Argylle – O Superespião: da ficção para a realidade

 

A escritora de romances de espionagem, Elly Conway (Bryce Dallas Howard), conta, em uma série de livros de sucesso, as aventuras do agente secreto Argylle (Henry Cavill) em perigosas missões contra um sindicato global de espionagem chamado “Divisão”. As tramas criadas pela imaginativa autora começam a atrair a atenção de agências reais de espionagem, pois refletem e antecipam com muita precisão ações verídicas. Então, seu mundo vira de pernas pro ar quando a linha entre o real e a ficção começa a ficar bem confusa e sua vida passa a correr risco. 

A premissa não é original. Já vimos, com resultados distintos, algo semelhante em filmes como O Magnífico (1973) com Jean-Paul Belmondo, Tudo Por Uma Esmeralda (1984) com Kathleen Turner e o recente Cidade Perdida (2022) com Sandra Bullock. Usualmente, e em Argylle – O Superespião (Argylle) não é diferente, a figura da escritora é sempre uma personagem reclusa, fragilizada e emocionalmente carente que vira o jogo usando como chave as próprias aventuras que cria como ficção. Uma espécie de terapia radical que coloca à prova todos seus medos e receios diante da vida.

Quando os dois mundos se entrelaçam, o universo do livro invade o mundo real e pessoas do mundo real ganham versões ficcionalizadas. O vai-e-vem do enredo enreda a plateia e convida para uma movimentada aventura que opera em dois níveis. Aliás, recomenda-se a atenção do espectador, sob pena de perder o fio da meada lá pelas tantas. Quem diria, hein? A “Dama na Água” em pessoa, Bryce Dallas Howard, depois das correrias sem fim da franquia Jurassic World, pagando de heroína de filme de ação e espionagem. Entre caras, bocas e gritos, a verdade é que Bryce está muito bem e convence no papel. E, como bônus, garante lugar no pódio das scream queens (rainhas do grito) da atualidade.

Seu parceiro de aventura, o agente Aidan, é interpretado com muita graça por Sam Rockwell. Pois está aí um ator que merece melhor sorte no atual panorama das produções de Hollywood. Apesar de já ter ganho o Oscar de Ator coadjuvante por Três Anúncios para um Crime (2017), ele ainda não ganhou um papel de grande visibilidade como protagonista. Além da presença de Bryan Cranston, Catherine O’Hara e o onipresente Samuel L. Jackson, completam o elenco de Argylle duas participações luxuosas: a cantora Dua Lipa, em sua estreia como atriz, com um papel coadjuvante bem bacana, e Henry Cavill, exercendo o “modo on” de canastrice (no que se sai muito bem, a propósito). 

A direção é assinada por Matthew Vaughn, líder criativo por trás de duas franquias: Kingsman e, sim, Argylle (alguém dúvida que estamos diante de uma nova franquia?) Será que lá adiante estes dois universos – Kingsman e Argylle - haverão de se encontrar? Quem viver verá.

Como comédia de ação, Argylle – O Superespião é criativo, imaginativo e um delícia de assistir. Ainda que peque pela excessiva duração. Faria um bem danado para o ritmo se fosse mais enxuto. Um destaque de encher os olhos é a sequência do tiroteio slow motion em meio às nuvens de fumaça colorida. Um delírio policromático de fazer inveja às sequências alucinantes e exageradas dos filmes de ação de Bollywood.

Assista ao trailer: Argylle – O Superespião

Jorge Ghiorzi

Membro da ACCIRS – Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul

 

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Folhas de Outono: um encontro de solidões

 

O amor, como manifestação romântica exacerbada, é uma construção histórica e social. Assim como a literatura romântica, surgida no século XVIII, que valorizava as emoções e o sentimentalismo exagerado, o cinema, desde os primórdios, se apropriou desta narrativa idealizada. Gerações e gerações de espectadores foram expostas e moldadas em massa nas salas de exibição por este modelo padronizado disseminado pelos filmes. Particularmente por Hollywood, desde o período mudo.

Ainda que em síntese seja fruto deste modelo, Folhas de Outono (Kuolleet lehfet / Fallen leaves) desde os primeiros minutos quebra expectativas quando subverte as regras de uma história romântica tradicional ao lapidar quaisquer resquícios de sentimentalismo excessivo que não façam sentido ao efeito minimalista pretendido pelo realizador finlandês Aki Kaurismaki. Folhas de Outono é poético no título, mas não se engane, é duro, sem concessões fáceis, mesmo que se proponha a ser uma comédia.

Dois solitários da classe trabalhadora. Ela, Ansa, estoquista de supermercado. Ele, Holappa, operário da construção civil. Duas engrenagens de uma máquina capitalista que impessoaliza e massacra sonhos. Dois seres invisíveis da grande Helsinki. Um encontro acidental em um bar de karaokê muda o destino de ambos. Nasce uma atração, que se transforma em paixão, até se estabelecer como necessidade. Um relacionamento improvável, mas indispensável. Um ato de sobrevivência que cura a solidão existencial.

O filme de Kaurismaki não paga tributo ao cinema clássico romântico. É mais ambicioso neste ponto. Paga tributo ao cinema como um todo. A relação de Ansa e Holappa é mediada pela sétima arte em diversos momentos. No primeiro encontro o programa escolhido é uma sessão de cinema. No escurinho da sala, no silêncio da sessão, suas sensibilidades encontram a conexão desejada. A fachada do prédio, repleto de cartazes de filmes, faz cenário para uma “história de cinema” da vida real. E o final, ah o final. O tributo definitivo ao gênio da comédia cinematográfica: Charlie Chaplin. Uma joia de sensibilidade em estado bruto.

O amor um tanto melancólico do casal é tratado com delicadeza, afeto e ternura. Com poucas palavras e muito sentimento. Há frescor e verdade em uma história de encontros e desencontros, que teima em apresentar obstáculos à plena realização passional de Ansa e Holappa. O destino parece conspirar contra a relação do casal, mas as dificuldades momentâneas são apenas um mero detalhe. A felicidade está logo ali, na próxima esquina. Basta seguir o caminho.

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Jorge Ghiorzi

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Mergulho Noturno: poder maligno das águas

 

Jogador profissional de beisebol, Ray (Wyatt Russell), prestes a se aposentar, por conta de uma lesão, muda-se com a esposa e filhos para uma nova casa com piscina no quintal. Local perfeito fazer suas sessões de fisioterapia com exercícios na água. Aos poucos percebe uma melhora significativa em seu estado físico. Será que a água da piscina tem algo a ver com isso? Que segredos sombrios se escondem nas profundezas daquela piscina?

O terror Mergulho Noturno (Night swim), dirigido por Bryce McGuire, se constrói a partir do medo ancestral da água, fonte de benesses para o ser humano na mesma medida oposta em que, eventualmente, é causador de tragédias climáticas. O medo provém não do que enxergarmos sobre sua superfície, mas do que poderia haver de oculto em águas profundas.

Desde Poltergeist (1982) e Dama da Água (2006) uma piscina não provocava arrepios nas plateias. Caso a pretensão de Mergulho Noturno tenha sido incutir nas pessoas o medo de mergulhar em uma piscina à noite, falhou miseravelmente. Guardadas as devidas (imensas) proporções que os distinguem, talvez a tentativa tenha sido repetir o efeito Tubarão que instaurou o pavor em algumas gerações com banhos em mar aberto. Medo, aliás, que perdura até hoje, quase meio século depois do lançamento. Mas em Mergulho Noturno o medo é rápido, indolor, descartável e nem um pouco memorável.

Misto de terror e suspense, o longa foi inspirado em um curta-metragem de quatro minutos realizado em 2014 pelo mesmo realizador Bryce McGuire em parceria com Rod Blackhurst (que no longa assina apenas como coroteirista). Portanto, estamos diante de uma trama estendida, que preserva o conceito original da existência de uma “piscina assassina”, mas agrega sem muita convicção uma mitologia maligna que tenta minimamente dar sentido a um enredo que se sustenta precariamente.

Mergulho Noturno, uma produção da Blumhouse, repete o enredo da casa assombrada e da família sob ataque de forças malignas. Já vimos este filme dezenas de vezes, com resultados imensamente superiores. O elenco fraco carece de carisma, fato que contribui decisivamente para a completa ausência de empatia com os espectadores. Pouco nos importamos com os destinos dos personagens com os quais não nos identificamos e pelos quais não torcemos em momento algum.

A trama de Mergulho Noturno segue passo a passo o formulismo dos filmes de terror mais recentes. A evolução dos recursos de computação digital resolveu muitos problemas práticos das produções. Virtualmente qualquer solução estética e visual é possível. Essa é a parte boa do processo. A face negativa é a acomodação criativa dos realizadores que costumeiramente tornam-se explícitos demais deixando pouco espaço para a imaginação dos espectadores completarem as lacunas. Tudo é entregue pronto e mastigado. A dificuldade impõe soluções criativas e artísticas, em oposição, recursos ilimitados conduzem a um impasse criativo. Este sim é o verdadeiro “Mal” dos filmes de terror das últimas duas décadas.

Ainda que Mergulho Noturno não peque exatamente por esta questão de uso massivo de recursos de computação digital (é até modesto nesta questão), ele é raso por sua concepção como um todo, particularmente por não cumprir a contento uma premissa interessante. No gênero terror e assemelhados, raramente há um sopro de novidade. E Mergulho Noturno certamente não é um destes momentos. O filme, que prometeu mergulhar fundo na experiência do terror doméstico, ficou na verdade boiando no rasinho da piscina.

Assista ao trailer: Mergulho Noturno 

 

Jorge Ghiorzi

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Priscilla e Leonard: do rei ao maestro

 

O final da temporada cinematográfica de 2023 e o início da temporada 2024 foi marcado pelo lançamento de duas cinebiografias de figuras ilustres da música norte-americana. O maestro e compositor Leonard Bernstein, autor das composições do musical West Side Story (adaptada para o cinema com o título de Amor Sublime Amor, no Brasil), e Priscilla Presley, ex-esposa de Elvis, chegaram aos cinemas em longas-metragens onde o único ponto comum é o universo da música. Pois as abordagens e resultados não poderiam ser mais distintos.

Maestro se apresenta como um filme de flagrantes pretensões autorais, um verdadeiro tour de force de Bradley Cooper, aqui fazendo dupla jornada como ator e diretor, em sua segunda obra como realizador. Já Priscilla, que traz na direção a assinatura de Sofia Coppola, mostra episódios do atribulado relacionamento de Priscilla e Elvis Presley, desde o primeiro encontro até o rompimento.

Há, por definição, uma sensível diferença entre os dois filmes. Maestro se apresenta menos como uma cinebiografia e mais como um perfil distanciado e interpretativo do artista, onde o papel de sua esposa ganha um genuíno papel de protagonismo (interpretado magnificamente por Carey Mulligan). Por sua vez, o filme de Sofia Coppola tem uma proposta mais, digamos, convencional, pois desenvolve a trajetória da protagonista de forma mais efetivamente biográfica, quase episódica, mas sempre com um olhar comprometido, afetuoso e compreensivo, revelador da identificação feminina e feminista.

Curiosamente, as duas obras, oriundas do universo da música, prescindem absolutamente da música para narrar suas histórias. As composições clássicas de Leonard Bernstein e os rocks irresistíveis de Elvis Presley são praticamente sonegados ao público, pois não passam de coadjuvantes com pouco tempo de tela. Em poucas e pontuais sequências marcam presença, mas longe, muito longe, de saciar a expectativa da audiência. O que, convenhamos, dado o tamanho dos artistas, é uma frustração inicial. Faz falta? Faz. Compromete a experiência? Absolutamente não.

Após a bem sucedida versão século 21 de Nasce Uma Estrela (2018) o ator Bradley Cooper encontrou sua nova persona cinematográfica e se impôs uma tarefa difícil: achar um lugar ao sol como realizador de prestígio. Maestro é sua aposta para conquistar este lugar. Que virada de mesa. Da comédia Se Beber, Não Case! Bradley chega, com Maestro, ao drama (dilema?) de “se casar, não beba”. Tudo em seu filme gira em torno do seu casamento, da paixão arrebatadora com a amiga / amante / esposa Felicia até o ato final da história do casal. Por tratar-se de um melodrama, com toques biográficos, Maestro é, em essência, um filme sobre sua mulher, e não do artista como criador. É desta perspectiva que vem a força do protagonismo de Felicia como contraponto e eventualmente musa inspiradora de Leonard Bernstein.

Neste aspecto há que se louvar o desprendimento de Bradley Cooper que generosamente abre espaço para sua parceira de elenco brilhar. Ainda que, nos momentos onde o foco narrativo é exclusivamente o artista, a interpretação do ator exija para si muitos holofotes (metafóricos e literais). O resultado, no mais das vezes, é um desempenho elogiável, mesmo que aqui e ali demonstre um que de overacting e histrionismo. Um exemplo: a longa sequência do concerto na catedral, com Bradley reproduzindo com excelência os gestos exagerados e eloquentes de Bernstein com a batuta à frente da orquestra. O melhor momento do ator/diretor representando o maestro é justamente este. Pura entrega, sem falas, apenas expressão corporal.

O casamento também é o centro das atenções de Priscilla. Um casamento imperfeito que iniciou de maneira um tanto bizarra quando Elvis prestava serviço militar em uma base norte-americana na Alemanha. A bizarrice não está no cenário, mas na pouca idade de Priscilla quando começaram a namorar (sem sexo, segundo Elvis). Priscilla tinha 14 anos e Elvis 24. Algo impensável para um artista de sucesso nos dias de hoje. Além da pouca idade, Priscilla enfrentou ainda outro desafio. Naquela época (final dos anos 50) Elvis era o ídolo da música mais desejado pelas mulheres, de todas as idades. Então, a solução foi “escondê-la” dos olhos do público, segundo orientação do empresário Coronel Tom Parker que comandava a carreira de Elvis com mão de ferro. Priscilla ficou oculta da vida pública do rei do rock nos primeiros anos de relacionamento, vivendo na mansão de Graceland em Memphis (Tennessee) como uma princesa aprisionada numa gaiola dourada.

Esta ocultação da mulher de Elvis da vida pública é o objeto de interesse de Sofia Coppola, que adaptou a autobiografia de Priscilla Presley, lançada em 1985. Seu filme mostra o dilema de uma jovem inexperiente que aceita abrir mão de sua individualidade em nome do amor por Elvis. O arco narrativo de Priscilla percorre a jornada da protagonista, da perda da inocência até a tomada de consciência e o amadurecimento. De quebra mostra um lado B de Elvis raramente exposto: um homem inseguro, infantil e autoritário (com a esposa). Ou seja, o casamento de Elvis e Priscilla estava longe de ser um conto de fadas.

Já quanto ao filme, Priscilla está bem distante de ser um trabalho memorável na filmografia de Sofia Coppola. O filme se ressente de sua estrutura absolutamente acadêmica e episódica (conforme já citado) que enfraquece a força narrativa do longa ao buscar o realismo. Nos identificamos com o contexto histórico, compactuamos com a tragédia pessoal de Priscilla, mas falta paixão. Desta vez a escolha de Sofia deixou a desejar.

Assista ao trailer: Maestro e Priscilla

Jorge Ghiorzi

Membro da ACCIRS – Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul

 

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O Judoka: em busca do filme perdido

Os 50 anos da pioneira adaptação de quadrinhos brasileira 

Neste ano de 2023 completaram-se 50 anos do lançamento do filme O Judoka, longa-metragem brasileiro que adaptou o personagem das histórias em quadrinhos para o cinema. O personagem Judoka, lançado em uma publicação mensal da EBAL (Editora Brasil-América) em 1969, foi apresentado à época como o “primeiro herói genuinamente brasileiro”. Aquele período foi marcado pela chegada às bancas de revista brasileiras dos super-heróis da Marvel, como Homem-de-Ferro, Thor, Hulk, Namor e Capitão América. Este último parece ter sido uma forte referência para o uniforme utilizado pelo Judoka. Assim como o Capitão América utiliza as cores da bandeira norte-americana, o nosso herói nacional utiliza o verde e amarelo em sua vestimenta (lembrando que as cores só eram percebidas nas capas coloridas, pois as páginas do miolo eram impressas em preto e branco).

Capa da edição nº 1 da revista em quadrinhos (1969) e o cartaz do filme (1973) 

Lançado em 1973, o filme O Judoka, dirigido por Marcelo Ramos Motta, possui inegável valor histórico para a produção cinematográfica brasileira, seja pelo ineditismo e ousadia da proposta, seja pelo mito que se criou em torno do longa-metragem. Naquele período inicial dos anos 70 as adaptações de histórias em quadrinhos eram desconsideradas pela indústria. O primeiro movimento realmente efetivo, com a força dos grandes estúdios de Hollywood, foi a adaptação de Superman, dirigida por Richard Donner, em 1978. O êxito da produção despertou o interesse e alavancou uma série de outras produções baseadas nas HQs, até chegarmos ao domínio absoluto dos blockbusters da Marvel e DC que tomou conta das salas de cinema na virada do século e perdura até hoje.

Portanto, dentro deste cenário, O Judoka, produzido cinco anos antes de Superman, foi precursor e visionário, ainda que involuntário e aleatório, devido à falta de continuidade e ao absoluto fracasso de bilheteria da produção. O filme ficou em cartaz apenas uma semana no Rio de Janeiro, onde foi produzido, As poucas cópias existentes (consta que eram apenas 7 ou 8) foram posteriormente exibidas, por alguns dias, nas maiores capitais do país: São Paulo, Porto Alegre, Belo Horizonte e Salvador. Após este breve período de exibição o filme saiu completamente de circulação, entrou no limbo e sumiu sem deixar vestígio. A ponto de muita gente duvidar que o filme um dia realmente existiu, que tudo havia sido um delírio coletivo, particularmente dos fãs da revista.

Uma lenda se formou em torno da produção, mas efetivamente o filme existiu. Algumas pessoas diretamente envolvidas ainda estão por aí para confirmar. O Judoka foi estrelado por Pedro Aguinaga, que à época detinha o título de “homem mais bonito do Brasil”, após vencer concurso promovido pelo programa de Flávio Cavalcanti. Figura bastante conhecida no jet set carioca, Pedrinho Aguinaga (como era chamado) chegou a atuar posteriormente com alguma regularidade no cinema brasileiro, em filmes como Os Trapalhões na Guerra dos Planetas e algumas produções de Neville D’Almeida: Rio Babilônia, Matou a Família e foi ao Cinema e Navalha na Carne.

O par romântico de Aguinaga em O Judoka foi interpretado pela atriz Elizângela (recentemente falecida) estrela em ascensão das telenovelas da Globo na época. Quando o filme foi lançado ela estava no elenco da novela Cavalo de Aço. Outro nome de destaque do elenco é Marcus Alvisi (como um dos vilões da história), que posteriormente fez carreira como professor de interpretação e diretor teatral.

Não consta que haja nenhuma cópia pública disponível do filme dirigido por Marcelo Ramos Motta. A versão integral de O Judoka é objeto de busca permanente de pesquisadores do cinema brasileiro. O filme, até o momento inacessível, assumiu a condição de objeto de culto, quase um “santo graal” para os cinéfilos em geral e fãs do personagem em particular.

A realização do longa-metragem foi a primeira e única experiência de direção de Marcelo Ramos Motta, uma figura um tanto misteriosa e enigmática do cinema nacional. Sua vida certamente daria um filme, como se diz usualmente para personagens que nos fascinam. O pouco que se sabe da trajetória de Marcelo se parece por demais com a biografia de um personagem de ficção. Não existem mais do que meia dúzia de fotos com o registro da imagem do realizador. Curiosamente, uma delas é justamente um lobby card de divulgação de O Judoka, onde ele aparece orientando Pedrinho Aguinaga na coreografia de uma luta.

No set de filmagem Marcelo Ramos Motta (no centro) passa instruções para Pedro Aguinaga

Nascido no Rio de Janeiro, na adolescência Marcelo falava fluentemente o inglês, sem sotaque, algo um tanto raro nos anos 50. Posteriormente morou por vários anos nos Estados Unidos. Por lá escreveu alguns contos, todos no gênero da ficção científica, e chegou ainda a desenvolver dois roteiros para o programa General Motors Theatre, uma série dramática de antologia da televisão canadense (ambos também de ficção científica). A obra em inglês de Marcelo Ramos Motta (contos e roteiros) foram publicadas em livro por uma pequena editora norte-americana.

Ao retornar ao Brasil, no início dos anos 60, Marcelo investiu na área que realmente era seu maior interesse: o ocultismo e o esoterismo. Publicou livros e artigos sobre o tema e filiou-se a grupos como a A.M.O.R.C. (Antiga e Mística Ordem Rosacruz) e a FRA (Fraternitas Rosicruciana Antiqua). Marcelo também propagava e divulgava as ideias do ocultista britânico Aleister Crowley. No círculo de amizades de Marcelo no Rio de Janeiro estavam dois futuros personagens de sucesso da música e da literatura brasileira: Raul Seixas e Paulo Coelho. Ambos foram inseridos no universo do esoterismo por influência de Marcelo Ramos Motta, que fazia as vezes de mentor de Raul e Paulo. A experiência coletiva do trio foi intensa e deu frutos também como parceria musical. Marcelo foi parceiro de composição em várias canções, inclusive “Tente Outra Vez”, sucesso lançado em 1975.

Especula-se que o propósito de Marcelo Ramos Motta ao realizar O Judoka (um personagem de sucesso naquele momento) era faturar uma boa bilheteria para futuramente utilizar os lucros para seus projetos relacionados à expansão das ordens místicas por todo o Brasil. O cinema propriamente nunca foi o interesse principal de Marcelo, mas um meio para angariar recursos. Porém, o projeto naufragou nas bilheterias. Jamais recuperou o investimento, inclusive deixou dívidas que o amarguraram pelo restante da vida. Marcelo Ramos Motta morreu em 1987, aos 56 anos. Não deixou herdeiros. Por esta razão, seus direitos autorais das canções foram repassados para as filhas de Raul Seixas. Uma informação equivocada que circula é de que Marcelo também teria dirigido A Estranha Hospedaria dos Prazeres (1976) em parceria com José Mojica Marins. Trata-se de um homônimo, que assina apenas como Marcelo Motta.

Como já citado, não existem cópias integrais de O Judoka. O que há, em estado muito precário, são cerca de 25 minutos do filme, preservados pela Cinemateca do MAM (RJ). Recentemente o pesquisador e restaurador Fábio Vellozo localizou uma lata com o trailer original, que foi recuperado e digitalizado. Um documento histórico que merece ser conhecido desta aventura da cinematografia brasileira.

Assista o trailer de O Judoka: https://vimeo.com/775177231

Jorge Ghiorzi

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Melhores Filmes de 2023

 

O ano cinematográfico de 2023 encerra com uma clara sinalização de esgotamento dos filmes de super-heróis, explorados até a última gota pela Marvel e DC por duas décadas. Uma série de fracassos e decepções ao longo ano propiciou uma sensível oxigenação do mercado exibidor, o que permitiu que a atenção do público fosse parcialmente direcionada às produções do que, na falta de termo mais adequado, poderíamos chamar de “cinema adulto” (com a devida ressalva).

O resultado efetivo deste movimento foi a maior circulação de produções internacionais (off-Hollywood) para além dos circuitos das plataformas de streaming. Ainda que timidamente, muitas destas produções foram efetivamente lançadas em Cinemas, tanto nas salas de Arte quanto nos grandes circuitos dos shopping centers.

Esta diversidade está representada na pluralidade das nacionalidades dos filmes desta lista com os destaques do ano: 3 norte-americanos, 2 brasileiros, 1 alemão, 1 japonês, 1 italiano, 1 francês e 1 sul-coreano.

Melhores Filmes de 2023 (ordem aleatória)

01 – AFIRE – Direção: Christian Petzold

02 – MONSTER – Direção: Kore-eda Hirokazu

03 – ASSASSINOS DA LUA DAS FLORES – Direção: Martin Scorsese

04 – RETRATOS FANTASMAS – Direção: Kleber Mendonça Filho

05 – AS OITO MONTANHAS – Direção: Felix van Groeningen e Charlotte Vandermeersch

06 – RESISTÊNCIA – Direção: Gareth Edwards

07 – OPPENHEIMER – Direção: Christopher Nolan

08 – ANATOMIA DE UMA QUEDA – Direção: Justine Triet

09 – PEDÁGIO – Direção: Carolina Markowicz

10 – DECISÃO DE PARTIR – Direção: Park Chan-Wook

Jorge Ghiorzi

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Ferrolho

 

por Leila Silveira

Neste momento onde todos filmes parecem prontos para serem mastigáveis, assisto Ferrolho. Um filme para assistir com atenção, qualquer piscada pode deixar passar a percepção, que não é dada de pronto.

O diretor, Alexandre Derlam, mergulhou nos sentidos do personagem, mostrando que é possível extravasar sem palavras e arrepiar no vazio, nas distâncias, no âmago do debate interior.

Para quê palavras se tem o olhar, beirando o pedido de socorro de quem assiste?

Cinema arte, quase poético, com boa atuação do ator Ângelo Sérgio, que parece arrancar da gente, as palavras que não são pronunciadas. A temática do filme é sobre ausências? Ou demência? Ou seriam todas as modernas questões do ser humano, que descobre ser absolutamente solitário, em seus temas mais fundamentais, como pensar, lembrar e a eterna necessidade de ser amado.

A trilha, bem conduzida do Marcelo Corsetti somado com a atuação de Ângelo Sérgio, (ele que já tinha despertado nossa atenção em Railander - outro curta de Derlam de 2018), enfim o conjunto da obra, nos mostra que o diretor está buscando outros desafios na sua carreira.

É preciso destacar as locações, escolhidas com apuro e a fotografia, que dá o distanciamento na medida. O filme é bem sucedido, fazendo a junção, na trama, do exterior com o interior do personagem.

Propositalmente quero evidenciar preciosa contribuição: Bebeto Alves. Um universo inteiro de emoção e parceria com Alexandre Derlam e equipe, amigos desde muito, trocas desde sempre. Ressaltar sua obra imensa, é chover no molhado, falar que a sua participação nos vocais foi justamente em um dos seus últimos trabalhos, remete ao eterno do cinema. Sempre descobrindo, sempre misturando as artes, (no presente, porque Bebeto se faz presente). Afinal seu legado musical segue, instigando e inspirando.

A história de Ferrolho é introspectiva e enigmática, despertando o imaginário de quem assiste. Mas pensando bem, quem consegue decifrar o ser humano?

Leila Silveira

Produtora Cultural, atriz, diretora de teatro, roteirista, pesquisadora do audiovisual