Não Solte!: conto infantil de terror

 

As casas são elementos utilizados com frequência como espaços de confinamento onde transcorrem muitos filmes de terror. Seja como ambiente de manifestação de forças malignas ou como local de abrigo e refúgio, o fato é que as casas normalmente assumem a condição de “personagem” ativo das narrativas construídas com o objetivo de provocar o medo ao confrontar o limite entre o real e o sobrenatural. A ameaça, em última ordem, se manifesta como um poder sinistro que rompe o equilíbrio e a harmonia – ainda que aparente – de um lar doméstico. A tal da casa mal-assombrada é um clássico das histórias de terror. 

Pois justamente uma casa – olha ela aí de novo - é o elemento catalizador de todos os mistérios e espíritos do além que espreitam uma família no thriller de terror Não Solte! (Never let go, 2024). O longa-metragem é estrelado e produzido por Halle Berry, atriz vencedora do Oscar por seu desempenho em A Última Ceia, de 2002. A direção é de um especialista do gênero, o francês Alexandre Aja, que já demonstrou sua identificação com os filmes de gênero nos longas Alta Tensão (2003), a refilmagem Viagem Maldita (2006), o remake Piranha (2010) e Predadores Assassinos (2019), aquele dos crocodilos que invadem uma casa inundada por uma enchente, cuja sequência está em produção, mais uma vez com direção de Aja.

O núcleo narrativo de Não Solte! fica limitado aos arredores de uma casa isolada em meio a uma densa floresta, ou pelo menos, até aonde a corda esticada que prende seus moradores pode chegar. A explicação para esta condição inusitada é o grande mistério da história. Na casa reside uma família formada por uma mãe e dois filhos gêmeos pré-adolescentes, órfãos de pai. Segundo um ritual pagão proferido pela mãe, todos eles só podem sair de casa se estiverem amarrados por uma corda que os liga diretamente com a moradia, construída com madeira de origem sagrada. A crença é de que desta forma estariam protegidos dos espíritos e entidades sobrenaturais que vivem na floresta e rondam ameaçadoramente a casa, sem, no entanto, invadi-la, porque aquele ambiente familiar seria um refúgio seguro. 

Com esta premissa a primeira referência que nos vem à mente é o conto de fadas “João e Maria”, celebrado na obra dos irmãos Grimm. Neste clássico infantil os dois irmãos demarcam sua trilha segura de volta para casa com pedrinhas e migalhas de pão, assim escapando da morte. A analogia entre as duas histórias é totalmente justificável, ainda que caminhem por abordagens e desfechos completamente distintos. Enquanto a fábula de “João e Maria” é uma historinha de fundo moral para fazer as crianças dormirem, o filme Não Solte! se configura como um sombrio conto infantil de terror. 

A casa como elemento simbólico de segurança é muito presente no conceito de Não Solte!. Outra analogia que o filme parece propor é a ideia de que as cordas que garantem a vida dos personagens sejam entendidas como cordões umbilicais não seccionados, que asseguram a garantia da vida antes do nascimento. No caso específico aqui, o que poderíamos definir como “nascimento” seria a plena compreensão dos fatos que revela e desperta a consciência. Romper as cordas (cortar o cordão umbilical), resultaria, portanto, no processo final de libertação, física e psicológica, da influência da mãe. Neste aspecto o filme de Alexandre Aja peca por ser tão literal e óbvio em suas metáforas. Na verdade, não há um problema em si com as analogias, pois contém um valor narrativo interessante. O ponto que fragiliza o resultado é a ausência de uma complexidade na apresentação destes elementos. Eles apenas estão lá, em cena, um tanto gratuitos. Meros artifícios estéticos sem a devida reflexão crítica que as justifique no contexto geral. 

Apesar da forte presença da matriarca zelosa interpretada por Halle Berry, a história se desenvolve sob a perspectiva dos filhos. O olhar deles, bem como da sua limitada compreensão dos fatos, conduz nosso mergulho naquele universo de crenças e mitos. O medo da morte é real. As ameaças seriam também? Deste impasse se constrói o suspense psicológico no qual Não Solte! se transforma em seus dois atos finais. Na condição de espectadores somos conduzidos para um determinado destino até que lá pelas tantas as dúvidas começam a nos sobressaltar. Será isso mesmo? Há então uma mudança de percepção sobre tudo que assistimos. Reconsideramos parcialmente os fatos apresentados e colocamos a narrativa em outra rota. Quando achamos que as peças todas foram rearranjadas em seu devido lugar, novas ocorrências voltam a desordenar o conforto da plena compreensão do todo. 

Não Solte!, que inicia como um filme de terror raiz, aos poucos se transforma em um suspense psicológico de pouca inspiração, frustrando todas as boas expectativas criadas por descontinuar toda a alegoria construída com algum êxito. Uma análise sobre o poder da crença é um dos ótimos temas desperdiçados pelo realizador Alexandre Aja, que revela uma indecisão sobre exatamente qual projeto desejava fazer. Para fãs ou detratores, Não Solte! é um possível filme de M. Night Shyamalan não realizado por Shyamalan. Para o bem ou para o mal.

Assista ao trailer: Não Solte!

Jorge Ghiorzi

Membro da ABRACCINE (Associação Brasileira de Críticos de Cinema) e ACCIRS (Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul)

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Terrifier 3: a volta do palhaço assassino

 

O Halloween é o Natal para os filmes de terror. Data tradicionalmente celebrada em países de língua inglesa, particularmente nos EUA, o chamado Dia das Bruxas, comemorado em 31 de outubro, está cada vez mais forte e incorporado na realidade cotidiana dos brasileiros. Inicialmente comemorado no Brasil apenas nas turmas dos cursinhos de Inglês, pouco a pouco o Halloween virou uma data popular e obrigatória na mídia, nas escolas, no comércio e nas festas temáticas. O cinema não poderia ficar de fora deste forte apelo de consumo. O mês de outubro está se firmando como o mês de preferência para o lançamento dos filmes de terror e horror. 

Após uma temporada de muitos lançamentos no gênero, com filmes como A Última Profecia, Maxxxine, Entrevista com o Demônio, Longlegs, Não Fale o Mal, Os Fantasmas Ainda se Divertem, Infestação e Sorria 2, dentre outros, o mês mais assustador do ano fecha com o lançamento de mais um exemplar, justamente no dia 31, dia do Halloween. 

Chega às telas Terrifier 3 que traz de volta a figura apavorante do palhaço serial killer em sua saga de assassinatos cruéis. Umas das figuras mais icônicas dos filmes de horror da atualidade, o palhaço Art é protagonista de algumas das sequências mais sanguinárias já vistas no cinema nos últimos anos. Depois de barbarizar nos dois filmes anteriores o palhaço Art retorna ainda mais insano e sarcástico para barbarizar suas vítimas e apavorar o público com suas sessões de violência e tortura.

Mais uma vez com direção de Damien Leone (criador original do personagem e da série) Terrifier 3 é uma sequência direta dos acontecimentos do segundo filme da franquia. Desta vez Art volta para assombrar mais uma vez suas vítimas preferenciais, os irmãos Sienna e Jonathan, sobreviventes do massacre anterior. Enquanto lutavam para reconstruir suas vidas após a tragédia, cinco anos depois os irmãos voltam a ser perseguidos, justamente quando achavam que o passado havia ficado para trás. O vilão assassino é o mesmo, as vítimas também. Mas a época do ano para os acontecimentos é outra. Nos dois primeiros filmes os ataques do palhaço Art aconteciam na noite de Halloween. Agora, a data escolhida é a noite de Natal, com Art incorporando a sinistra figura de um sádico e assustador Papai Noel.

Há um mito, utilizado como ferramenta de marketing e divulgação, de que houve desmaios e pessoas em choque quando o filme anterior foi exibido nos cinemas dos Estados Unidos. Verdade ou fake, o fato é que a notícia viralizou à época, em 2022, e contribui decisivamente para anabolizar as bilheterias e engordar a receita do filme. Inegavelmente há sequências impactantes e angustiantes em todos os filmes da série, bem acima da violência explícita que se vê normalmente nas produções que almejam grandes públicos, com lançamento em salas de cinema de shopping center. Neste quesito a franquia Terrifier certamente subiu a régua e o público tem correspondido nas bilheterias.

De modo geral, e de maneira particular neste Terrifier 3, os filmes da série avançam até os limites da comédia e da sátira, sem, no entanto, se assumir plenamente como tal. Flerta perigosamente no tênue fio da navalha com o risco de ser considerado um irmão gêmeo dos filmes da franquia Todo Mundo em Pânico, este sim uma hilária comédia de terror. Em Terrifier a parte do humor fica limitada apenas à figura do palhaço Art, um personagem pervertido e debochado ao mesmo tempo. Ele não se expressa pela voz, sequer faz ruídos. É um clown, um bobo da corte, um desmistificador do riso, movido por ódio sanguinário, sem empatia alguma pelas vítimas. 

No geral Terrifier 3 mantém o bom padrão de produção dos filmes anteriores. Possui uma fotografia elaborada, com cores saturadas e contrastadas, o que denota alguma preocupação estética. Talvez como um artifício visual para contrabalancear com as apavorantes sequências de terror gráfico explícito dos corpos dilacerados. Outro ponto a destacar em Terrifier 3 é o mergulho cada vez mais complexo nas origens do Mal encarnado pelo palhaço serial killer. A cada novo filme da série mais e mais elementos são acrescentados para compor a compreensão da origem da “maldição” ou da demência de Art.

Terrifier 3 avança algumas casinhas também no nível da violência e brutalidade dos assassinatos e sequências de terror. Definitivamente é para estômagos fortes. Portanto, parece claro que o público deve estar ciente do que vai encontrar – e vivenciar – ao entrar na sala de cinema para encarar mais uma “piada mortal” do palhaço assassino. Como diria aquele velho filme de terror dos anos 80: pague para entrar, reze para sair.

Assista ao trailer: Terrifier 3

Jorge Ghiorzi

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Sorria 2: o horror que ri por último

 

Lançado em 2022, o thriller de horror Sorria foi uma das boas surpresas da temporada no gênero que costuma repetir fórmulas, sem grandes novidades. Encontrou ressonância entre o público, que garantiu boas bilheterias em todo o mundo, e também junto à crítica, merecendo de modo geral resenhas positivas. Por ser aquele um ano ainda marcado pelos efeitos da quarentena pandêmica, o filme dirigido por Parker Finn foi considerado por muita gente uma analogia ao pânico vivido naquele momento pela ameaça de contaminação da Covid. A relação, neste caso, ainda que possível, foi meramente incidental e involuntária, pois o conceito do longa-metragem é uma expansão do tema já desenvolvido em 2019 (portanto, anterior à pandemia mundial) no curta-metragem de 11 minutos Laura Hasn’t Slept, (“Laura não dormiu”) do próprio Parker Finn, lançado apenas no fatídico ano de 2020, no qual o primeiro Sorria foi inspirado.

Para evitar uma semelhança com a ideia central de A Hora do Pesadelo, onde o vilão Freddy Kruger surge somente durante os sonhos, a proposta original que deu origem à Sorria foi alterada. Desta vez o Mal surge em alucinações e delírios despertos, não dependendo dos sonhos dos infectados pela maldição apresentada no primeiro filme. O sinal da contaminação, como já sabemos, está na cara: um largo, assustador e inusitado sorriso estampado na face.

Há uma curiosa e esperta ligação simbólica que “contamina” todos os filmes. A personagem central do curta-metragem reaparece no primeiro longa-metragem como a paciente zero que se consulta com a doutora protagonista. Para dar continuidade na saga, um dos personagens finais, testemunha da maldição no primeiro filme, ressurge desta vez no impactante prólogo que abre este Sorria 2 (Smile 2, 2024), ainda sob a direção de Parker Finn.

A “contaminação”, vale relembrar para os desavisados, ocorre quando a vítima é testemunha do suicídio de alguém (já contaminado). Após a morte consumada o “Mal” passa a habitar o novo corpo, como um parasita que invade um hospedeiro. A partir de então a nova vítima contaminada passa a ter alucinações, enxergando sorrisos macabros em rostos de familiares ou conhecidos, até que, em um delírio extremo de loucura, acaba cometendo suicídio, em frente a alguém que passa então a ser o novo hospedeiro da maldição de origem sobrenatural.

Em Sorria 2 a vítima da vez é a cantora pop Skye Riley (a ótima Naomi Scott), que está retomando a carreira após um trágico acidente ocorrido um ano atrás. Ao testemunhar o pavoroso suicídio de um fornecedor de drogas, Skye incorpora a “entidade maligna” e passa a viver momentos perturbadores, com alucinações e delírios. Sem distinguir o que é real do que é perturbação mental, a jovem cantora enfrenta seus fantasmas internos em busca de respostas antes de chegar ao limite da insanidade e consequente morte.

A pressão da fama, os compromissos de agenda e a constante necessidade de superar limites no universo competitivo do mundo artístico já são razões suficientes para exigir o máximo da saúde física e mental de Skye, ainda em recuperação do acidente sofrido. Os primeiros sinais da manifestação do Mal que tomou conta de seu corpo inicialmente foram atribuídos às exigências estressantes da sua atividade profissional. Mas logo a coisas fogem do controle. Há algo mais profundo e perturbador tomando o controle da sua vida.

Sorria 2 faz uma mistura bem temperada que reúne terror, gore, suspense psicológico e slasher, transitando por todos os estilos com a habilidade reconhecida do realizador Parker Finn. Ainda assim, o filme por vezes comete o pecado da utilização pouco inspirada da técnica do jump scare (o famoso susto repentino), um truque um tanto clichê que costuma ser uma cilada quando utilizado em demasia ou de forma gratuita. Aqui ficamos no limite do tolerável para uma produção que demonstra uma clara intenção de buscar renovação do gênero com a inserção de elementos psicológicos.

O filme apresenta situações e momentos realmente perturbadores na espiral de loucura, que transforma a vida de Skye em uma jornada rumo à insanidade suicida. Os conflitos interiores manifestados pela protagonista conduzem a narrativa para uma abordagem de temas complexos como traumas, culpas e vivência do luto, por um passado que ainda assombra seu presente.

Contribui decisivamente para a verossimilhança deste sombrio mergulho vertiginoso rumo à mais completa alucinação o desempenho realmente diferenciado da atriz protagonista, Naomi Scott. Sua entrega ao papel é intensa, transmitindo com vigor toda a angústia da cantora pop assombrada por delírios persecutórios. De origem britânica, Naomi é conhecida pelo papel da princesa Jasmine em Aladdin, a versão live-action dirigida por Guy Ritchie em 2019, protagonizada por Will Smith no papel-título. Além de mostrar sua capacidade de atuação, em Sorria 2 a atriz também teve oportunidade de exibir seu talento no canto e na dança em alguns números musicais ao longo da trama (não, o filme não é musical!), cujo estilo das canções e interpretação lembram a performance teatral de Lady Gaga.

Frequentemente nos deparamos nas redes sociais com memes e listagens que apontam sequências de filmes que superam o original. O Exterminador do Futuro 2 e Star Wars – O Império Contra-Ataca são dois exemplos sempre lembrados. Pois então, no gênero horror surgiu um novo postulante a este título. Sorria 2 supera o Sorria original, que, a propósito, é um bom filme. Nesta continuação foi expandido o conceito original introduzindo novas camadas, sem a necessidade de dar explicações sobre a origem do fenômeno. A experiência aterradora da vítima é a grande matéria prima trabalhada por Parker Finn com apuro técnico e visual caprichado. Sorria 2 é um horror que dialoga com a inteligência e a sensibilidade do público, que sai da sala de exibição com um sorriso no rosto. Não por estarem “contaminados”, mas pelo prazer de assistir um filme de horror que não deixa ninguém indiferente.  

Assista ao trailer: Sorria 2

Jorge Ghiorzi

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Super/Man – A História de Christopher Reeve: retrato de um herói

Uma ironia dolorosa resume a vida de Christopher Reeve. O ator que construiu o mito em torno de si ao interpretar um super-herói com poderes praticamente ilimitados, dentre eles a capacidade de voar, teve seu destino final em vida restrito e imobilizado em uma cadeira de rodas, com limitadíssima capacidade motora. O homem de aço do cinema encontrou sua kriptonita na vida real ao sofrer a trágica queda de um cavalo em 1995.

Vinte anos após sua morte a trajetória do ator é retratada no emocionante e sensível documentário Super/Man: A História de Christopher Reeve (Super/Man: The Christopher Reeve Story, 2024), uma realização da dupla Ian Bonhôte e Peter Ettedgui que teve sua primeira exibição mundial no Sundance Film Festival, em janeiro deste ano. Após a repercussão extremamente positiva na audiência, a produção atraiu a atenção dos grandes players do mercado. Os direitos de distribuição foram adquiridos pelas gigantes Warner, DC Studios, HBO e CNN Films, o que garante uma grande circulação e visibilidade da obra.

O filme faz uma ampla crônica da carreira artística de Christopher Reeve, desde os primeiros tempos de ator iniciante, na escola de teatro, passando por sua ascensão à galeria dos mais renomados atores de Hollywood em sua época, até seus últimos momentos de vida, em 2004. Dentro desta trajetória destacam-se os dois momentos mais significativos da sua vida pública: a escolha para interpretar o disputadíssimo papel de Superman, no filme de 1978, e o terrível acidente que o deixou tetraplégico até o fim da vida. Estes dois episódios formam o eixo narrativo sob o qual se constrói o documentário.

O roteiro de Super/Man é constituído de imagens de arquivo, registros de vídeos domésticos, áudios do próprio ator e entrevistas com familiares e amigos mais íntimos. Este material é utilizado pelos realizadores de maneira não cronológica. A edição propõe saltos narrativos que levam o espectador alternativamente para trás e para a frente, em termos de linha do tempo da vida de Christopher Reeve. Esta técnica proporciona um dinamismo que imprime um ritmo que distancia o documentário de um tradicional registro jornalístico.

O ambiente familiar do ator, antes e após o acidente, também é bastante explorado em Super/Man, com participação dos filhos, já adultos, em depoimentos emocionados e tocantes, relembrando a figura do pai com o qual só conviveram quando ainda eram crianças. As duas companheiras que Christopher Reeve teve também registram sua presença, em espacial Dana Reeve, com quem estava casado à época do acidente, e que ficou a seu lado até os últimos dias. Juntos criaram a “Fundação Christopher & Dana Reeve”, que atua no estímulo à pesquisa científica visando a cura ou à melhoria da qualidade de vida das pessoas com paralisia. Atualmente os filhos estão à frente na gestão da Fundação, ainda ativa e influente.

As relações de Christopher Reeve com outros artistas, diretores e produtores de Hollywood revelam um ator com livre trânsito e muita consideração por parte de seus colegas de trabalho. Sabe-se que este tipo de amizade profissional costuma ser superficial e motivada por interesses momentâneos. No entanto, uma amizade muito intensa e verdadeira surgiu entre Christopher Reeve e Robin Williams. Ambos foram colegas de apartamento nos tempos das vacas magras, quando tentavam uma oportunidade em grandes produções. A ascensão dos dois foi simultânea e fortaleceu um poderoso elo de cumplicidade. Super/Man abre espaço para contar um pouco desta amizade verdadeira, que inclusive se intensificou após o acidente. Robin Williams, que nunca abandonou Christopher Reeve, esteve sempre a seu lado, tentando levar alegria e leveza à vida do ator quando a escuridão mostrava sua assustadora face. Tragicamente, exatos dez anos após a morte do amigo, o próprio Robin Williams deu fim à sua vida. O documentário não trata diretamente deste tema, embora faça uma breve e contundente referência em uma fala da atriz Susan Sarandon.

Super/Man não foge das armadilhas sentimentais que filmes deste tipo enfrentam. Há que se convir, no entanto, que não haveria de ser diferente, dada a natureza da personagem retratada e seu devastador fim de carreira e morte. Os realizadores evitam a manipulação fácil das emoções, ainda que seja inevitável o apelo às lágrimas em determinadas passagens, como os discursos de despedida de Robin Williams e Dana Reeves. O paralelo entre o homem e o mito, o ator e o super-herói, estão constantemente presentes na abordagem, muito bem sintetizado no jogo de palavras criado para o título original: Super/Man. O documentário é um registro necessário, honesto e sincero, que confirma que os grandes confrontos não ocorrem apenas na ficção dos duelos entre super-heróis e vilões dos quadrinhos. Grandes combates também são travados vida real, na luta eterna entre o ser humano e a inevitabilidade do seu fim. Como homem e como super-herói, Christopher Reeve foi gigante em todas suas batalhas.

Assista ao trailer: Super/Man – A História de Christopher Reeve

 

Jorge Ghiorzi

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Robô Selvagem: mãe natureza

A nova animação da DreamWorks reúne dois temas que estão na ordem do dia: tecnologia e meio ambiente. Robô Selvagem (The Wild Robot, 2024) é uma fábula que consegue a proeza de dialogar simultaneamente com o intocável universo da vida selvagem e as possibilidades ilimitadas da utilização da Inteligência Artificial na evolução da civilização humana sobre o planeta. O resultado é uma das mais emocionantes e tocantes animações dos últimos anos, superando com larga vantagem a animação da Disney Pixar lançada em 2008, WALL-E, com a qual possui alguma semelhança temática. 

A história inicia com um acidente que joga uma robô – a unidade ROZZUM 7134, ou apenas “Roz” – em uma remota e desabitada ilha. Naquele ambiente desconhecido a unidade robótica necessita se adaptar e aprender as regras de sobrevivência, enquanto aguarda por resgate. Neste processo Roz descobre os mecanismos que regem a flora e a fauna local. Aos poucos desenvolve uma relação de amizade e cumplicidade com Bico-Vivo, um filhotinho de ganso órfão que precisa aprender a voar, e Astuto, uma solitária e ardilosa raposa.

O elemento humano é um sujeito oculto em Robô Selvagem, pois não aparece objetivamente em cena. Apenas são percebidos e identificáveis, de maneira indireta, os reflexos e as consequências da sua existência. A Natureza profunda, intocada pelo “homem”, inadvertidamente se transfigura pela presença surpresa de um robô de alta tecnologia que literalmente cai do céu para romper o equilíbrio do ambiente de um ecossistema inexplorado e virgem (sob o ponto de vista humano). Uma subversão da ordem natural das coisas é a consequência imediata desta invasão involuntária. Daí surge uma história inspiradora com forte componente emocional que transmite lições de vida, civilização, família e empatia.

Os primeiros momentos de Robô Selvagem são vacilantes, parecem um tanto rotineiros e a animação não diz exatamente a que veio. Funcionam essencialmente para estabelecer o contexto e apresentar os “personagens” principais. No entanto, logo a animação encontra seu eixo narrativo e conquista definitivamente o interesse do espectador. Passamos a acompanhar com interesse genuíno o destino do improvável trio de protagonistas: a robô (mãe), o bebê ganso e a raposa.

A animação, dirigida por Chris Sanders (o mesmo de Lilo & Stitch e Como Treinar seu Dragão), faz uma espécie releitura do conto de fadas “O Patinho Feio” de Hans Christian Andersen, atualizado para temas como inclusão, representatividade de papeis e liberdade para exercer o direito de ser diferente em meio a hegemonia social, no caso específico do filme, em meio ao reino animal. O foco desta vez não está na figura do filhote em busca de acolhimento, mas sim na figura da robô que encarna uma mítica “mãe coragem”, que assume o papel de provedora e protetora. Com estes elementos o roteiro desenvolve uma emocionante jornada de autoconhecimento, tolerância e sobrevivência dos integrantes de uma família disfuncional, reunida por circunstâncias aleatórias em ambiente hostil. 

O gregarismo dos animais é, sob certa ótica, colocado em risco pela presença intrusa de um elemento externo que desiquilibra a harmonia ancestral do ambiente. Pois é justamente aí que ocorre o grande fato transformador, exemplar como simbologia, que promove uma necessidade colaborativa entre as espécies, subvertendo o instinto natural de preservação pela convivência entre os iguais. A mente cibernética da robô Roz não estava programada para interagir e muito menos se ocupar dos problemas das diversas espécies de animais que encontrou naquele ambiente. Ainda assim, sua inteligência superior foi tocada de alguma maneira pelos problemas de sobrevivência e os ciclos da vida aos quais os seres vivos são submetidos. Neste ponto a inteligência artificial foi substituída pela inteligência emocional, que despertou sentimentos que a máquina desconhecia até então.

Temas atuais como a preservação da natureza e a sustentação da vida estão presentes como forças vitais que sustentam a narrativa. O componente emocional, presente ao longo de todo o filme, aliado ao carisma das personagens centrais, cativam o espectador do início ao fim. Robô Selvagem é uma diversão exuberante para todas as idades. O resultado é uma experiência de cores e movimentos que proporciona uma jornada divertida, sensível e criativa. Robô Selvagem chegou para rivalizar com Divertida Mente 2 como a melhor animação de 2024.

Assista ao trailer: Robô Selvagem

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Coringa – Delírio a Dois: entre o asilo e o tribunal

 

O primeiro filme solo do Coringa causou alguma surpresa aos fãs quando se revelou uma produção que ambicionava um realismo incomum nas aventuras de personagens de HQs. Ainda que, ao longo da trama, o longa assumisse pouco a pouco um clima de farsa com pretensão política. Para a segunda incursão solo do personagem o realizador Todd Phillips (de Se Beber Não Case!) acelera e radicaliza, transformando tudo em uma delirante fantasia musical.

Coringa: Delírio a Dois (Joker: Folie à Deux, 2024) inicia dois anos depois dos eventos do filme anterior. Após os crimes cometidos, Arthur Fleck (Joaquin Phoenix) é internado no Asilo Arkham, hospital psiquiátrico destinado aos criminosos alucinados e mentalmente perturbados. Enquanto espera pelo julgamento – onde a alegação de insanidade o tornaria inimputável – Arthur conhece Lee Quinzel (Lady Gaga), também internada na instituição. Juntos passam a viver uma louca paixão, motivados pelo desejo de fuga e embalados por delírios musicais.

O Coringa de 2019 reverenciou o estilo de cinema urbano e pessimista dos anos 70, tendo Taxi Driver como a grande matriz inspiradora. A continuação segue bebendo nesta fonte setentista. Aqui temos ecos de Um Estranho no Ninho nas sequências que se passam na instituição psiquiátrica. Em termos de estrutura o longa é dividido em dois grandes atos. O primeiro se passa totalmente no Asilo Arkham, onde Arthur Fleck passa por péssimos momentos de violência física e mental. A segunda metade do filme tem como cenário o Tribunal, onde acontece seu longo julgamento pelos cinco assassinatos ocorridos no filme anterior. 

Para o bem ou para o mal, a decisão mais significativa de Todd Phillips (também roteirista) foi a transformação de Coringa: Delírio a Dois em musical. Então, estamos diante do clássico dilema do ovo e da galinha. O filme é um musical porque Lady Gaga está no elenco, ou Lady Gaga está no elenco porque o filme é um musical? O fato objetivo é que a inclusão de números musicais se revela um tanto gratuita pois não acrescenta nada substancial à narrativa. A sensação que transmite é de estarem ali apenas para alongar um roteiro que tem pouca história a contar. Isto para não falarmos que não existe nenhum número sequer próximo do memorável.

Coringa: Delírio a Dois prossegue no caminho do primeiro filme. O interesse da trama permanece totalmente focado no personagem central. Não abre espaço para outras abordagens, nem tramas paralelas, muito menos a elaboração de um plano criminoso, como seria de esperar em um vilão em formação. A bem da verdade Arthur Fleck / Coringa é um personagem essencialmente covarde, cujas circunstâncias, que independeram do seu desejo, o transformam em um involuntário agente catalizador do caos e da anarquia. O fato objetivo é que aqui o Coringa ainda não possui adversários, além dele próprio.

O foco do diretor Todd Phillips permanece o mesmo, promover um mergulho na psique perturbada de Arthur Fleck, estabelecendo as bases que constituem sua personalidade fracionada e seu viés vilanesco, manifestado pela origem do narcisista Coringa. Enredado nesta perspectiva o filme não avança, se move em círculos, não apresenta um caminho. Ainda não foi desta vez que vimos o primeiro enfrentamento entre Coringa e Batman. No universo das adaptações de HQs para o cinema já assistimos muitas vezes filmes de origem. O ineditismo aqui é o fato de termos dois filmes inteiros contando essencialmente um imenso arco dramático: a origem profunda do vilão piadista e sua risada maligna.

A expectativa para a sequência de Coringa era grande. O que entrega de fato é uma profunda decepção, que frustra totalmente qualquer tipo de espectador, do fã mais dedicado ao interessado eventual. O final aberto coloca possibilidades para o futuro. Caso haja um terceiro filme solo do personagem, que encontrem urgente o caminho certo, porque desta vez a piada não teve graça alguma. Coringa: Delírio a Dois é redundante, pretencioso e vazio.

Assista ao trailer: Coringa: Delírio a Dois

Jorge Ghiorzi

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Os Fantasmas Ainda se Divertem: sessão nostalgia

Com um atraso de 36 anos finalmente os fãs do morto-vivo mais engraçado do cinema – Beetlejuice - tem o tão esperado reencontro. Uma geração inteira se passou entre o filme original, Os Fantasmas se Divertem (1988), e esta continuação tardia, Os Fantasmas Ainda se Divertem (Beetlejuice, Beetlejuice, 2024). Este tempo todo que se passou entre um filme e outro possibilita então que aqueles que se divertiram no final dos anos 80 voltem aos cinemas com seus filhos, sobrinhos ou netos para um ótimo programa em família. A diversão é garantida. Uma sessão nostálgica para os velhos fãs e uma descoberta para os mais jovens.

Este projeto de continuação chega em um momento de impasse criativo do diretor Tim Burton, um realizador que já viveu melhores momentos. O auge do sucesso foi nos anos 80 e 90 com filmes como Batman (a primeira versão, de 1989); Batman – O Retorno; Edward Mãos de Tesoura; Ed Wood e A Lenda do Cavaleiro Sem Cabeça. A partir da segunda década dos anos 2000, com filmes pouco inspirados como Sombras da Noite; Grandes Olhos; O Lar das Crianças Peculiares e Dumbo, seus trabalhos perderam o brilho e o folego. A repetição de uma estética e uma narrativa muito particulares do realizador acabou aprisionando Tim Burton em um previsível formulismo que cansou e afastou o público. Portanto, este retorno ao passado, revisitando um de seus maiores sucessos é, antes de tudo, uma estratégia para retomar um caminho que se perdeu com o passar dos anos.

Neste momento crítico da carreira Tim Burton recorreu ao resgate de um de seus filmes de maior prestígio e êxito criativo. Ao aceitar fazer a continuação de Os Fantasmas se Divertem o realizador arriscou e jogou todas as fichas. O resultado não é o desastre que muitos chegaram a prever, no entanto, também não se situa entre seus melhores trabalhos. Podemos entender Os Fantasmas Ainda se Divertem como uma obra de passagem, que abre possibilidades para Burton se reencontrar com suas melhores habilidades como contador de fábulas que transitam entre o humor e o bizarro, com toques de terror censura livre. 

A história de Os Fantasmas Ainda se Divertem inicia quando os Deetz, após uma tragédia familiar, precisam retornar à antiga casa em que moravam em Winter River, que conhecemos no primeiro filme. Lydia Deetz (Winona Ryder) já é adulta e mãe da adolescente Astrid (Jenna Ortega, da série Wandinha, produzida e dirigida por Tim Burton para a Netflix). Ao visitar o sótão da casa a jovem Astrid se depara com uma misteriosa maquete da cidade. Mal sabe ela que aquela maquete funciona como um portal que dá acesso a um mundo habitado por mortos-vivos. Uma destas criaturas é o extravagante fantasma Beetlejuice (novamente interpretado por um afiado Michael Keaton), que mais uma vez vai assombrar e colocar a vida da família Deetz de cabeça para baixo.

Os Fantasmas Ainda se Divertem está longe de ser um filme perfeito ou mesmo memorável, mas funciona suficientemente bem para recolocar o trabalho de Tim Burton nos trilhos. Há muito tempo ele não se mostrava tão à vontade em um projeto. Isto se reflete na tela, quando percebemos que Burton parece estar se divertindo tanto ou mais que os personagens que dirige. Algo como um garoto que ganha um brinquedo novo que muito desejava. O espírito de garoto de Burton reencontra velhos amigos do passado com um olhar amadurecido pela passagem dos anos, porém sem perder a ternura.

Esta continuação não traz exatamente novas ideias, apenas revive um momento que trouxe muitas alegrias há quase quatro décadas. O filme ganhou até um reforço luxuoso com a presenças de Willien Dafoe e Monica Bellucci interpretando novas personagens que, a bem da verdade, tem pouco a dizer. Há aqui e ali algumas tentativas de expandir o universo criado no filme original, mas o excesso de subtramas que não chegam a lugar algum prejudicam o resultado. Porém, não ao ponto de comprometer na totalidade a experiência, que segue sendo prazerosa e divertida na maior parte do tempo. Talvez a maior qualidade de Os Fantasmas Ainda se Divertem esteja mesmo nas partes e não no todo.

Quem entra em uma sala de cinema para assistir um filme de Tim Burton já possui minimamente uma ideia do que vai encontrar. Afinal, ele é um realizador que possui o que poderíamos definir como uma assinatura autoral. Sob esta perspectiva, Os Fantasmas Ainda se Divertem traz evidentemente as marcas características do seu cinema. O universo particular de Tim Burton está lá, com suas regras, seu humor nonsense, sua estética característica e personagens bizarros. Se o propósito primeiro de Os Fantasmas Ainda se Divertem era reconectar o diretor com os melhores momentos de sua filmografia, pode-se afirmar que o objetivo foi alcançado. O filme é OK e recoloca Tim Burton no jogo.

Assista ao trailer: Os Fantasmas Ainda se Divertem

 

Jorge Ghiorzi

Membro da ABRACCINE (Associação Brasileira de Críticos de Cinema) e ACCIRS (Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul)

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