Até os Ossos: amor e sangue

 

Na temporada 2022, onde o canibalismo já surgiu forte na série campeã de audiência sobre o serial killer Jeffrey Dahmer na Netflix, o cinema nos brinda com uma ousada, impactante e surpreendente história de amor que também tem como pano de fundo o canibalismo. Porém, diferente daquele produto do streaming, onde o tema aparece como um ritual escatológico de caráter criminoso, no drama de horror Até os Ossos (Bones and All), de Luca Guadagnino (Suspiria, 2018), o canibalismo recebe um tratamento mais metafórico e metafísico, como uma maldição mesmo, ainda que seja extremamente mais explícito na exibição do ato canibal em si.

Reconheçamos, de antemão, que este não é um tema fácil a ser explorado nas obras audiovisuais. É recorrente que o apelo sensacionalista venha sempre em primeiro lugar. Mas não é o caso aqui, ainda que, fosse apenas por este aspecto, Até os Ossos já mereceria nosso olhar mais atento. Mas o filme de Guadagnino vai muito além e não deixa de surpreender o espectador a todo o momento.

Baseado em livro de Camille DeAngelis, premiado em 2016, a adaptação cinematográfica traz a história de um casal de jovens, Maren (Taylor Russell) e Lee (Timothée Chalamet). Eles se encontram ao acaso em uma viagem pelo interior dos Estados Unidos. Ambos marginalizados, em fuga de seus traumas interiores. Uma particularidade os une em um misto de paixão, cumplicidade e sobrevivência: são canibais. O caráter da viagem – literal e simbólica – é um elemento muito presente nos livros da romancista DeAngelis, além de questões feministas e solidão. O filme de Guadagnino respeita estes conceitos e conduz sua narrativa como uma longa jornada de autoconhecimento, o combustível que conduz Maren e Lee até um destino incerto.

Até os Ossos é um road movie de horror e paixão. O guia onipresente da viagem/fuga é o pai de Maren, que deixa de legado uma extensa mensagem gravada em áudio, que a jovem vai ouvindo ao longo da estrada, como fossem capítulos de uma longa história de revelação de suas origens. Ela, assim como nós, é apresentada à verdadeira realidade da sua condição de “devoradora”, ou seja, consumidora de carne humana. Ainda assim, a história se revela incompleta. Falta a figura da mãe, que torna-se então o objeto de busca.

Nesta Via Crucis espiritual Maren encontra, além do parceiro de jornada, Lee (igualmente em processo de entendimento e aceitação da sua condição), outros personagens enigmáticos, que também compartilham o desejo pela carne humana. Em cada etapa da jornada, a cada parada, a cada cidade, o casal recebe novos aprendizados que dão pistas e informações vitais de sobrevivência para aqueles que vivem à margem da sociedade, amaldiçoados pelo desejo da carne.

Luca Guadagnino propõe uma experiência de realidade paralela ao espectador. Ao nos mergulhar no submundo dos chamados “seres devoradores”, somos imersos em um universo de regras próprias. São raras e pontuais as interações do mundo, digamos, corriqueiro e real. A quase totalidade da narrativa se dá em um registro alternativo. Até os Ossos é um relato de personagens marginais. Uma fábula de horror com devoradores de carne humana por necessidade, pois há uma ética e uma moral a ser respeitada. Neste arco narrativo tanto Maren quanto Lee confrontam seus fantasmas e a irreversibilidade de suas existências. Até os Ossos é um filme que permanece ecoando em nossas mentes após a sessão e já nasce predestinado a ser cultuado.

A escolha de Timothée Chalamet por Luca Guadagnino não deixa de revelar uma certa ironia do destino. Ambos já trabalharam juntos em Me Chame Pelo Seu Nome (2017), com Armie Hammer, o ator que teve a carreira destruída por acusações de cometer atos de... canibalismo! Outro destaque do elenco é a canadense Taylor Russell, que ganhou grande visibilidade ao participar da nova versão de Perdidos no Espaço (3 temporadas) da Netflix, no papel de Judy Robinson. Sua presença é o grande destaque e o melhor da série. Está aí uma atriz à beira do estrelato no primeiro time.

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Jorge Ghiorzi / Membro da ACCIRS

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Força Bruta: vai encarar?

 

Nem só de Parasita vive o cinema sul-coreano. Além de uma produção autoral de prestígio, premiada em todo o mundo, a indústria cinematográfica da nação asiática mostra uma diversidade de produções de entretenimento direcionadas aos mais diferentes públicos. Atual sucesso de público e bilheteria da temporada, este Força Bruta (The Roundup) só confirma a força dos sul-coreanos também no cinema de gênero. No caso específico, a força citada é mais do que uma simples metáfora, mas um fato objetivo, considerando-se o festival de pancadaria que vemos neste violento filme de ação policial.

A grande estrela do atual campeão de bilheteria sul-coreano é o ator Ma Dong-seok, que ganhou visibilidade e projeção mundial com participações na série Sense8 (2015) e filmes como Invasão Zumbi (2016) e Eternos (2021), utilizando o nome artístico americano de Don Lee.

Em Força Bruta ele interpreta o policial Ma Seok-do, integrante da Unidade Policial de Crimes de um dos distritos da capital Seul. Reconhecido pela forma exagerada que utiliza para executar suas missões, Ma resolve tudo na base da “força bruta”, com as próprias mãos. Enviado ao Vietnã para repratriar um criminoso fugitivo que pede asilo na embaixada sul-coreana, Ma fica desconfiado com a atitude do criminoso, que se entrega com facilidade. Fora de sua jurisdição, em país estrangeiro, Ma decide investigar um pouco mais, por conta própria, e acaba por descobrir uma sangrenta e violenta gangue envolvida com sequestros.

Constantemente flertando com a comédia – no entanto, sem nunca chegar lá - Força Bruta é um movimentado filme de investigação policial. As coreográficas sequências de lutas com primazia para as armas brancas (facas, adagas, cutelos), ao contrário aos tradicionais embates com armas de fogo, trazem um diferencial positivo para o espetáculo. Ainda que não estejamos assistindo nada exatamente inovador no gênero, que já não tenhamos visto com excelência maior, por exemplo, na saga John Wick com Keanu Reeves, Don Lee dá conta do recado com eficiência e carisma. A trama, um tanto lugar comum, é apenas pretexto para reapresentar, em grande escala, um personagem que aparentemente terá vida longa nas telas.

Sim, isto mesmo, esta não é a primeira aventura do policial Ma Seok-do, que surgiu em Cidade do Crime (The Outlaws) dirigido por Yoon-Seong Kang em 2017. A partir deste Força Bruta assume a direção o realizador Sang-young Lee, que também será responsável pela sequência The Rountrup: No Way Out, atualmente em filmagem.

Força Bruta é uma versão 2.0, revisada e anabolizada, das fitas de ação e pancadaria que Stallone, Schwarzenegger e congêneres protagonizaram nos anos 80, fazendo a alegria das locadoras de vídeo e das sessões da tarde na TV. Garantia de diversão e entretenimento escapista, sem culpa, se é isto que você procura.

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Jorge Ghiorzi / Membro da ACCIRS

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Armageddon Time: estranhos em terra estranha

O tema da imigração não é novo na filmografia do cineasta nova-iorquino James Gray. Já esteve presente, de maneira explícita, em Era Uma Vez em Nova York (2013), que mostra duas irmãs polonesas que chegam à América no início do século XX em busca de uma vida melhor. De certa maneira, o tema, em um conceito expandido e metafórico, entendido como um deslocamento do ponto de origem para um destino desconhecido, também está presente em outras obras como Z, A Cidade Perdida (2016) e Ad Astra: Rumo às Estrelas (2019).

No drama Armageddon Time a saga de imigrantes em solo norte-americano volta a ser inspiração. Porém, desta vez com uma visão bem pessoal do diretor. A história que conta tem inspiração em memórias autobiográficas. Gray é, portanto, testemunha e cronista de um tempo e de um cenário que viveu bem de perto. O filme não é exatamente uma autobiografia convencional, mas evoca sentimentos e experiências pessoais de um momento bem específico dos Estados Unidos. Tudo transcorre no ano de 1980, no período que precede o início da Era Ronald Reagan, que tomaria posse como presidente eleito no ano seguinte. Nascido em 1969, Gray, portanto, teria 11 anos de idade nesta época, aparentemente a mesma do garoto protagonista.

Em Nova Iorque a família Graff, descendente de judeus ucranianos, vive no bairro do Queens a utopia que seduz as correntes migratórias dos primeiros anos do século passado: o sonho americano. As atenções da família – pais e avós - estão voltadas ao sucesso social e profissional dos dois filhos menores. Mas as maiores expectativas estão na verdade direcionadas ao caçula da família, o pré-adolescente Michael (Banks Repeta, um achado). Na escola pública onde estuda, Michael faz amizade com Johnny (Jaylin Webb), um jovem negro, filho de família humilde. Apesar das profundas diferenças de origem, ambos desenvolvem uma forte relação de parceria e compartilham sonhos. Michael deseja seguir a carreira de pintor e artista plástico. Johnny quer ser astronauta. Um revelador episódio dramático, porém, coloca em choque a amizade dos garotos e define o futuro de ambos.

A narrativa de Armageddon Time é conduzida pelo ponto de vista do pequeno Michael. É através do seu olhar – ora inocente, ora questionador - que mergulhamos nos conflitos éticos, morais e raciais que marcam sua jornada de amadurecimento. Família, escola e sociedade são forças conflitantes que agem e modelam a personalidade do garoto. Pai e mãe (Jeremy Strong e Anne Hathaway) representam a tradição; o avô (Anthony Hopkins) é o coração, a sabedoria e a sensibilidade; a escola faz o papel da doutrinação, simultaneamente origem do conhecimento formal e da repressão que oprime. Por fim, o meio social, que separa, segrega, pune e destrói sonhos.

O filme de James Gray é uma fábula moral que explora os valores da amizade e questiona os limites da lealdade. A ética está no centro da discussão, que se estabelece a partir do episódio revelador entre os garotos, que traz à superfície o que se esconde debaixo do tapete. Michael e Johnny, em lados opostos da história, representam o microcosmo de uma conjuntura discriminatória que se reproduz desde a origem das sociedades organizadas ocidentais.

As fugas da escola, as contestações aos professores e os pequenos delitos dos garotos protagonistas trazem ecos de François Truffaut, em Os Incompreendidos. A abordagem do cineasta francês foi poética, suave e, em certo nível, até mesmo condescendente. Em Armageddon Time o furo é mais embaixo. O olhar traz nuances e problematiza com mais ênfase as dificuldades das relações sociais na América, à beira da já citada Era Reagan que marcaria fortemente a década seguinte. Porém, a base sob a qual se sustentam Truffaut e Gray é essencialmente a mesma: o sistema educacional não passa de uma “fábrica de salsichas”. Armageddon Time não traz respostas fáceis, e certamente sequer deseja tê-las. É o retrato de uma época, um “ovo da serpente”.

Um pouco da chave para a compreensão do alcance do trabalho de James Gray pode estar na letra da música do The Clash, chamada justamente “Armageddon Time”, presente na trilha sonora. Diz algo mais ou menos assim: Fique por perto não brinque por perto / Esta cidade velha e todos / Parece que eu tenho de viajar / Muita gente não vai conseguir jantar à noite / Muita gente não vai conseguir Justiça esta noite / A batalha está ficando mais quente / Nessa vibração, tempo de Armagedom.

Armageddon Time, mais uma produção da RT Features, do brasileiro Rodrigo Teixeira, é um pequeno grande filme, comovente e intimista, realizado com paixão e sensibilidade.

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Jorge Ghiorzi / Membro da ACCIRS

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A Luz do Demônio: heroína das trevas

 

O ritual do exorcismo, popularizado com o filme de William Friedkin de 1973, é a prática litúrgica milenar da Igreja Católica que se destina a expulsar o demônio - em suas diversas formas - que se apossa do corpo dos seres humanos. A tradição diz que este ritual de orações só pode ser praticado por padres. Portanto, vetado às mulheres. Esta é a premissa que sustenta a trama de A Luz do Demônio (Prey for the Devil, 2022), dirigido pelo alemão Daniel Stamm, cineasta já escolado no tema dos demônios possessivos, pois também realizou no gênero O Último Exorcismo em 2010.

A freira Ann (Jacqueline Byers) trabalha em um hospital católico. Atuando como uma espécie de enfermeira, ela atende pacientes em distúrbio psiquiátrico, suspeitos de possessão demoníaca. Ou seja, pacientes que estão a um passo de se submeterem aos rituais do exorcismo. A abordagem de Ann foge dos padrões usuais da instituição. Ela busca uma conexão mais íntima e pessoal com os pacientes. O hospital, localizado em Boston (EUA), também sedia o que seria a primeira “escola de exorcismo” fora do Vaticano, onde os padres são educados e treinados na prática. Um dos professores, após perceber o dom especial de Ann, apoia sua presença nas aulas, ainda que o acesso aos conhecimentos ritualísticos do exorcismo seja um privilégio apenas aos homens. Então, chega o dia de colocar os conhecimentos à prova. Ann encara de frente um caso de possessão por uma força demoníaca que tem ligações com seu passado.

A quantidade de filmes que tratam de possessões é tamanha que na prática constituem um subgênero em si. Mas, para azar dos fãs do terror, a expectativa de algo minimamente original se esvai a cada novo lançamento. O mais do mesmo tem sido a rotina. E aqui não é muito diferente do padrão usual. Há, no entanto, uma pequena luz no fim do túnel. A questão feminina na trama é uma evidência flagrante e um elemento que traz um olhar além da bolha do terror pelo terror. Sim, A Luz do Demônio é um terror com pauta.

Mas não fique muito empolgado com esta possibilidade. O tema está colocado, porém distante do foco principal. O olhar feminino serve apenas para captar a empatia do espectador para a apresentação da protagonista feminina. O potencial do discurso feminista fica um tanto sufocado pelos clichês em série e situações corriqueiras, bastante previsíveis. Como todo terror convencional, A Luz do Demônio investe apenas nos sustos fáceis.

A jornada da freira Ann equivale à jornada do surgimento de uma heroína. Isto fica muito claro no terceiro ato. Aí está ponto a favor de A Luz do Demônio, que abre boas possibilidades de criação de uma franquia, seja nos cinemas, ou mesmo como futura série nos canais de assinatura.

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Jorge Ghiorzi / Membro da ACCIRS

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À Procura de Mr. Goodbar: perdida na noite

A chamada Era Disco gerou pelo menos dois grandes filmes, ambos lançados no mesmo ano de 1977. O primeiro deles é um paradigma do gênero: Os Embalos de Sábado à Noite, de John Badham. O outro é À Procura de Mr. Goodbar (Looking for Mr. Goodbar), dirigido pelo, já à época, veterano Richard Brooks (Sementes da Violência; Gata em Teto de Zinco Quente; Lord Jim e A Sangue Frio). A febre das discotecas, que pregava alegria e liberdade nas pistas de dança, é a face superficial exibida pelos dois filmes setentistas. Ambos, no entanto, mergulham em níveis mais profundos das inquietações de seus protagonistas. A exuberância da trilha sonora de Os Embalos de Sábado à Noite leva muita gente a pensar – erroneamente – apenas na mensagem hedonista transmitida pelo personagem Tony Manero, papel que revelou John Travolta. Na verdade há um submundo interior do personagem em constante conflito, que em dado momento se contrapõe àquele mundo superficial. Ao fim, estamos na verdade diante de um filme essencialmente amargo.

Em À Procura de Mr. Goodbar este mergulho interno também está presente, mas em nível infinitamente mais profundo e perturbador. O peso de realismo que o filme de Richard Brooks traz é decorrente do fato de que a história é baseada em fatos verídicos, relatados em romance best-seller da época (lançado no Brasil com o título “De Bar em Bar”), que recriou um caso real ocorrido nos anos 50. A personagem central seria - forçando um paralelo - uma espécie de versão hard, radical, de Tony Manero, que traz ainda, como carga adicional, toda a complexidade feminina no contexto da década de 70, em pleno auge do movimento Women’s Lib, que pregava a libertação das mulheres.

O nome dela é Theresa Dunn (magnificamente interpretada por uma surpreendente Diane Keaton), uma dedicada professora que durante o dia trabalha em uma escola para deficientes auditivos. À noite, ela assume o outro lado da sua personalidade, percorrendo bares, casas noturnas e discotecas de Nova Iorque em busca de insaciáveis e inconsequentes aventuras amorosas, como se não houvesse amanhã. Mas, no dia seguinte, às 7h30 o alarme do despertador sempre toca, avisando que a vida real está chamando. Dividida entre dois mundos ambivalentes, Theresa carrega uma barra pesada, construindo uma jornada decadente de autodestruição turbinada com muita bebida, drogas e sexo.

Pérola um tanto esquecida dos anos 70, À Procura de Mr. Goodbar não foi exatamente um êxito em seu tempo e não encontrou aderência do grande público. Razões para isso são facilmente identificáveis. Apesar do ambiente descontraído das discotecas e da trilha sonora recheada de sucessos, o filme de Richard Brooks pega pesado e joga na cara do espectador uma história que tangencia a sordidez, cuja protagonista marcha rumo ao abismo a olhos vistos. A desilusão é um sentimento presente em todo o filme, expressando o momento particular do Zeitgeist – espírito do tempo – manifestado pela ressaca moral da sociedade norte-americana, pós Guerra do Vietnã.

A tortuosa personalidade de Theresa Dunn foi fruto de uma infância e adolescência marcada pela doença (ela sofria de escoliose severa), fato que resultou a dolorosos tratamentos e cirurgias que a deixaram imobilizada por longos períodos. Ou seja, a professora era uma pessoa marcada pela dor, que deixou marcas reais na pele (cicatrizes pelo corpo) e marcas metafóricas na psique (distúrbio de personalidade). Após uma adolescência confinada e reclusa, quando adulta busca uma espécie de compensação, vivendo com intensidade uma sexualidade tardia.

O vazio existencial de Theresa é preenchido por noites solitárias em bares mal frequentados lotados de fumaça, embalados por álcool e figuras insuspeitas, tão perdidas quanto ela própria. Um encontro de desesperançados na iminência de um destino trágico. Há uma afirmação feminina na atitude da professora, libertada do controle familiar e das convenções sociais. Após o término de um relacionamento tóxico e abusivo com seu professor, ela se descobre uma pessoa incapaz de construir relações sólidas e duradouras. Este foi o gatilho da nova vida paralela, onde a conquista da liberdade sexual é a única forma que encontra para aplacar a dores da alma.

À Procura de Mr. Goodbar é doloroso na descrição de uma personagem fragmentada. O olhar de Richard Brooks é simultaneamente íntimo (por vezes) e amoroso (quase sempre). Um olhar furtivo e voyeur que se alterna entre os inferninhos de Nova Iorque e o apartamento mal iluminado e depressivo de Theresa Dunn, onde recebe seus amantes de ocasião. Compartilhamos suas angústias e nos identificamos com sua dor, mas lamentamos a tragédia que se desenha, passo a passo.

Impossível falar deste filme sem destacar o desempenho visceral de Diane Keaton, que se entrega com intensidade a um papel ousado, sem rede de proteção. Recém saída das primeiras parcerias com Woody Allen, especialmente de Annie Hall (realizado no mesmo ano), pelo qual recebeu o Oscar de Atriz, nada fazia esperar que atriz fosse capaz deste mergulho em um tipo de papel totalmente inesperado para quem estava conquistando reconhecimento em filmes de comédia. Certamente este foi o fator que a fez aceitar o desafio de interpretar a personagem de Theresa Dunn: fugir do estereótipo. O resultado excepcional foi um atestado de seu talento como atriz, que a levaria para outros destinos na carreira.

No quesito elenco, o filme de Richard Brooks ainda apresenta um novato Richard Gere, em um de seus primeiros papéis no cinema, vivendo um dos parceiros da protagonista. Neste pequeno papel Gere já apresenta os trejeitos e maneirismos interpretativos que marcaram o início da sua carreira, particularmente em Gigolô Americano e A Força de um Amor (a refilmagem de Acossado de Godard).

À Procura de Mr. Goodbar é um filme a ser redescoberto.

Assista ao trailer: À Procura de Mr. Goodbar

 

Jorge Ghiorzi / Membro da ACCIRS

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A Queda: medo e terror nas alturas

 

Um dos clássicos irretocáveis do cinema, Um Corpo Que Cai (Vertigo), possui como tema de fundo a acrofobia (o medo de altura). Naquela trama de suspense de Alfred Hitchcock a fobia é do personagem de James Stewart. Nós, assistentes, ficamos sempre em segurança. O tema do medo das alturas não é exatamente o problema das protagonistas de A Queda (Fall). O caso é exatamente o oposto, na verdade. Para elas, as alturas são desafios estimulantes que enfrentam por aventura e prazer. Então, a sensação do medo de altura fica restrita apenas para o espectador.

Os desafios não ficam por aí para as protagonistas. Some-se a experiência do confinamento em espaço reduzido e a luta pela sobrevivência. Pronto, estes são os ingredientes quase minimalistas que integram a fórmula enxuta de A Queda. Escrito e dirigido por Scott Mann (Vingança Entre Assassinos e O Sequestro do Ônibus 657) o filme é excepcional na tarefa de provocar a percepção de vertigem na plateia, de preferência em uma sala de cinema.

As amigas Becky (Grace Caroline Currey, de Annabelle 2: A Criação do Mal e Shazam!) e Hunter (Virginia Gardner, de Projeto Almanaque e Halloween 2018) têm por hobby desafiar as alturas em escaladas por montanhas rochosas, em busca de superação de limites, de adrenalina e visualizações de suas aventuras divulgadas por canais e blogs de internet. Abalada e deprimida emocionalmente após uma tragédia – apresentada no prólogo - Becky fica reclusa por um ano. Mas tudo muda quando Hunter a convence voltar às escaladas, para enfrentar seus medos e superar o trauma do passado. O objetivo da escalada redentora: o topo de uma torre de TV abandonada, com 600 metros de altura, no meio do deserto de Mojave. Mas nem tudo sai como previsto. O que seria uma aventura radical se transforma em uma experiência limite de vida ou morte, quando ambas ficam presas no topo da torre.

Novamente citando Hitchcock, vale lembrar que o mestre fez dois filmes inteiramente restritos e limitados a um espaço / cenário único: Festim Diabólico (um apartamento) e Um Barco e Nove Destinos (um bote salva-vidas). Este tipo de narrativa impõe necessariamente um clima de suspense e acrescenta uma camada extra de tensão que perpassa por todo o enredo. O êxito de narrativas deste tipo se sustenta na engenhosidade do encadeamento dos fatos que mantenham a atenção e garantam o interesse do espectador. Neste ponto A Queda se sai bem, desenvolvendo situações criativas, que se equilibram entre o surpreendente e o exagero, mas suficientemente coerentes para garantir a suspensão de descrença.

O roteiro ainda encontra espaço para desenvolver (ainda que minimamente) a trajetória das personagens, pelo menos no que se refere à ligação que une as duas, revelada lá pelas tantas. Para contar sua história o diretor Scott Mann não utiliza sequer o recurso do flashback, tão comum para preencher lacunas e vazios narrativos. O que vemos é o real do tempo dramático ou, no máximo, o registro de pequenos fragmentos do passado, visualizados pela tela de um celular. A Queda é confinado não apenas no espaço, mas também na dramatização. Para tanto contribuem enormemente para o resultado a edição, os efeitos sonoros e os efeitos de CGI, estes combinados com filmagens reais em uma torre verdadeira, de apenas 30 metros.

O thriller de suspense e terror A Queda é particularmente feliz em desencadear nossos gatilhos emocionais atávicos: medo da morte, abandono, fome, dentre outros. Produção restrita de recursos, mas eficiente na construção de emoções genuínas na plateia, o filme de Scott Mann é um bom motivo para o grande público voltar a vivenciar – em grande escala - a experiência sensorial de um filme exibido na telona de uma sala de cinema.

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Jorge Ghiorzi / Membro da ACCIRS

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Treze Vidas – O Resgate: história real

 

A tragédia e o resgate dramático de um time adolescente de futebol preso em uma caverna inundada na Tailândia, ocorrido em 2018, atraiu a atenção da mídia internacional e comoveu o mundo inteiro. O episódio durou nove dias e apresentou lances emocionantes, quase inacreditáveis, como se fosse um filme transcorrendo na vida real em tempo real, sob os olhos atentos do planeta. Passados quatro anos, aquela incrível história ganha uma versão para o cinema, pois essencialmente o caso continha todos os elementos de uma narrativa ficcional com final feliz. Além, é claro, de fazer um devido reconhecimento ao trabalho heroico das equipes de resgate.

O caso é bastante conhecido e recente, mas não custa relembrar brevemente. Um time de futebol (os “Javalis Selvagens”) formado por 12 meninos (de 11 a 17 anos) e seu treinador (de 25 anos) da província tailandesa de Chiang Rai faziam um passeio na caverna Tham Luang, para se proteger do mau tempo. Logo a chuva ficou mais intensa e a água subiu muito rápido, deixando o grupo preso no local. As fortes chuvas inundaram a caverna e o grupo foi dado como desaparecido. As operações de busca começaram no mesmo dia, mas o nível da água dificultava o acesso das equipes de resgate.

Grandes tragédias costumam ser matéria prima para tratamentos ficcionais pelo cinema. Como exemplos podemos citar o caso dos sobreviventes dos Andes (Vivos) e dos mineiros chilenos soterrados (33). À frente desta adaptação cinematográfica da história dos garotos tailandeses está o diretor Ron Howard, um artesão clássico de Hollywood, já escolado por levar às telas outras histórias reais como Apollo 13, Uma Mente Brilhante (vencedor do Oscar de Melhor Filme), A Luta Pela Esperança, Frost / Nixon, Rush e Era Uma Vez Um Sonho.

Realizado com investimentos e coprodução tailandesa, Treze Vidas – O Resgate (Thirteen Lives) foi filmado em locações reais e é parcialmente falado em tailandês, o que, em termos de produções norte-americanas, representa uma concessão pouco usual. A decisão de filmar em espaços e cavernas reais – um pesadelo logístico pelas dificuldades que impõe – foi decisiva para a construção do clima claustrofóbico essencial para representar a tensão constante que permeia a ação dramática.

Esta decisão, acertada no que refere à ambientação do filme, que assegura um realismo dificilmente alcançado em estúdio, ganha ainda mais força pela forma como Ron Howard e o roteiro abordaram a história. A narrativa de Treze Vidas basicamente tem apenas o ponto de vista externo da tragédia na caverna, envolvendo mergulhadores, socorristas, familiares e políticos, em uma pouco sutil disputa por protagonismo. O outro lado da história, os garotos sobrevivendo ao medo, à fome, ao frio, pouco é mostrado. Esta face da história é sonegada a nós, espectadores. No entanto isto só reforça o senso de urgência e potencializa a angústia de uma situação extrema.

A direção de Ron Howard é sóbria e reverente ao sofrimento das crianças e suas famílias, verdadeiros protagonistas. E aqui vale uma palavra para os desempenhos contidos e respeitosos de Viggo Mortensen e Colin Farrell que interpretam mergulhadores britânicos voluntários que se juntam aos grupos de resgate criados pelo governo da Tailândia. Os atos heroicos dos dois mergulhadores – dentre eles a elaboração do incrível plano de resgate – são mostrados com um realismo quase documental e sustentam o interesse por mais de duas horas de filme.

Treze Vidas é um resgate de uma história de superação e celebração do espírito humano, realizado com correção e inspiração.

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Jorge Ghiorzi / Membro da ACCIRS