Melhores Filmes de 2023

 

O ano cinematográfico de 2023 encerra com uma clara sinalização de esgotamento dos filmes de super-heróis, explorados até a última gota pela Marvel e DC por duas décadas. Uma série de fracassos e decepções ao longo ano propiciou uma sensível oxigenação do mercado exibidor, o que permitiu que a atenção do público fosse parcialmente direcionada às produções do que, na falta de termo mais adequado, poderíamos chamar de “cinema adulto” (com a devida ressalva).

O resultado efetivo deste movimento foi a maior circulação de produções internacionais (off-Hollywood) para além dos circuitos das plataformas de streaming. Ainda que timidamente, muitas destas produções foram efetivamente lançadas em Cinemas, tanto nas salas de Arte quanto nos grandes circuitos dos shopping centers.

Esta diversidade está representada na pluralidade das nacionalidades dos filmes desta lista com os destaques do ano: 3 norte-americanos, 2 brasileiros, 1 alemão, 1 japonês, 1 italiano, 1 francês e 1 sul-coreano.

Melhores Filmes de 2023 (ordem aleatória)

01 – AFIRE – Direção: Christian Petzold

02 – MONSTER – Direção: Kore-eda Hirokazu

03 – ASSASSINOS DA LUA DAS FLORES – Direção: Martin Scorsese

04 – RETRATOS FANTASMAS – Direção: Kleber Mendonça Filho

05 – AS OITO MONTANHAS – Direção: Felix van Groeningen e Charlotte Vandermeersch

06 – RESISTÊNCIA – Direção: Gareth Edwards

07 – OPPENHEIMER – Direção: Christopher Nolan

08 – ANATOMIA DE UMA QUEDA – Direção: Justine Triet

09 – PEDÁGIO – Direção: Carolina Markowicz

10 – DECISÃO DE PARTIR – Direção: Park Chan-Wook

Jorge Ghiorzi

Membro da ACCIRS – Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul

Contato: janeladatela@gmail.com

Ferrolho

 

por Leila Silveira

Neste momento onde todos filmes parecem prontos para serem mastigáveis, assisto Ferrolho. Um filme para assistir com atenção, qualquer piscada pode deixar passar a percepção, que não é dada de pronto.

O diretor, Alexandre Derlam, mergulhou nos sentidos do personagem, mostrando que é possível extravasar sem palavras e arrepiar no vazio, nas distâncias, no âmago do debate interior.

Para quê palavras se tem o olhar, beirando o pedido de socorro de quem assiste?

Cinema arte, quase poético, com boa atuação do ator Ângelo Sérgio, que parece arrancar da gente, as palavras que não são pronunciadas. A temática do filme é sobre ausências? Ou demência? Ou seriam todas as modernas questões do ser humano, que descobre ser absolutamente solitário, em seus temas mais fundamentais, como pensar, lembrar e a eterna necessidade de ser amado.

A trilha, bem conduzida do Marcelo Corsetti somado com a atuação de Ângelo Sérgio, (ele que já tinha despertado nossa atenção em Railander - outro curta de Derlam de 2018), enfim o conjunto da obra, nos mostra que o diretor está buscando outros desafios na sua carreira.

É preciso destacar as locações, escolhidas com apuro e a fotografia, que dá o distanciamento na medida. O filme é bem sucedido, fazendo a junção, na trama, do exterior com o interior do personagem.

Propositalmente quero evidenciar preciosa contribuição: Bebeto Alves. Um universo inteiro de emoção e parceria com Alexandre Derlam e equipe, amigos desde muito, trocas desde sempre. Ressaltar sua obra imensa, é chover no molhado, falar que a sua participação nos vocais foi justamente em um dos seus últimos trabalhos, remete ao eterno do cinema. Sempre descobrindo, sempre misturando as artes, (no presente, porque Bebeto se faz presente). Afinal seu legado musical segue, instigando e inspirando.

A história de Ferrolho é introspectiva e enigmática, despertando o imaginário de quem assiste. Mas pensando bem, quem consegue decifrar o ser humano?

Leila Silveira

Produtora Cultural, atriz, diretora de teatro, roteirista, pesquisadora do audiovisual

Resistência: épico futurista e político

 

Nos primeiros 100 anos de existência do gênero Ficção Científica no cinema muitos ciclos temáticos se sucederam. Nos primeiros anos a base eram as adaptações de novelas de escritores visionários, como Jules Verne e H. G. Wells. Depois, nos anos 50, chegou a vez de explorar os medos do perigo atômico. Nos anos 60 o foco era a exploração espacial. Nos anos 70, as grandes utopias ganham as telas. Nos anos 80, as fantasias espaciais. Nos anos 90 veio a ressaca, com as distopias. Por fim, no novo milênio a bola da vez nos filmes de Ficção Científica é a onipresente Inteligência Artificial.

Resistência (The Creator, 2023), de Gareth Edwards (de Rogue One e Godzilla, de 2014) é mais uma produção que tem a IA como tema principal. No caso, não pelo o que ela possibilita de benefícios quase ilimitados, mas sim por seus efeitos negativos e danosos a longo prazo. O filme explora, de maneira dramática, as perigosas consequências que a utilização massiva desta tecnologia pode causar nos destinos da civilização.

Após explosão nuclear, que devasta Los Angeles, deliberadamente provocada por Inteligência Artificial, a tecnologia é banida e restrita no Ocidente. Apenas os países asiáticos ainda permitem a utilização da IA. Em meio a este mundo de opõe Ocidente x Oriente (algo tipo Guerra Fria), um ex-agente das forças especiais, Joshua (John David Washington), é recrutado para caçar e eliminar o Criador, responsável pelo desenvolvimento de uma poderosa arma que teria a capacidade de eliminar os humanos e conquistar o planeta. Joshua e sua equipe de agentes de elite atravessam as linhas inimigas e entram no coração sombrio do território ocupado pela IA para cumprir a missão. Lá descobrem que a poderosa arma secreta é uma criança, tecnologicamente construída, cujo destino pode alterar o rumo da guerra.

Resistência é um deslumbrante e original épico de ficção científica, apesar do tema central não ser exatamente uma novidade. O fato é que o filme apresenta várias camadas, o que já o coloca, de antemão, em um local de destaque na atual produção do gênero. Em sua face mais superficial se apresenta como uma movimentada aventura futurista. Há, porém, em seu subtexto, um interessante comentário político que aborda questões de xenofobia, colonialismo e expansionismo em países do terceiro mundo asiático. Isto sem falar no arco dramático do protagonista Joshua, que apresenta uma transição do homem belicista e violento até o humanismo e a empatia.

Visualmente o filme de Gareth Edwards é impactante, seja pelo desenho de produção criativo e original, seja pela fascinante cenografia. Contribuiu decisivamente para isto o fato de o filme ter sido realizado em grande parte em locações reais em países asiáticos, em substituição ao frio cenário verde de estúdio, utilizado na quase totalidade das produções do gênero. A pós-produção apenas adicionou elementos de computação gráfica sobre uma imagem captada em cenários reais. Isto faz total diferença para a verossimilhança e o resultado diferencial é visível.

Outro ponto a se destacar é a ausência do fetichismo pelos aparatos tecnológicos. Tudo que vemos tem função utilitária, e não está lá apenas pelo impacto estético que possa causar. Algo semelhante já vimos em Distrito 9, com aquela tecnologia “suja”, bastante convincente. Resistência optou acertadamente por este caminho. O roteiro, escrito por Gareth Edwards e Chris Weitz (de Um Grande Garoto e Pinóquio), é 100% original, algo raro em grandes produções, que costumam estar ancoradas em grandes referências de outras mídias, tipo livros, histórias em quadrinhos, séries, etc.

O nem tão admirável mundo novo apresentado por Resistência propõe analogias políticas muito identificadas com os tempos que vivemos. Este é o tipo de filme que as salas de cinema devem agradecer, especialmente neste momento de reconquista de público. Resistência é um filme cuja grandiosidade cênica e estética só são devidamente apreciadas na telona do cinema.

Assista ao trailer: Resistência

Jorge Ghiorzi

Membro da ACCIRS – Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul

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Som da Liberdade: resgate heroico

 

Desde o período de produção, passando pela divulgação até o lançamento, a polêmica está intimamente ligada ao filme Som da Liberdade (Sound of freedom). Finalizada em 2018, a produção seria lançada por uma subsidiária da 20th Century Fox. Mas os planos foram alterados quando a Disney adquiriu a Fox. A produção ficou arquivada por cinco anos. O filme só ganhou uma oportunidade de lançamento quando a pequena distribuidora Angel Studios adquiriu os direitos da obra. As acusações que sempre rondaram a produção é de que se trataria de um filme com perfil radicalmente direitista.

Elogios de Donald Trump, Elon Musk e Mel Gibson (envolvido na produção) colocaram mais lenha na fogueira. A tentativa de boicote e cancelamento só contribuíram para acender o interesse. O resultado, contrariando expectativas, é um inesperado sucesso de bilheteria no mercado norte-americano, com tendência a repetir o êxito no mercado latino-americano. Estabelecida esta premissa, vamos nos ater aqui exclusivamente à apreciação da obra em si como realização cinematográfica, abstendo este contexto externo.

Há, além de tudo isso, um ponto que parece inequívoco, acima de qualquer discussão: o tema central de Som da Liberdade é por demais importante para ser considerado algo secundário e irrelevante. O sequestro de crianças para serem utilizadas como escravas sexuais por pedófilos do submundo, que se escondem nas sombras da deep web, é o pano de fundo onde se desenrola este misto de drama, ação e biografia dirigido pelo mexicano Alejandro Monteverde.

O aspecto biográfico fica por conta da recriação da jornada real de Tim Ballard (interpretado com convicção religiosa por Jim Caviezel), um agente federal dos Estados Unidos que atua na identificação e captura de pedófilos em território norte-americano. Insatisfeito com o sucesso relativo das suas ações, decide empreender uma missão solitária para combater o tráfico infantil. Desliga-se do governo e parte para em busca de uma criança sequestrada e levada por criminosos para a Colômbia. Sozinho, clandestino, sem apoio das forças policiais dos EUA e infiltrado em terra estranha, Tim parte para uma perigosa operação de resgate.

Baseado em fatos, Som da Liberdade claramente romantiza e ficcionaliza em demasia a história de Tim Ballard. A santificação do personagem glorifica seus atos, a ponto de transformá-lo em herói ungido por uma missão divina. A interpretação messiânica de Jim Caviezel, ainda e sempre marcado pelo recall de A Paixão de Cristo (2004), transforma um personagem real, de carne e osso, em uma entidade justiceira martirizada pela culpa.

Apesar da origem latina do realizador Alejandro Monteverde, o filme não supera os clichês latinos tão usuais em produções sob o olhar de Hollywood. O indefectível filtro amarelo, que solariza tudo, e as cores quentes estão presentes. Todos os personagens secundários, quando a ação se passa na Colômbia, são fortemente marcados pelos mais rasteiros estereótipos de caráter, estética e comportamento, tantas vezes associados às populações que vivem na Linha e abaixo da Linha do Equador.

Como já citado, a temática de Som da Liberdade é seu grande e inequívoco mérito, a ponto de suplantar as virtudes da realização cinematográfica. Um assunto por demais doloroso, mas que deve ganhar luzes para que haja um combate realmente efetivo. Infelizmente a realização pesa muito a mão no caráter emocional e faz uso excessivo de recursos de manipulação da emoção do espectador: música, frases de efeito, atos heroicos. Reconheça-se, no entanto, que se trata de uma produção de grande impacto, que dificilmente deixará a plateia indiferente. A sensação final de incomodo é real e palpável, ficando ainda mais evidente após o recado de Jim Caviezel (o ator, fora do personagem), ao término dos créditos finais.

Eliminando – como se fosse possível - o componente alegadamente verídico da trama e o discurso político/moral que imprime do início ao fim, Som da Liberdade poderia ser considerado apenas uma aventura de resgate convencional, na linha, por exemplo, de Lágrimas do Sol (2003), estrelado por Bruce Willis em missão humanitária clandestina na selva nigeriana.

Assista ao trailer: Som da Liberdade

Jorge Ghiorzi

Membro da ACCIRS – Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul

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Sem Ar: tensão no fundo mar

Refilmagem do sucesso do cinema sueco, Além das Profundezas (Breaking surface, 2020), Sem Ar (The Dive, 2023) é rápido e objetivo. Vai direto ao ponto, sem protelar a entrega do que se propõe. No caso, um tenso suspense, de tirar o fôlego, com perdão do trocadilho involuntário.

De imediato somos apresentados às duas irmãs protagonistas, que decidem fazer mergulho recreativo em um lugar lindo e remoto. O que deveria ser um tranquilo reencontro anual das irmãs, rapidamente se transforma em uma tragédia. Durante o passeio uma delas fica presa em uma rocha, abaixo d’agua. Sem poder se mover, ela ficará totalmente dependente de sua irmã que terá que lutar por sua vida enquanto ela lida com um nível perigosamente baixo de oxigênio, ao mesmo tempo em que busca desesperadamente por ajuda na superfície.

Produção alemã, dirigida por Maximilian Erlenwein, Sem Ar teve suas locações no arquipélago de Malta, na região central do Mediterrâneo. Como é comum em filmes assemelhados, como A Queda, por exemplo, um fio de enredo sustenta a encenação dramática, a começar com a relação um tanto conflitada, mas nunca devidamente explicada, entre as irmãs. Uma questão mal resolvida no passado se manifesta justamente no momento mais crítico da vida de ambas. Mas nada tão significativo a ponto de suplantar o principal foco narrativo, que é a exploração do medo da morte, a tensão máxima, o efeito de confinamento e a solidão extrema.

Sem Ar é, antes de tudo, claustrofóbico ao explorar a sensação imersiva e sensorial que só um mergulho subaquático – e um passeio orbital – são capazes de proporcionar. Os gatilhos do medo, disparados pelo receio da morte e da solidão, são manipulados pelo filme, no mais das vezes, com bons resultados do início ao fim.

O artifício de incluir relógios, marcadores de tempo, e referências e informações que demarcam a passagem do tempo, reforçam a aflição das personagens, e também a nossa aflição, que compartilhamos em tempo real, pois a ação do filme transcorre em paralelo ao nosso tempo real.

As soluções de roteiro, casuísticas e por vezes um tanto forçadas, são suficientemente convincentes a ponto de não comprometer a integridade da narrativa. Sem Ar, ainda que em sua essência não saia do lugar comum e carregue demais nos clichês dos filmes de sobrevivência, é um thriller de suspense que dá conta do recado, se a expectativa não for muito alta. Uma experiência de entretenimento a qual assistimos com algum prazer e sem dor.

Assista ao trailer: Sem Ar

Jorge Ghiorzi

Membro da ACCIRS – Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul

 

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A Noite das Bruxas: mistério em Veneza

As duas primeiras adaptações de livros de Agatha Christie, capitaneadas por Kenneth Branagh, foram Assassinato no Expresso Oriente (2017) e Morte no Nilo (2022). Não eram exatamente novidades, pois tratavam-se de remakes de filmes já realizados anteriormente. Desta vez a escolha recaiu sobre um livro nunca antes adaptado. Portanto, tem-se aí uma novidade e uma aposta, que por si só já tem a capacidade de potencializar o interesse. Os dois primeiros títulos da franquia funcionaram como teste para estabelecer a estética e a nova abordagem nas adaptações de Agatha Christie no século 21. E, claro, apresentar ao mundo a nova face do investigador Hercule Poirot, no caso, o próprio Kenneth Branagh, que atua também como diretor. A boa receptividade mostrou que o caminho era correto, e comprovou que ainda há espaço para novas aventuras do famoso investigador de origem belga.

Assim, chegamos a este A Noite da Bruxas (A Haunting in Venice, 2023), baseado em um dos últimos livros escritos por Agatha Christie, lançado no final dos anos 60, apenas sete anos antes de sua morte. O detetive Hercule Poirot (Kenneth Branagh) está aposentado, vivendo as delícias do exílio na bela Veneza, distante da rotina de investigação de novos casos. Mas os casos misteriosos insistem em se aproximar de Poirot. A convite de sua amiga escritora de livros policiais, Ariadne Oliver (Tina Fey), ele vai a uma festa de Halloween em um palácio veneziano abandonado. Lá haveria uma sessão espírita, e a proposta é que Poirot desmascare a médium (Michelle Yeoh) se fazendo valer da sua capacidade de dedutiva e racional. Mas, nem tudo ocorre como o previsto. Naquela noite das bruxas ocorre um assassinato e Hercule Poirot não resiste ao chamado. Entra novamente em cena para elucidar o mistério em meio às gôndolas de Veneza e vários suspeitos.

Aqueles que leram o livro já percebem de imediato que algo de muito errado não está certo. A história original não se passa em Veneza, nem sequer há uma sessão espírita. O roteiro utilizou apenas alguns personagens da obra, ainda assim, em contextos bem diversos. Isto sem falar na trama central, totalmente recriada a ponto de tornar o plot original irreconhecível. Há ainda uma alteração substancial. No livro de 1969 muitos personagens vitais para a trama são crianças e jovens, algumas como vítimas, outras como suspeitas.

A opção pelo politicamente correto muito certamente vetou a possibilidade de uma grande produção de estúdio (com a presença da Disney na distribuição) mostrar crianças/jovens como potenciais delinquentes, criminosos e assassinos. A rainha do crime, Agatha Christie, foi bem menos puritana e realista quando escreveu a obra há mais de 50 anos.

Das três encarnações de Kenneth Branagh como Hercule Poirot, esta parece ser a mais comedida, com uma postura menos blasé, o que transforma o personagem, pouco a pouco, em uma figura cada vez mais pop e próxima do espírito dos tempos atuais. Conversar com as plateias mais jovens - não necessariamente formada por leitores dos livros - faz todo sentido para uma franquia que pretende se estender ainda para outros tantos títulos. No mais, o velho Poirot de guerra está presente: presunçoso, afetado, racional e brilhante.

Sem abandonar o mistério investigativo, A Noite das Bruxas introduz, um tanto forçosamente, um viés de terror (em contraposição ao ceticismo de Poirot) como recurso narrativo, com direito a fantasmas e assombrações. A trama, substancialmente alterada, busca uma coerência que dificilmente alcança ao longo dos 100 minutos. Kenneth Branagh e seu roteirista, Michael Green, apostaram alto com as alterações profundas que impuseram à história. O resultado carece de credibilidade, não inspira o terror psicológico pretendido e não entrega um mistério realmente sedutor, a chave do sucesso da obra de Agatha Christie. A Noite das Bruxas fica a meio caminho e naufraga nas águas de Veneza.

Assista ao trailer: A Noite das Bruxas

Jorge Ghiorzi

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Toc Toc Toc – Ecos do Além: por trás das paredes

 

A obra de Edgar Allan Poe é fonte inesgotável de inspiração para o cinema. Material criado pela imaginativa mente literária de Poe já foi utilizado de forma literal em inúmeras adaptações cinematográficas fiéis ao original. Há também outras tantas versões apenas parcialmente inspiradas nas tramas criadas pelo escritor. Este é o caso de Toc Toc Toc – Ecos do Além (Cobweb, 2023), que tem como base o conto “The Tell-Tale Heart”, escrito em 1843.

A primeira – mas não única – grande alteração do conto original foi a transposição da ação do século XIX para os dias contemporâneos. Afora isso, o roteiro incorporou ainda temas atuais como bullying, abuso infantil, maus-tratos e abandono parental.

Na história, que transcorre nos dias que antecedem o Halloween, Peter, um menino de oito anos, é atormentado por um misterioso e constante barulho que vem de dentro da parede de seu quarto. Seus pais insistem que os ruídos e vozes estão apenas em sua imaginação. À medida que o medo de Peter se intensifica, ele acredita que seus pais podem estar escondendo um segredo perigoso e questiona a confiança deles. Quando descobre que os sons são realmente reais, Peter tem a certeza que os pais ocultam um terrível segredo e inicia uma busca para descobrir a verdade.

A produção é de Seth Rogen, que tem se mostrado um produtor bastante ativo. Esta é sua terceira produção a entrar em cartaz em 2023, após Loucas em Apuros e As Tartarugas Ninja: Caos Mutante, além da série de animação Invencível, no Prime Video, o serviço de streaming da Amazon. A direção de Toc Toc Toc – Ecos do Além é de Samuel Bodin, da série Marianne, da Netflix.

Um dos grandes acertos do roteiro, assinado por Chris Thomas Devlin, de O Massacre da Serra Elétrica (2022), foi estabelecer a perspectiva da narrativa a partir do ponto de vista do garoto, em quase sua totalidade. Eventualmente, em poucos momentos, nosso entendimento da história passa pela percepção da personagem da professora. No mais das vezes, tudo o que se refere aos pais de Peter nos é sonegado, causando no espectador a mesma sensação de desorientação vivenciada pelo garoto. Desta decisão decorre um dos principais destaques da produção. Como filme de terror Toc Toc Toc sai do lugar comum do gênero, que tende a reprisar indefinidamente fórmulas recorrentes, ao reverter expectativas apostando em provocar menos sustos gratuitos e investir mais em uma narrativa climática solidamente ancorada no suspense. Foi bem sucedido na acertada escolha.

Contribui decisivamente para o bom resultado do suspense o fato de que a entidade que vive por trás das paredes não é exatamente um ser metafísico ou sobrenatural. Pelo contrário, é uma criatura física - de carne e osso, digamos -, pois sequer consegue superar a barreira física de uma simples parede ou mesmo de uma mera porta. Portanto, o pavor torna-se mais real e palpável. Afinal, o que aconteceu com Peter? O final aberto, livre para interpretações, é apenas mais um ingrediente que captura nosso interesse e potencializa a experiência.

Toc Toc Toc – Ecos do Além é uma agradável surpresa positiva. Um thriller de terror que não prometia nada e entregou tudo.

Assista ao trailer: Toc Toc Toc – Ecos do Além

 

Jorge Ghiorzi

Membro da ACCIRS – Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul

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