fascinante pela maneira como a história é contada. Nolan, como é sua característica, aposta em uma narrativa não linear, em que o tempo se dobra e as cenas se misturam fora de ordem cronológica. Essa estrutura fragmentada, aliás, já estava de alguma forma presente na obra de Homero, que também começa no meio do caminho para só depois resgatar o passado através de lembranças. A montagem dinâmica desses diferentes planos narrativos funciona como um convite irresistível, prendendo a nossa atenção de um jeito tão forte que nos sentimos navegando lado a lado com o protagonista por aqueles reinos mitológicos.

No fundo, essa engrenagem temporal é o veículo perfeito para a receita clássica da Jornada do Herói. A viagem do protagonista por cenários gigantescos e perigosos serve como um espelho para o que acontece dentro dele. Cada monstro e obstáculo do mito grego ganha aqui uma roupagem psicológica. A fúria implacável de Poseidon se transforma no peso esmagador do destino, enquanto o magnetismo perigoso do canto das sereias e os feitiços de Circe passam a representar as distrações e tentações que nos desviam do caminho. Até mesmo o confronto cego com o Ciclope e a travessia tensa entre os redemoinhos de Caríbdis e as garras tentaculares de Cila encontram paralelo naquelas decisões limite onde qualquer erro é fatal. Ao passar por testes que quase o fazem perder o juízo, o herói é obrigado a deixar o orgulho e a vaidade de lado para finalmente conseguir voltar para casa. É a constatação de que vencer os perigos do caminho acaba sendo a parte mais fácil, porque o desafio de verdade é encarar os fantasmas que carregamos na nossa própria mente. Essa provação interna é ilustrada com perfeição no momento de epifania de Odisseu após contemplar a aniquilação completa de Troia, incluindo a destruição dos templos das divindades que, violados, desencadearam a fúria implacável de Poseidon.

Cercado de expectativas, o filme de Christopher Nolan se equilibra entre a grandiosidade de uma fantasia mítica, o dinamismo de uma aventura de ação e a escala íntima da jornada de um homem consumido pela culpa e por uma promessa. Tudo indica que A Odisseia já nasce clássico, embora só o teste do tempo possa, de fato, confirmar essa condição. Tomando de empréstimo o título da obra-prima de Dostoiévski, a narrativa se projeta como um verdadeiro 'crime e castigo' encenado no mitológico plano limite entre os homens e os deuses. Nessa fronteira espiritual e psicológica, Nolan transforma o peso do remorso humano em uma saga de proporções cósmicas, na qual a busca pela redenção se torna tão monumental quanto as próprias lendas que a cercam.

Assista ao trailer: A Odisseia

Jorge Ghiorzi

Membro da ABRACCINE (Associação Brasileira de Críticos de Cinema) e ACCIRS (Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul)

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O Convite.: relações perigosas

A vizinhança no cinema raramente é um espaço de neutralidade, pois funciona, antes, como um espelho de neuroses, desejos ocultos e paranoias sociais. Bisbilhotar a vida de quem mora a poucos metros é um tema clássico que atravessa gêneros, servindo de premissa tanto para o terror de O Bebê de Rosemary e o suspense de Janela Indiscreta, quanto para a sátira de costumes em O Pecado Mora ao Lado e a comédia escrachada de Meus Vizinhos São um Terror. Afinal, a proximidade física com estranhos sempre flerta com o perigo, o inusitado, o mistério ou a sedução. É exatamente nessa linha tênue de convivência forçada que se baseia a comédia dramática O Convite. (The Invite, 2026), oferecendo mais um instigante exercício prático sobre os limites — ou a total falta deles — da boa vizinhança.

São justamente esses limites que testam o casamento desgastado de Angela (Olivia Wilde) e Joe (Seth Rogen). Embora dividam o mesmo teto, ambos se comportam como estranhos que levam vidas autônomas, estacionados naquele estágio precário em que a aparente comunicação apenas revela a mais absoluta incomunicabilidade. Uma oportunidade de romper esse círculo vicioso de anulação mútua surge com a chegada dos novos moradores do andar de cima, os descolados e desinibidos Piña (Penélope Cruz) e Hawk (Edward Norton). Percebidos como o modelo idealizado de um relacionamento moderno que deu certo, eles são convidados por Angela para um jantar de boas-vindas, para a surpresa de Joe. Afinal, ele nutre certa antipatia pelos vizinhos devido aos ruídos escandalosos que eles fazem durante suas intensas noites de amor. É sob esse clima de expectativa e iminente acerto de contas que se inicia o que deveria ser um amistoso encontro de casais. Porém, o desdobramento da noite faz jus à clássica frase de Bette Davis em A Malvada: “Apertem os cintos, a noite vai ser turbulenta”.

As diferenças na dinâmica dos casais ficam evidentes no momento em que a porta se abre para recepcionar os convidados. A noite, que se inicia como uma comédia de erros, aos poucos muda de tom, sem nunca, porém, abrir mão do humor. Este, a propósito, é um dos grandes acertos de Olivia Wilde — aqui acumulando a função de diretora —, que conduz a narrativa de forma afiada, perspicaz e com pleno domínio de sua evolução

O Convite. é uma refilmagem da comédia espanhola Sentimental (2020), escrita e dirigida por Cesc Gay a partir de uma peça de sua autoria. O próprio Cesc é um dos responsáveis pelo roteiro da versão estadunidense da sua obra, ao lado de Will McCormack (Toy Story 4) e Rashida Jones. A origem teatral do texto fica evidente na tela pelo formato huis clos, no qual toda a ação se concentra em um único ambiente, “entre quatro paredes”. Contrariando a imensa maioria das adaptações de textos teatrais para o cinema, O Convite. jamais entedia o espectador por sua ausência de ação ou pelo cenário confinado. Pelo contrário: não há um minuto sequer de desperdício do interesse do público, graças a um texto sagaz, honesto e inteligente, somado a desempenhos inspirados e extremamente afinados, além de uma edição enxuta e orgânica que garante fluidez absoluta.

O encontro dos casais é regido, em seus momentos iniciais, pelas personas sociais que todos desempenham. Na superfície, todos se mostram idilicamente perfeitos, inteligentes e espirituosos, sem desvios de caráter e apresentados publicamente com as melhores versões de si mesmos, como em um filme de Woody Allen. Mas o teatro social dura pouco. Algumas taças de vinho depois as pequenas e inofensivas indiscrições privadas abrem caminho para pesadas confissões íntimas, abalando a amizade sincera que parecia surgir. Em certa medida, vimos algo semelhante no recente O Drama, quando verdades desconfortáveis vêm à tona. Ao descobrirem, de maneira hilária, o segredo por trás do estranho comportamento dos vizinhos barulhentos, Angela e Joe sofrem um choque de realidade que abala suas estruturas emocionais. O que descobrem os faz refletir sobre seus verdadeiros desejos reprimidos, provocando uma profunda análise sobre a própria história deles como um casal que um dia se amou, casou e pretendeu construir uma vida em comum.

Muito além de uma típica comédia romântica, O Convite. é um filme divertido sobre sexo, casamento e amores compartilhados. Um entretenimento para adultos, embalado pelo som aveludado de Sade: inteligentemente mordaz, delicadamente triste, genuinamente engraçado, confortavelmente moralista e sedutoramente inspirador.

Assista ao trailer: O Convite.

Jorge Ghiorzi

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Supergirl: jovem, rebelde e “humana”

 

Quatro décadas após o fracasso do longa de 1984, estrelado por Helen Slater, e da breve aparição em The Flash (2023), interpretada por Sasha Calle, a prima do Superman ganha finalmente uma nova oportunidade para um merecido protagonismo. A personagem agora ressurge em grande estilo para consolidar de vez o seu espaço no Universo DC. No período de produção do longa Supergirl, dirigido por Craig Gillespie (Cruella e Eu, Tonya), a revelação do nome da protagonista foi motivo de polêmica e críticas junto à base de fãs. A alegação era de que a selecionada Milly Alcock destoava muito do perfil que os quadrinhos apresentavam. Passado o burburinho de pré-lançamento, pode-se afirmar agora que a escolha da atriz foi um dos grandes acertos da produção. Ela possui o carisma e a energia necessários para encarnar uma figura alinhada aos tempos atuais, distante de estereótipos previsíveis de uma heroína tradicional, justamente por se revelar mais impulsiva e vulnerável, características que Milly acrescenta com naturalidade ao filme.

Ainda que Supergirl não seja, na prática, um filme de origem, o longa revisita os fatos que explicam o passado da heroína e sua chegada à Terra. O recorte proposto pela obra foca essencialmente na jornada pessoal da personagem em busca de respostas sobre seu lugar nesse novo mundo. Diferente de seu primo Kal-El / Clark Kent, a jovem Kara Zor-El não parece muito interessada em fazer do nosso planeta a sua morada, ainda que aqui, banhada pelo Sol amarelo, tenha os benefícios de superpoderes quase ilimitados. Enquanto passa por esse dilema tipicamente juvenil de insatisfação com tudo e com todos, Kara vive um período de rebeldia, entregue à bebida, noitadas em bares interplanetários e à total falta de perspectiva. Enfim, à beira de uma crise existencial. É nesse contexto que começa a ação de Supergirl, justamente no dia em que ela comemora seus 23 anos de idade, solitária e isolada em um planeta qualquer, ao lado apenas do cão Krypto, seu fiel companheiro.

Quando menos espera, o destino cruza o caminho de Kara, conduzindo-a para sua verdadeira jornada de autodescoberta e para o início de seu arco dramático. Como qualquer personagem rebelde, a princípio ela renega o chamado para a ação, que surge na figura de uma garota órfã disposta a tudo para convencer a heroína a ajudá-la em sua missão de vingança pelo assassinato dos pais. O antagonista da história é o mercenário Krem das Colinas Amarelas, que, juntamente com seu grupo de bandoleiros, age como pirata espacial. A hesitação da heroína chega ao fim quando o perigo se torna pessoal demais para ser ignorado, atingindo Krypto, o cão que representa seu último elo com o planeta natal. 

Ao longo da narrativa o Superman (David Corenswet) surge algumas vezes sem efeito direto no desenrolar da história, meio que fazendo o papel de mentor da prima, sempre demonstrando preocupação com seu bem-estar. Nessas pequenas participações o filme não perde a oportunidade de reforçar a diferença de personalidade entre os dois. Enquanto o herói de Metrópolis encarna uma espécie de "tiozão careta", a jovem Supergirl é retratada como a garota descolada e independente.

Nesta aventura solo da heroína o vilão, Krem, é por demais mundano, sem a dimensão épica comum nas HQs e em suas adaptações cinematográficas. Em Supergirl o adversário é um bandoleiro espacial cujos objetivos não passam do banditismo predatório e da subjugação de jovens que mantém aprisionadas. Convenhamos, uma pequenez moral que contrasta com a grandiosidade cósmica que costuma cercar os grandes antagonistas do gênero. Para completar a galeria de coadjuvantes pouco memoráveis, há ainda o Lobo, interpretado por Jason Momoa. Mistura de caçador de recompensas intergaláctico bruto, debochado, canastrão e motoqueiro espacial, o autêntico anti-herói acaba se mostrando pouco significativo para a narrativa. Sua função parece ser apenas garantir um nome de peso no pôster e, de quebra, dividir o protagonismo com a Supergirl no desfecho. Talvez sua existência se justifique melhor nas sequências que certamente estão a caminho.

Além do vilão Krem e do anti-herói Lobo, cujos visuais remetem diretamente aos personagens de Mad Max, Supergirl emula, de modo geral, a estética das aventuras de Max Rockatansky e Furiosa nos desertos australianos. Essa escolha visual não ocorre por acaso, visto que o diretor Craig Gillespie é australiano e inclusive reconhece a influência direta. No entanto, a semelhança com a saga de George Miller para por aí. Enquanto a franquia Mad Max extrai sua força de um deserto solar e de uma luminosidade quase incômoda, que realça a crueza da ação, Supergirl ironicamente caminha no sentido oposto ao adotar uma fotografia sombria e escura demais. Essa escolha estética reduz a energia da produção e sabota a visualização plena das sequências de combate. Em vez do impacto visceral do sol do deserto, o espectador é entregue a uma penumbra digital que transforma momentos de grande adrenalina em borrões confusos, onde a própria coreografia das lutas se perde na falta de contraste.

No saldo final, Supergirl se sustenta muito mais pela força magnética de sua protagonista do que pelo conjunto de suas escolhas estéticas e narrativas. Se o roteiro derrapa ao entregar antagonistas desinteressantes e a direção erra a mão ao sufocar a ação sob uma penumbra digital desnecessária, a performance vulnerável e enérgica de Milly Alcock garante o coração da obra. Ao humanizar Kara Zor-El através de suas crises e rebeldias juvenis, o filme consegue atingir seu principal objetivo, provando que a Garota de Aço não precisa mais viver à sombra do primo famoso ao fincar, com autoridade, os seus pés no futuro do Universo DC.

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Jorge Ghiorzi

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Segredo Obscuro: faltou substância

 

A obsessão pela juventude e pela beleza serve de inspiração, há muito tempo, para a ficção, tanto na literatura quanto no cinema. Obras como o romance O Retrato de Dorian Gray, de Oscar Wilde, e a animação clássica da Disney Branca de Neve e os Sete Anões, são apenas dois exemplos que ilustram essa busca idealizada. Há, no entanto, um pecado original nessa jornada: o preço da vaidade é invariavelmente a ruína. Nessas narrativas, a promessa da perfeição estética quase sempre culmina em tragédia, loucura ou na própria deformidade de quem a almeja. Esse desejo obstinado ganha contornos ainda mais sinistros quando transposto para a modernidade, onde a promessa de milagres estéticos imediatos esconde segredos perturbadores. 

Este é justamente o cenário no qual se desenvolve a trama de Segredo Obscuro (Shell), dirigido por Max Minghella. O longa acompanha o dilema de Samantha Lake (Elisabeth Moss, que também assina a produção), uma atriz em declínio na carreira que já não recebe oportunidades de trabalho em virtude de sua idade e do desleixo com a aparência. No glamoroso mundo dos holofotes, das capas de revistas e dos papéis de destaque nas telas, estes são considerados dois pecados mortais. A saída que ela encontra é se submeter a tratamentos estéticos revolucionários que prometem rejuvenescimento e o resgate da autoestima. Samantha acaba atraída para a ‘Shell’, um poderoso império da saúde e do bem-estar comandado pela ambiciosa Zoe Shannon (Kate Hudson), que desenvolveu um procedimento baseado no sistema reprodutivo dos crustáceos. O que parecia o início de um sonho dourado logo se transforma em pesadelo quando a atriz passa a notar sintomas estranhos em seu próprio corpo e descobre que pacientes da clínica estão desaparecendo misteriosamente. Enredada em uma perigosa teia de conspirações, ela precisa lutar pela verdade contra uma corporação implacável.

A estética de Segredo Obscuro espelha a própria matéria-prima de sua crítica. Em sua primeira metade, antes da virada narrativa (que não chega a ser exatamente um plot twist), o filme adota uma abordagem polida e idealizada, mimetizando a própria lógica superficial da indústria da beleza. No entanto, quando a trama assume o lado sombrio da ditadura estética, o longa recorre à paródia satírica de horror para revelar as entranhas monstruosas que se escondem sob a vaidade obsessiva. Durante dois terços de sua projeção, o filme parece limpo e inofensivo demais, com uma mensagem bem clichê que critica o etarismo e o culto à beleza jovem no meio midiático. Então, em dado momento, como se estivesse exausto de ser bem-comportado e higienizado, o roteiro se entrega totalmente ao caricato e diz finalmente a que veio.

O filme de Max Minghella dialoga tematicamente com duas outras obras, obtendo resultados distintos. Ambas abordam, em essência, o mesmo mote: o desejo de reverter os efeitos do envelhecimento e a recuperação da beleza perdida — em resumo, a busca por uma eternidade utópica. A primeira correlação possível é com a comédia de humor macabro A Morte Lhe Cai Bem (1992), dirigida por Robert Zemeckis e estrelada por Bruce Willis, Meryl Streep e Goldie Hawn (mãe da atriz Kate Hudson). A outra obra de identificação imediata é o recente terror corporal A Substância (2024), de Coralie Fargeat. Fica evidente, portanto, a linhagem clara que alimenta o longa de Minghella. O ponto a ressaltar — e lamentar — é que Segredo Obscuro fica preso em um limbo difuso ao não se assumir plenamente como uma comédia ácida e farsesca, nem incorporar, em sua totalidade, a vocação para abraçar o grotesco sem limites.

Tudo o que Segredo Obscuro deseja refletir sobre a indústria da beleza já foi tratado com mais complexidade em outros trabalhos no cinema. O objetivo do filme não está aí, já que ele passa ao largo de uma discussão significativa sobre o tema. O coração da obra reside, na verdade, na apropriação dessa temática para se divertir com uma narrativa que inicia como drama, transforma-se em suspense e finaliza como um autêntico body horror, jogando todas as suas fichas no choque visual e no desconforto. A questão é que a imersão profunda no cinema camp de terror, que visava a perturbar a audiência, acaba provocando o efeito contrário, transformando o pavor em comédia involuntária.

Na maior parte do tempo, a direção demonstra indecisão sobre qual caminho seguir. Com isso, o longa perde a coragem de mergulhar na escuridão e no drama psicológico. Da forma como foi concebida, a obra entrega um resultado muito aquém do potencial que a premissa sugeria e contenta-se com sua própria falta de ambição. Segredo Obscuro parece ser aquele tipo de produção que hoje olhamos com desconfiança e desapontamento, mas que no futuro poderá ser redescoberto como uma pérola do cinema trash, daquelas que faziam as delícias dos cinéfilos nos tempos das videolocadoras.

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Jorge Ghiorzi

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Toy Story 5: tempo de tela

Uma geração inteira nos separa do primeiro Toy Story. Há 31 anos era lançado o primeiro longa-metragem de animação totalmente gerado por computação gráfica. Um curioso paralelo se estabelece entre a ficção e a realidade quando percebemos que as crianças que assistiram à produção de 1995, assim como os personagens humanos da narrativa, envelheceram no decorrer do tempo, conforme se sucediam os demais filmes da série. E, assim como ocorreu na ficção, os velhos brinquedos seguem morando no coração, e nunca são abandonados em uma caixa no depósito. A franquia Toy Story é justamente isto: um brinquedo cinematográfico que guardamos no lado esquerdo do peito. Então, é natural que de vez em quando um sentimento de nostalgia se manifeste, e para esses momentos uma solução foi providenciada. Chega às telas dos cinemas um novo episódio da saga. Toy Story 5 é aquela continuação que ninguém pediu, mas, claro, todo mundo descobriu que queria. 

O reencontro com Woody, Buzz e companhia vem cheio de saudosismo com uma nova aventura que traz de volta a magia dos melhores momentos da série, em especial nos três primeiros filmes. O quarto filme, de 2019, se mostrou um tanto derivativo, sem avançar substancialmente na história dos brinquedos à beira de um ataque de nervos, sempre assombrados pelo fantasma do abandono. O anúncio deste quinto filme acendeu o alerta dos fãs. Por qual caminho seguiria este episódio? A resposta surge em um roteiro que resgata a essência da franquia ao equilibrar a atualidade das novas tecnologias com o carisma dos personagens clássicos. Ao abraçar a maturidade de sua própria trajetória, a produção evita o desgaste de fórmulas repetitivas e faz jus ao legado iniciado três décadas atrás.

O grande tema de Toy Story 5 é a chegada inevitável dos dispositivos tecnológicos no universo dos brinquedos analógicos. Neste aspecto, o arco narrativo da franquia repercute com exatidão o tempo atual. Ao lado de bonecos e jogos tradicionais, com pouca interatividade além da imaginação, toda uma geração nova de recursos eletrônicos passa a disputar a atenção integral das crianças. As telas digitais de tablets e celulares capturaram o olhar e atraíram os pequenos, que descobrem todo um mundo de possibilidades, mas, como efeito colateral, conduzem ao isolamento e afastam a infância do convívio coletivo. 

Essa desconexão social ganha contornos dramáticos no cotidiano da pequena Bonnie, a menina que herdou o antigo grupo de brinquedos de Andy. Diante da dificuldade da filha em interagir com outras crianças no mundo real, os pais decidem presenteá-la com o ‘Lilypad’, um tablet de última geração projetado especificamente para o público infantil. A sedução da tela é imediata, e o quarto, antes um espaço de narrativas lúdicas guiadas pela imaginação, transforma-se em um ambiente destituído de criatividade. É sob o comando da caubói Jessie, agora líder do grupo na ausência temporária de Woody, que os velhos companheiros de jornada percebem o tamanho do desafio. A dinâmica clássica da franquia, caracterizada por aventuras de resgate ou fuga de perigos externos, é profundamente ressignificada. A missão da turma passa a ser uma disputa existencial pela atenção e pelo afeto da própria dona, forçando os brinquedos analógicos a reivindicar novamente seu espaço de direito. O inimigo a ser vencido é a lógica fria do algoritmo digital, em um esforço para devolver à infância o valor daquilo que é palpável e compartilhado.

A crítica de Toy Story 5 ao uso massivo e precoce das telas digitais por crianças em fase de alfabetização tem um endereço certo: os pais. Afinal, a introdução do dispositivo muitas vezes mascara o desejo dos adultos por conveniência, transformando a tecnologia em uma espécie de babá eletrônica de luxo. Em vez de mediar o ócio ou incentivar o tédio criativo, essa inserção antecipada ao universo digital na verdade está afastando os pequenos do exercício coletivo da interação com seus amigos, fundamental para o desenvolvimento social. Nesse ponto, o filme adentra um terreno curiosamente ambíguo: ao criticar com severidade a dependência desses gadgets, a Disney assume uma postura quase autofágica. Afinal, a própria corporação é uma das grandes beneficiárias desse ecossistema digital, lucrando massivamente com o consumo de seus conteúdos em telas cada vez mais onipresentes na rotina de todos. A busca por uma solução conciliadora nessa convivência entre o analógico e o digital é, no entanto, o que atenua o peso da crítica no desfecho da trama, sugerindo que o equilíbrio — e não a exclusão — é o caminho possível.

Mas que o espectador não se engane pelo peso desta crítica que o filme propõe em seu enredo. Não devemos nunca perder de vista que se trata, acima de tudo, de uma animação, fundamentalmente dirigida às crianças, e é com elas que deve dialogar e entreter em prioridade. Neste aspecto, Toy Story 5 cumpre esta tarefa com gosto e criatividade. A fórmula infalível da dobradinha Disney/Pixar deu certo mais uma vez, e funciona com todo tipo de público: tanto com os fãs nostálgicos dos primeiros filmes quanto com as crianças que estão conhecendo agora esta série dos bonecos animados mais divertidos do cinema. A propósito, os efeitos da passagem do tempo não deixam de ser reconhecidos pela própria franquia. O roteiro assume um flerte bem-humorado com o etarismo quando Woody retorna para o terceiro ato. Em passagens que servem como um ótimo alívio cômico antes do clímax, os velhos companheiros não hesitam em "pegar no pé" do líder veterano, ironizando os inevitáveis sinais da idade e até um início de calvície no caubói de pano que sempre foi vaidoso. No fim das contas, Toy Story 5 prova que, mesmo com algumas linhas de expressão a mais, a franquia não perdeu um único fio do seu carisma original.

Assista ao trailer: Toy Story 5

Jorge Ghiorzi

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Olhe o Mar: em busca do tempo perdido

 

As relações familiares, um tanto fragilizadas nos tempos atuais e reconfiguradas em outras dinâmicas sociais, fazem o pano de fundo da comédia dramática francesa Olhe o Mar (Regarde, 2025), dirigida por Emmanuel Poulain-Arnaud. A obra se debruça sobre a complexidade desses novos arranjos, onde o distanciamento cotidiano e as marcas do passado muitas vezes parecem não deixar espaço para o afeto. Sob essa perspectiva, o diretor propõe uma reflexão sobre a urgência do compartilhamento do tempo, investigando como o isolamento individualista da modernidade pode ser rompido quando os indivíduos são forçados a encarar situações-limite sobre as quais não têm nenhum controle.

Os personagens centrais, no caso um núcleo familiar formado por pai, mãe e filho, vivem exatamente essa realidade ao se depararem com um fato irreversível que altera profundamente o futuro de todos. Nos primeiros minutos de Olhe o Mar, já ficam estabelecidos os perfis de cada um. O espectador logo descobre que os pais são separados. A mãe, Chris, vivida por Audrey Fleurot, é impulsiva; o pai, Antoine, interpretado por Dany Boon, é centrado e focado no trabalho; e o filho, Milo, papel de Ewan Bourdelles, um jovem de 16 anos, está claramente em busca de atenção. Essa dinâmica se estabelece da maneira usual encontrada em inúmeros casais que compartilham a guarda e os cuidados de filhos menores de idade. Há também, implícito, o desejo dos pais em construir novos caminhos afetivos, visto que a mãe namora um homem mais jovem e o pai convive com uma noiva com a qual está prestes a se casar.

Nesta atmosfera de aparente normalidade, surge uma grave situação de saúde que coloca em xeque as relações familiares. Milo é portador de uma doença degenerativa incurável que causará a perda total de sua visão em pouco tempo. A revelação se mostra devastadora para todos, especialmente porque o jovem atravessa a fase complexa da adolescência, marcada pela busca por autonomia e espaço. O diagnóstico reescreve o destino de cada um deles, que agora precisam buscar forças internas para restabelecer conexões afetivas até então negligenciadas. A saída para acelerar esse processo de reaproximação e recuperar o tempo perdido surge na decisão impulsiva de viajarem todos juntos, durante as férias do garoto, para visitar o avô, que vive à beira-mar. Naquele espaço, distantes do ambiente doméstico, eles encontram a oportunidade para uma reconciliação emocional, ao mesmo tempo em que constroem memórias afetivas e visuais antes que a doença se manifeste totalmente.

É a partir desse cenário que, por razões intimamente distintas, cada um deles busca respostas próprias para empreender a jornada. Os pais, assombrados pelo sentimento de culpa devido à natureza hereditária da doença de Milo, assumem a viagem como um pedido de desculpas silencioso ao jovem, aceitando uma trégua mútua pelas mágoas passadas do casal. O garoto, por sua vez, tenta exercer ao máximo sua independência. Ele vê no passeio em família junto ao mar não apenas a última oportunidade para praticar mais algumas horas de surfe, mas também a chance de reencontrar uma antiga paixão juvenil nunca concretizada.

O realizador Emmanuel Poulain-Arnaud (também autor do roteiro) conduz a trama com sensibilidade e empatia por seus personagens. A direção, sempre leve e de modo geral num clima de alto astral, não pesa a mão na potencial carga dramática da história. A opção foi justamente pelo registro oposto, tornando sutil a abordagem de uma situação que teria todos os elementos para levar a plateia às lágrimas fáceis. Nesse sentido, nada é mais explícito do que a maneira descontraída e desencanada com que os amigos de Milo tratam a situação. Para eles, não há drama, apenas fatos da vida.

Olhe o Mar é aquele tipo de filme em que antecipamos sem muita dificuldade todos os passos do desenrolar da história. Nossa intuição já aponta os caminhos que a trama assume, sem muitas surpresas ou grandes reviravoltas. No entanto, isso não elimina o prazer de assisti-lo com atenção e interesse. A previsibilidade reconfortante faz parte da experiência, na qual nos deixamos conduzir sem grandes sobressaltos. Afinal, há momentos em que o cinema não precisa necessariamente se reinventar ou sequer surpreender, bastando apenas nos acolher com uma narrativa sincera e humanizada.

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Jorge Ghiorzi

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Dia D: o dia em que a Terra mudou

 

Uma ótima notícia. O bom e velho Steven Spielberg de guerra está de volta, em excelente forma. Esse retorno também pode ser avaliado como uma retomada de suas origens como cineasta. Cinco décadas depois do monumental Contatos Imediatos do Terceiro Grau (que cresce a cada revisão), o diretor revisita o tema da existência de vida extraterrestre. A bem da verdade, a presença alienígena é um assunto recorrente na sua filmografia, surgido já em seus primeiros curtas-metragens caseiros, como Firelight (1964), e que prosseguiu em longas como E.T. – O Extraterrestre, A.I. – Inteligência Artificial e Guerra dos Mundos, além de inúmeras outras produções em que atuou apenas como produtor.

O lançamento de Dia D (Disclosure Day) marca mais um capítulo dessa saga pessoal de Spielberg, consolidando a exploração de um tema que fascina o realizador desde a juventude. Mais do que uma simples escolha de gênero, a busca pelo desconhecido e pelo cósmico se reflete na tela como um elemento central de sua própria identidade artística. Se o episódio histórico do Dia D na Segunda Guerra Mundial já foi retratado pelo diretor no clássico O Resgate do Soldado Ryan, momento em que o curso da história foi alterado para sempre, agora, em termos ficcionais, Spielberg projeta na tela um outro Dia D, articulando o potencial impacto de transformação da humanidade pela revelação da existência de seres de outros mundos que nos visitam desde sempre.

Houve uma coincidência histórica (intencional ou não, vai saber) no fato de o lançamento desse épico de ficção científica se dar justamente no momento em que o governo dos EUA libera uma série de vídeos sigilosos que registram fenômenos e supostas aparições de naves de origem desconhecida. Segredos revelados, a propósito, formam a base sobre a qual se constitui esse Dia D, que, na tradução literal do título, se refere ao dia da revelação.

Na abertura, Spielberg já diz a que veio. O filme inicia acelerado e tenso, mostrando uma operação da agência secreta do governo norte-americano, dirigida por Noah Scalon (Colin Firth), responsável por acobertar evidências de vida extraterrestre. O alvo da investida é o ex-funcionário Daniel Kellner (Josh O’Connor), acusado de roubar registros sigilosos que comprovam que há décadas somos visitados por seres de outros planetas. Em paralelo, o outro eixo narrativo da história acompanha a apresentadora de TV Margaret Fairchild (Emily Blunt, excelente), que, durante um boletim meteorológico ao vivo, começa a agir estranhamente ao emitir sons guturais, os quais, logo descobrimos, pertencem à linguagem dos alienígenas.

O filme antecipa com habilidade um momento bastante crível em um futuro incerto: aquele em que descobriremos que não estamos sós no universo. Sem dúvida, caso isso se confirme, estaremos diante de um irreversível ponto de inflexão para a humanidade, que será impactada por profundas transformações. Spielberg trata deste assunto com a devida reverência sem, no entanto, perder o sentido de espetáculo, transformando Dia D em uma obra grandiosa e ambiciosa, com amplo espectro temático. Ao mesmo tempo que discute o acobertamento governamental de assuntos delicados, o diretor reconhece que esses temas são capazes de subverter a ordem pública, reordenar a geopolítica e ressignificar as religiões. 

Fábulas infantis sempre foram inspirações seminais para Spielberg. Lembremos as citações de Peter Pan em E.T. e Hook, e também a fada em A.I. – Inteligência Artificial, apenas para citar algumas. Em Dia D também há menção às histórias infantis. No caso, a referência é ‘João e Maria’, que simbolicamente traz uma alegoria da dupla (no filme, Daniel e Margaret) que se perde na floresta e descobre, com inteligência, o caminho de volta para casa com um tesouro como recompensa. No longa, essa recompensa atende pelo nome de Verdade.

Em 1938, Orson Welles colocou em pânico os ouvintes de rádio nos Estados Unidos ao narrar uma suposta invasão da Terra por naves espaciais, inspirado na obra ‘A Guerra dos Mundos’, de H. G. Wells. Uma experiência fantasiosa que chocou a população da época. Em escala globalizada e potencializada, é isso que a ficção de Dia D propõe. Com as facilidades que a tecnologia atual permite, ao toque de um botão uma mesma informação pode ser transmitida simultaneamente para todo o mundo. É justamente nessa dinâmica que reside um dos grandes acertos do filme, apresentado como uma sequência final de alto impacto emocional, magistralmente dirigida por Spielberg.

Como thriller de conspiração, Dia D é uma experiência emocionante, que apresenta uma ampla gama de temas e provoca diferentes sensações. Há mistério, intriga, perseguição de carros, suspense, ficção científica e encantamento. O longa traz a marca indelével dos melhores momentos do realizador ao entregar para a audiência uma narrativa plena de otimismo, magia e esperança. Steven Spielberg segue como um cineasta cheio de ideias, motivado pela imaginação e pela curiosidade. Ainda é possível vislumbrar um jovem maravilhado com o cinema habitando seu corpo de quase 80 anos. Tudo isso está presente em Dia D, uma obra que resgata e consolida o talento de um realizador que reafirma seu legado como ícone vivo do cinema moderno.

Assista ao trailer: Dia D

Jorge Ghiorzi

Membro da ABRACCINE (Associação Brasileira de Críticos de Cinema) e ACCIRS (Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul)

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