“Eduardo & Mônica”: eclipse total do coração

Ele gosta de Bonnie Tyler. Ela gosta de David Bowie. Preferências e diferenças irreconciliáveis, só que não, como mostra Eduardo & Mônica. O drama romântico, dirigido por René Sampaio, é baseado na conhecida canção de sucesso do Legião Urbana, composta por Renato Russo. Realizada pela mesma equipe e diretor de Faroeste Caboclo de 2013 (também inspirado por uma canção do Legião Urbana), a produção enfrentou problemas para ser lançada. A pandemia e o fechamento das salas de cinema adiaram por duas vezes a estreia, inicialmente prevista para o primeiro semestre de 2020.

Frequentemente se diz que algumas composições de Renato Russo são praticamente roteiros prontos de filme, pois contemplam características de um bom storytelling ao narrar histórias envolventes e cativantes. Então, o caminho naturalmente esperado era esse mesmo, acabar nas telas de cinema. A boa receptividade com Faroeste Caboclo estimulou a repetição da fórmula. E, sim, deu muito certo, superando até mesmo a primeira experiência.

O filme (assim como a canção) conta uma história de amor que acompanha o relacionamento do estudante Eduardo (Gabriel Leone) e da artista plástica Mônica (Alice Braga), que precisam superar suas muitas diferenças, de idade, de personalidade, de criação familiar, de cultura, de perspectivas de vida, de gostos musicais e literários. O cenário dessa história de conquistas, descobertas e aprendizados é a Brasília dos anos 80, marcada pelo fim do regime militar em contraste com a ebulição do rock brasileiro.

Um tema ostensivamente presente em Eduardo & Mônica é a possibilidade da convivência e aceitação dos diferentes e opostos. Olhar condescendente e delicado do diretor René Sampaio torna perfeitamente aceitável e crível a construção de um relacionamento, seja amoroso ou apenas de amizade, baseado na compreensão e no respeito a quem pensa muito diferente.

A manutenção do tempo (anos 80) e espaço (capital federal), onde transcorre a “história” original da canção de Renato Russo, foi fundamental para preservar sua essência, um tanto ingênua e romântica, diga-se de passagem, o que garante que a narrativa fique de pé e flua com naturalidade. Seria praticamente uma impossibilidade adaptar a história para os tempos contemporâneos. Eduardo & Mônica se apresenta como um belo e nostálgico retrato de um tempo que já passou. Uma pequena joia arqueológica da cultura pop brasileira. Destaque-se, aliás, o roteiro enxuto e muito bem amarradinho escrito por Matheus Souza com a colaboração final de outros três roteiristas (Cláudia Souto, Jéssica Candal e Michele Frantz).

A dupla de protagonistas, Gabriel Leone e Alice Braga, funciona muito bem em cena. A interação entre eles é um dos pontos altos do filme e garantem momentos de grande sensibilidade e entrega emocional. A primeira declaração de amor de Eduardo para Mônica, por exemplo, é um daqueles momentos que capturam a plateia, que se deixa levar definitivamente por aquela improvável história de amor. Eduardo & Mônica demorou para chegar às telas dos cinemas, mas certamente vai ficar por muito tempo na memória do público que vai sair da sessão cantarolando: “Quem um dia irá dizer que não existe razão nas coisas feitas pelo coração...”. 

Assista ao trailer: Eduardo & Mônica

Jorge Ghiorzi / Membro da ACCIRS

Críticos gaúchos escolhem os Melhores de 2021

A ACCIRS (Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul) divulga os vencedores da tradicional premiação dos MELHORES DO ANO. Foram eleitos os melhores filmes exibidos em festivais online, lançados em salas de cinema e disponíveis em diferentes plataformas de streaming. Todos os membros da associação foram os votantes que elegeram os premiados.

Além dos vencedores nas categorias de Curta-Metragem Gaúcho, Longa-Metragem Gaúcho, Longa-Metragem Brasileiro e Longa-Metragem Internacional a ACCIRS também elegeu o "Destaque Gaúcho" concedendo o "Prêmio Luís César Cozzatti".

Estes foram os vencedores:

Melhor curta-metragem gaúcho

EU NÃO SOU UM ROBÔ - de Gabriela Richter Lamas

Melhor longa-metragem gaúcho

A NUVEM ROSA - de Iuli Gerbase

Melhor longa-metragem brasileiro

DESERTO PARTICULAR - de Aly Muritiba

Melhor longa-metragem internacional

ATAQUE DOS CÃES - de Jane Campion

Prêmio Luiz César Cozzatti (Destaque Gaúcho)

"PROJETO RAROS"

Melhores Filmes de 2021

Em um ano onde aparentemente se consolidou o formato híbrido de exibição de lançamentos cinematográficos em salas de cinema e plataformas de streaming, fica sensivelmente prejudicada a sensação de enxergarmos com clareza um “ano cinematográfico”. A própria percepção dos limites de um ano fechado ficou borrada. A exibição ficou fragmentada.

O novo cenário de exibição trás ônus e bônus para a crítica, para os cinéfilos e para as audiências eventuais. Certamente democratiza o processo de lançamento e exibição globalizada, porém, isto não se reflete necessariamente na democratização do acesso. A possibilidade da apreciação cinematográfica não se dá apenas via ingresso adquirido na bilheteria (plenamente democrática). Agora é necessário assinar uma plataforma de conteúdos de streaming. Como assistir (por meios lícitos) um filme como Ataque dos Cães sem ser assinante da Netflix? Enfim, este é o novo panorama que se apresenta, e com ele devemos conviver e nos adaptar.

Dentro deste panorama esta é minha lista de melhores de 2021. Imperfeita, como qualquer lista. Com uma ressalva: são os melhores que tive a oportunidade de acessar (metade em salas de cinema, metade em serviços de exibição digital).

Melhores Filmes de 2021(ordem aleatória)

01 – DUNA

02 – ATAQUE DOS CÃES

03 – JUDAS E O MESSIAS NEGRO

04 – DRUK – MAIS UMA RODADA

05 – FIRST COW – A PRIMEIRA VACA DA AMÉRICA

06 – UM LUGAR SILENCIOSO – PARTE II

07 – OXIGÊNIO

08 – DESERTO PARTICULAR

09 – AMOR, SUBLIME AMOR

10 – TITANE

 

Jorge Ghiorzi

Membro da ACCIRS

Revisão 2021

Esta lista de Melhores 2021 é diferente. Só tem "filme antigo". Todos já lançados há muitos anos. Todos já assistidos em algum momento no passado, mas, em 2021 houve a oportunidade e/ou curiosidade de revê-los.

Estes foram os 10 melhores revistos no ano (ordem aleatória):

01 - O SEGUNDO ROSTO (Seconds, 1966)

02 - O BARCO - INFERNO NO MAR (Das Boot, 1981)

03 - CAÇADOR DE ASSASSINOS (Manhunter, 1986)

04 - ADAPTAÇÃO (Adaptation, 2002)

05 - AMARGO PESADELO (Deliverance, 1972)

06 - VOLTAR A MORRER (Dead again, 1991)

07 - TRÁGICA OBSESSÃO (Obsession, 1976)

08 - O ESCONDIDO (The Hidden, 1987)

09 - ENCURRALADO (Duel, 1971)

10 - TODOS OS HOMENS DO PRESIDENTE (All the President's Men, 1976)

 

Jorge Ghiorzi

Membro da ACCIRS

“Matrix Resurrections”: déjà vu

Quando chegou aos cinemas na virada de século e de milênio Matrix imediatamente foi reconhecido como um ponto de virada nos filmes de ação. Nada mais seria igual, sua influência foi definitiva em tudo que se fez depois. Produto estimado da cultura pop, o longa foi inovador nos efeitos especiais, na coreografia das lutas, na criação de referências cult e na incorporação da filosofia em um produto de massa. Além de extasiar uma legião de fãs a trilogia Matrix antecipou em uma década a sociedade mega conectada, mergulhada no uso massivo da Internet. O legado deixado pelo filme, portanto, é gigantesco.

Passados pouco mais de 20 anos – quase o tempo de uma geração – chega o momento de retomar a saga, tantas vezes adiada e, a princípio, negada pelas irmãs Lana e Lilly Wachowski, criadoras da trilogia original. Então, é com o peso deste passado que chega às telas este Matrix Resurrections, desta vez dirigido apenas por Lana como um projeto solo, sem a participação de Lilly.

A nova aventura retoma a história a partir da linha temporal deixada pelo filme anterior (Revolutions, de 2003), ainda que vinte anos tenham se passado aqui, no nosso mundo. Neo (Keanu Reeves) agora vive uma vida aparentemente comum sob sua identidade original como Thomas Anderson, atuando como um famoso criador de um videogame de sucesso, chamado... “Matrix”. Para entender as estranhas visões e percepções que tem sentido, ele se trata com um terapeuta. Para complicar um pouco mais ainda sua cabeça ele também conhece uma mulher (Carrie Anne-Moss) que muito se parece com a personagem Trinity do videogame que criou. Tudo começa fazer algum sentido para o atordoado Thomas Anderson quando encontra uma nova versão de Morpheus, que oferece a pílula vermelha que reabre sua mente para o mundo da Matrix.

Os três primeiros filmes seguiram um caminho natural de expansão do universo original, mantendo a coerência da mitologia da série. Já neste volume quatro a proposta foi equivalente a uma versão atualizada de um programa clássico, com correções de segurança, adaptação de sistema, incorporação de novas atribuições e soluções de “bugs” funcionais. Matrix Resurrections praticamente abandona as referencias místicas, religiosas e metafísicas e centra atenção apenas nos conceitos tecnológicos, incorporando de uma vez por todas a condição de um videogame.

O filme é autorreferente e indulgente com a própria mitologia que construiu na trilogia original. Dá uma zoada geral e se limita a ser – sem dramas de consciência – um produto de massa a ser consumido por uma sociedade capitalista selvagem, que tanto criticava há 20 anos. Lana Wachowski parece querer nos dizer: “Relaxem. Desencanem. Este não é um filme-cabeça. Apenas aproveitem a experiência”. Isto se evidencia com a inclusão do humor em certas passagens, como aquela onde Anderson e um executivo da companhia discutem a possibilidade – e mesmo a necessidade - de criar uma nova versão do videogame. O papo ali era direto e reto, pois se referia nas entrelinhas à própria gestação da sequência de Matrix que sofreu a pressão da Warner para que o filme finalmente fosse produzido. Alguém tem lembrança de sequer ter esboçado minimamente um sorriso com alguma sequência dos três filmes originais? Pois em Matrix Resurrection isto ocorre, com um mal disfarçado ar de cinismo blasé que ecoa por todo o filme.

Neo ainda encarna o heroico personagem do “Escolhido” que surgiu para libertar a raça humana da submissão pelas máquinas. Vale destacar, porém, que o centro narrativo e mote da nova trama criada por Lana Wachowski desta vez é a personagem de Trinity, que assume um protagonismo mais evidente.

Matrix Resurrection é claramente um filme de passagem, de reformulação para uma nova saga revigorada que inevitavelmente virá (um reboot?). Nesta retomada da história é flagrante que algo de substancial se perdeu. Não fosse toda a bagagem e o legado que carrega, o novo Matrix por muito pouco não é apenas um filme de aventura genérico. Não somos apresentados a nenhuma sequência memorável, nenhuma das sequências de luta avança além do lugar comum e as trucagens e efeitos já não surpreendem (alguém lembra do espanto que o “bullet time” criou no final do século passado?). O filme, nesta perspectiva, é suficientemente inteligente para não se levar excessivamente a sério.

Para o arco da história, talvez no futuro fosse interessante uma prequel mostrando a história do Arquiteto (criador da Matrix) e da Oráculo, e seguindo a tradição de subtítulos com a letra R (Reload, Revolutions e Resurrections) o título bem que poderia ser Matrix Rises.

Assista ao trailer: Matrix Resurrections

 

Jorge Ghiorzi

Membro da ACCIRS

“A Última Noite”: o mal está lá fora

 

Os filmes de Natal são praticamente um gênero à parte. Feitos para divertir e despertar bons sentimentos, as produções natalinas invariavelmente apostam nas comédias leves, que cumprem seu principal propósito, que é o entretenimento. Porém, por vezes aparece uma “ovelha desgarrada” (rena seria mais apropriado?) que subverte as expectativas, oferecendo uma visão bem pouco otimista e reveladora dos verdadeiros sentimentos que ficam escondidos “debaixo do tapete”. A comédia de humor mórbido A Última Noite (Silent night) é a “rena pervertida” da temporada 2021.

O casal Nell (Keira Knightley) e Simon (Matthew Goode), juntamente com seus três filhos pequenos, dentre eles Art (Roman Griffin Davis de Jojo Rabbit), reúne um grupo de amigos para juntos celebrarem o Natal em sua propriedade no interior da Inglaterra. Aquela seria uma noite de muita alegria, presentes, taças de prosecco e... revelações. O que parecia ser o final de semana perfeito aos poucos se transforma em um encontro do mais puro terror quando uma inevitável tragédia mortal está chegando naquela que seria a última noite de todos.

O longa-metragem de estreia de Camille Griffin (também autora do roteiro) se equilibra naquela difícil tarefa de modular a comédia com o cinismo que contesta o socialmente correto nas convenções interpessoais e familiares. No primeiro ato somos apresentados a um divertido grupo de personagens de bem com a vida, bem humorados e descolados. Tudo leve e descontraído. Aos poucos surgem alguns sinais de que nem tudo é o mar de rosas que se apresenta ao primeiro olhar. Algo de tenebroso se esconde no subtexto, nas revelações e nas atitudes daquela gente.

Quem nos liga o alerta é o garoto Art, visivelmente desconfortável com o que está acontecendo além das paredes daquela casa/mansão. Ele – uma criança - é a única pessoa com os olhos realmente abertos para a trágica realidade que é passivamente aceita pelos adultos. Mais do que isso, ele é o único disposto a lutar e encontrar uma saída para o inevitável destino de todos. Assim, aos poucos, descobrimos que há algo mais além de uma alegre reunião de amigos. A verdadeira motivação para aquele encontro é o momento de virada na narrativa. E o riso, antes aberto e franco, fica amarelo e engasga na garganta.

Em certa medida a trama de A Última Noite traz uma metáfora e faz uma analogia simbólica com a pandemia que assola o mundo há quase dois anos. Personagens confinados se protegem do mal que está lá fora. Difícil também não lembrar do pesado drama Melancolia, de Lars von Trier, que aprofundava os temas filosóficos da humanidade frente à possibilidade do extermínio. O filme de Camille Griffin não avança tanto na abordagem, mas não deixa de ter sua contundência, porém, sem perder a ternura. O trato do tema é mais suave – afinal, trata-se de uma comédia – onde a realizadora demonstra um afeto incontido por suas personagens, pelos quais evidencia um olhar carinhoso e compreensivo, sem julgamentos morais.

Pouco importa a origem, as razões e a história da ameaça que faz daquela noite de Natal a última noite de todos. O que o filme propõe é uma reflexão sobre nossas escolhas (pessoais e coletivas) e como agimos e reagimos em momentos extremos. A Última Noite traz leveza na abordagem de uma situação limite, conseguindo cativar a atenção e envolver a audiência.

Assista ao trailer: A Última Noite

 

Jorge Ghiorzi

Membro da ACCIRS

“Amor, Sublime Amor”: recriação de um clássico

 

Em 1961 o musical Amor Sublime Amor, adaptado de um bem-sucedido espetáculo da Broadway, caiu como uma bomba na envelhecida Hollywood. Foi um sopro de renovação em vários aspectos do gênero, da encenação à cenografia realista, da interpretação às coreografias inovadoras que incorporavam movimentos livres, distantes da dança clássica. É até hoje o musical mais premiado da história com suas 10 estatuetas do Oscar, três Globos de Ouro, dois Grammys e outras tantas premiações.

Este estimado clássico do cinema norte-americano, exatos 60 anos depois, ganha uma refilmagem pelas mãos de um dos mais estimados e premiados diretores do cinema norte-americano. Por definição, potencialmente uma temeridade, um risco demasiado para resultados que poderiam ser devastadores para os envolvidos. Coube a Steven Spielberg esta, digamos, ousadia de mexer em um ícone. Justamente ele, que em sua extensa e destacada filmografia, com mais de trinta longas-metragens, apenas uma única vez apostou em uma refilmagem (Guerra dos Mundos) e nunca havia dirigido um musical.

O conhecido entrecho da paixão proibida dos amantes de famílias rivais de Romeu e Julieta, tragédia escrita por William Shakespeare, é o cerne da narrativa do libreto escrito nos anos 50 por Arthur Laurent, que viria a se transformar no famoso espetáculo da Broadway. Em Amor, Sublime Amor (West side story) a medieval Verona é substituída pelo Upper West Side, no subúrbio de Nova Iorque, e as famílias antagonistas dos Montéquio e Capuleto são transformadas nas gangues adversárias dos Jets (“polacos” estadunidenses nativos brancos) e Sharks (latinos imigrantes e/ou descendentes de porto-riquenhos). As duas gangues estão em constante conflito pela liderança territorial de um bairro que está literalmente desabando, submetido a uma reconstrução urbana (espetacularmente fotografada nas cenas de abertura). Por trás de uma aparente disputa por liderança no local o que realmente se manifesta é um evidente processo de preconceito racial e supremacia branca. Alheios a esta disputa estão os protagonistas apaixonados, Maria (Rachel Zegler), irmã de Bernardo, líder dos Sharks, e Tony (Ansel Elgort), um dos criadores do Jets e braço direito do líder Riff.

A visão artística de Steven Spielberg, dentre vários acertos, foi particularmente feliz ao optar por não atualizar o remake para os tempos contemporâneos, como normalmente costuma ocorrer em refilmagens. A estética dos anos 60 está maravilhosamente preservada e contribui para a manutenção do espírito original do filme dirigido por Robert Wise e Jerome Robbins (coreografia). Outro acerto gigante de Spielberg é a escalação do elenco. Diferentemente do filme de 1961, desta vez os “latinos” protagonistas são interpretados por atores / atrizes representativos da latinidade, conforme exigia os personagens. A Maria, que na primeira versão foi Natalie Wood (norte-americana, filha de imigrantes russos), encontrou na descendente de colombianos Rachel Zegler uma ótima intérprete. Já o líder de gangue Bernardo é interpretado pelo canadense de origem cubana David Alvarez. Infinitamente mais adequado que o norte-americano filho de imigrantes gregos George Chakiris, debaixo de pesada maquiagem para garantir a pele bronzeada (blackface?).

A extensa filmografia de Steven Spielberg revela sua afinidade com espetáculos de grande escala com forte presença da fantasia, da tecnologia e dos efeitos especiais. Pois não é exatamente o que se vê em Amor, Sublime Amor. Pelo contrário, está relativamente contido, não se deixando levar por grandes tomadas e movimentos de câmera que pudessem se sobrepor à emoção das personagens e, de modo particular, às exuberantes coreografias. Por si só um espetáculo à parte. Spielberg se apresenta extremamente reverente ao material original, sem no entanto renunciar a um olhar um pouco mais apurado e incisivo na temática do preconceito. Neste aspecto a nova versão avança algumas casinhas e torna mais explícita uma discussão que em 1961 ficou na superfície do tema. Aqui vale ressaltar a atriz Rita Moreno, presente nos dois filmes. No original interpretou Anita, a melhor amiga de Maria. Agora, na nova versão, ganhou um novo papel, que sequer existia no filme anterior. Como a latina Valentina, a dona da farmácia onde Tony trabalha, ela tem a voz ativa do discurso de igualdade, transitando entre os dois mundos antagônicos: os Jets e Sharks. Detalhe: Rita Moreno é uma das produtoras executivas do longa-metragem.

Amor, Sublime Amor é um musical cheio de energia e emoção, que respeita o original. Um trabalho artístico de primeira linha do qual Steven Spielberg triunfa em seu intento de recriar um clássico para apresentá-lo às novas gerações.

Assista ao trailer: Amor, Sublime Amor

Jorge Ghiorzi                                                                              

Membro da ACCIRS