Longlegs – Vínculo Mortal: sinistro e perturbador

De modo geral o Giallo italiano produziu “ótimos filmes, com finais péssimos”. Esta máxima, com alguma liberdade, pode ser também aplicada a muitos filmes de terror. Aqui mais uma vez a regra de ouro se aplica. Ainda que, a bem da verdade, Longlegs – Vínculo Mortal (Longlegs, 2024), não seja exatamente um filme de terror, ao menos não no padrão clássico do gênero. O longa está mais para um thriller psicológico de investigação criminal que, sim, traz elementos do universo das histórias de terror. Já vimos isto em O Silêncio dos Inocentes, que vem sendo com toda justiça citado como uma forte referêncial do filme de Osgood Perkins. Este sobrenome nos remete a um certo ator de um certo filme chamado Psicose. Que, olhem só que coincidência, é um thriller de investigação criminal que flerta abertamente com o terror. 

Algumas palavras sobre Osgood Perkins. Filho de Anthony Perkins, o diretor, roteirista e ator, que iniciou na direção com dois filmes de horror, A Enviada do Mal (2015) e O Último Capítulo (2016), também possui uma carreira como ator, em filmes como Psicose 2 (1983), onde interpretou o jovem Norman Bates, as comédias Legalmente Loira (2001) e Não É Mais um Besteirol Americano (2001) e o horror sci-fi Não, Não Olhe! (2022), além de séries como Alias e Além da Imaginação, onde costuma ser creditado como Oz Perkins.

Longlegs (esqueça o péssimo subtítulo brasileiro) mostra uma agente do FBI, Lee Harker (Maika Monroe), escalada para investigar uma série de assassinatos em massa, ocorridos em diversas famílias sem nenhuma ligação entre si. Os indícios apontam para um suspeito misterioso que, apesar das evidências, nunca está presente no local dos crimes. Mas os assassinatos seguem ocorrendo. Durante as investigações Harker descobre que pode haver uma conexão pessoal com o assassino. 

Um dos aspectos mais destacados de Longlegs é a presença de Nicolas Cage, em um registro completamente diverso de tudo que já havia feito. A figura ambígua, bizarra e andrógina interpretada por ele é sinistra e ameaçadora, assombrando totalmente a narrativa, esteja ele em cena ou não. Seu espírito maligno paira como uma sombra sobre todos. Além da pesada maquiagem e caracterização de figurino, contribui decisivamente para a construção do Mal em pessoa o desempenho de larga amplitude dramática de Cage, que transita do histriônico ao contido com grande efeito catártico. Um ótimo trabalho de expressão corporal e inflexão de voz completam a composição da figura que ocupa um lugar na galeria dos mais ameaçadores assassinos seriais já vistos no cinema, ao lado de ninguém menos que o celebrado Hannibal Lecter.

A oponente do vilão Longlegs é a investigadora Haker (ótimo desempenho de Maika Monroe), uma personagem fragilizada por episódios traumáticos do passado. Fatos que repercutem em seu comportamento no presente e podem estar conectados com elementos que contribuem para a solução do mistério. O comportamento da personagem, marcado por um permanente desconforto com o mundo a sua volta, denota uma estranheza para aqueles com quem convive. Apesar da carência de habilidades sociais, a investigadora é reconhecida por uma inegável capacidade dedutiva e intuitiva. Sua jornada de investigação da identidade do assassino faz um espelhamento com sua jornada interior de rememoração de fatos marcantes de sua vida quando criança, que resultaram na relação conflituosa e distante da mãe.

O final apressado e urgente de Longlegs compromete o envolvente clima tenso e sombrio construído eficientemente ao longo dos dois primeiros atos da trama. Alguns pontos ficaram sem respostas razoáveis, ainda que seja bastante expositivo em algumas passagens. As mensagens cifradas do serial killer, por exemplo, no estilo assassino do Zodíaco, escritas com símbolos misteriosos, não se justificam a contento, a não ser como artifício de criar um enigma secundário para sustentar a trama.

O background do assassino – bem como a origem do nome - é desconsiderado, criando lacunas que apenas a imaginação do espectador deve preencher. Isto, em si, não é necessariamente um problema. O mecanismo do suspense funciona com maior efeito justamente quando informações estratégicas são sonegadas à plateia. No entanto, o contexto narrativo deve indicar minimamente as chaves para a premissa. Longlegs fica devendo nesse capítulo.

O thriller de horror psicológico de Osgood Perkins funciona como uma peça de resgate nostálgico de um passado analógico, anterior à era digital. Em termos de cenografia, ambientação e sonoridade, Longless no leva a um clima de anos 70, pela utilização marcante da música de Marc Bolan e sua banda T-Rex (identificado em um poster na casa do assassino). Já o estilo estético, fotografia e decupagem referem claramente ao estilo dos filmes criminais dos anos 90. Além do já citado O Silêncio dos Inocentes, Longlegs emula produções do período como Seven, O Colecionador de Ossos e Copycat, entre outros.

Longlegs é misterioso e envolvente, com uma premissa interessante e um assassino serial memorável. A mistura de suspense e terror lida com ideias e contextos de grande potencial. As personagens, centrais e secundárias, conduzem com interesse uma narrativa que cativa a plateia até os momentos que precedem o desfecho da trama. Neste ponto Longlegs perde um tanto de sua força e se conclui aquém das expectativas geradas até então.

Assista ao trailer: Longlegs – Vínculo Mortal

Jorge Ghiorzi

Membro da ABRACCINE (Associação Brasileira de Críticos de Cinema) e ACCIRS (Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul)

Contato: janeladatela@gmail.com  /  jghiorzi@gmail.com

Tipos de Gentileza: tramas do absurdo

 

Após Pobres Criaturas o realizador grego Yorgos Lanthimos faz um movimento de reversão de expectativas. Com Tipos de Gentileza (Kinds of Kindness, 2024) retoma as narrativas herméticas, marca registrada de sua obra pretérita (O Lagosta, O Sacrifício do Cervo Sagrado). Aqui ele renega, em termos relativos, a aproximação com grandes plateias. Seu trabalho anterior venceu resistências estéticas e temáticas do grande público e conquistou espaço na Academia. Mas, aparentemente, não cedeu ao canto do cisne. Sua realização seguinte, logo após o Oscar, não pretende encontrar público fácil, pois abertamente não é um produto popular. 

Tipos de Gentileza é um grande painel tríptico que reúne uma antologia de três histórias que podem ou não estar de alguma maneira relacionadas. A figura misteriosa conhecida apenas pelas iniciais B.M.F. é um elo que marca presença, de maneira enigmática, no título das três histórias. Outro ponto de similaridade e aproximação é o fato de o mesmo elenco atuar, em cada uma das partes, com personagens e protagonismos distintos.

A primeira história, intitulada “A morte de B.M.F.”, mostra um homem (Jesse Plemons) que tem sua vida totalmente controlada pelo chefe (Williem Dafoe), que decide toda sua rotina: o que comer, como se comportar, quando ter relações sexuais e o que vestir. A relação entre eles passa a ser questionada quando o homem recebe um pedido inusitado. Este episódio trata de temas como submissão, subserviência, relações de poder e livre arbítrio. 

Na segunda história, “B.M.F. está voando”, Jesse Plemons interpreta um policial cuja esposa (Emma Stone) está desaparecida há meses após um acidente de barco. Um dia, contra todas as expectativas, ela reaparece sem muitas explicações. Aos poucos o policial passa a desconfiar que aquela mulher não é realmente sua esposa. Um tom moderado de suspense tempera toda a trama, que por fim se rende a um desfecho de apelo selvagem e grotesco.

Por fim, na terceira história, chamada “B.M.F. come um sanduíche”, Emma Stone e Jesse Plemons interpretam membros de uma seita de culto espiritualista, obcecada pela pureza dos corpos. A missão dos dois é encontrar uma mulher profetizada com a habilidade de reanimar os mortos. Senso de pertencimento, lavagem cerebral, captura de consciências e sexualidade se apresentam como temas centrais. 

Tipos de Gentileza reúne três histórias que transitam pelos caminhos aleatórios que regem a vida e os desafios pessoais de seus protagonistas. A aglomeração de situações inusitadas transforma-se, em suma, na diversidade dramática que se configuram nos três atos. Há uma divisão de protagonismos nos episódios desta antologia dissonante da sociedade contemporânea. O primeiro ato é liderado totalmente pelo personagem de Jesse Plemons. O segundo, por sua vez, é compartilhado entre Plemons e Emma Stone. No terceiro ato o brilho solo de Emma Stone é total.

A parceria entre Yorgos e Emma Stone vem rendendo ótimos frutos para ambos. Já trabalharam juntos, além do já citado Pobres Criaturas, também em A Favorita (2018), no curta Vlihi (2022) e em um comercial da Gucci. E vem mais por aí. A atriz, juntamente com Jesse Plemons, está no projeto em produção, Bugonia, remake de um filme sul-coreano.  O grego Yorgos descobriu um grande potencial latente na atriz, que se entrega totalmente sem freios aos delírios artísticos do realizador. Uma clara relação de confiança entre criador e criatura. Um salto acrobático sem redes de Emma Stone, que poderia reinar confortavelmente em produtos bem comportados hollywoodianos. 

Há um propósito subliminar de comédia em Tipos de Gentileza. Amarga, sórdida, por vezes incomoda, mas ainda assim uma comédia. Seja pelo inusitado das situações, seja por personagens patéticos, seja por lidar com o absurdo como forma crítica de pontuar a realidade. O filme claramente não dá respostas, apenas propõe questões. As três histórias se concluem com desfechos abertos. Um mergulho sem a certeza do retorno à superfície. Este encargo fica por conta do espectador. Tipos de Gentileza é um desafio. Um quebra-cabeça que não se completa com facilidade, ou sequer entrega todas as peças do jogo. Exige mentalmente da plateia uma disposição para a ousadia provocativa de uma narrativa que apresenta com trivialidade o excêntrico.

Superadas com fôlego e disposição as quase três horas de duração, o aspecto impenetrável de Tipos de Gentileza, provoca, simultaneamente, distanciamento e sedução. A sensação de estranhamento é palpável. Yorgos Lanthimos propõe um mundo em crise, sem soluções fáceis. Neste aspecto, o filme traz um olhar pessimista. É duro e cruel, ainda que satírico e irônico.

Assista ao trailer: Tipos de Gentileza

Jorge Ghiorzi

Membro da ABRACCINE (Associação Brasileira de Críticos de Cinema) e ACCIRS (Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul)

Contato: janeladatela@gmail.com  /  jghiorzi@gmail.com

O dia em que Faye Dunaway tomou chimarrão?

 
(Imagem: Divulgação)

O recentemente encerrado Festival de Cinema de Gramado, no último final de semana (17/agosto), propicia a oportunidade para algumas memórias do mais antigo – e ininterrupto – festival de cinema do Brasil. Em meados dos anos 90 o evento da Serra Gaúcha vivia um momento de certa euforia em seus propósitos de internacionalização. Naquele período havia um esforço de investimento da organização para trazer grandes nomes e celebridades do cinema mundial para prestigiar com sua presença o evento gaúcho. 

Por aqueles anos circularam pelo Festival de Cinema de Gramado nomes como Elliot Gould, Gina Lollobrigida, o garoto (já nem tanto garoto) Salvatore Cascio (de Cinema Paradiso), a garota (já nem tanto garota) Ana Torrent (de Cria Cuervos), o celebrado diretor italiano Michelangelo Antonioni e a atriz Amy Irving, à época casada com Bruno Barreto, que aproveitou a estada na Serra Gaúcha para acompanhar a exibição do filme Bossa Nova (que protagonizava ao lado de Antônio Fagundes) e também prestigiar a entrega do Troféu Oscarito para os sogros, Lucy e Luiz Carlos Barreto. Outro nome cogitado foi o de Tom Cruise. O festival convidou o astro para acompanhar a exibição de De Olhos Bem Fechados que seria programado para exibição na mostra paralela Premières Gramado de 1999. O festival acabou ficando sem os dois: o astro e o filme.

(Imagens: Divulgação)

Uma das celebridades mais destacadas que aceitou o convite e subiu a serra, em 1996, foi Faye Dunaway, estrela de Bonnie e Clyde e Rede de Intrigas. A atriz não participava de nenhum filme em exibição. O brilho da sua presença no Festival de Cinema de Gramado se justificava pela condição de Convidada Especial, uma estrela de prestígio e reconhecimento do cinema mundial. Ainda assim, circulou naquele momento a explicação de que ela viria às terras brasileiras com a alegada intenção de procurar roteiros para futuros projetos. Ao que consta, aparentemente não encontrou nada do agrado. 

Enquanto isso, circulou por três dias no festival. Participou de coletiva de imprensa, posou para fotos, abanou para o público e subiu no palco do Palácio dos Festivais para receber um “Kikito Especial”, para rivalizar na estante da sua mansão com o Oscar de Rede de Intrigas. Em sua fala de agradecimento no púlpito encerrou de punho cerrado e em riste com um sonoro, e carregado de sotaque, “Viva o Cinema Brasileiro”. O tour gastronômico de Dunaway nas terras gramadenses foi um tanto frustrado. Não consta que tenha saboreado o chocolate quente, o foundue ou mesmo um galeto com polenta. E nem foi por razões de dieta restritiva de calorias. A razão foi mais, digamos, de ordem prática. A “mamãezinha querida” simplesmente trouxe toda sua alimentação pessoal direto de casa. O que não a livrou de um momento “saia justa”. Durante a coletiva de imprensa foi colocada à sua frente uma cuia de chimarrão. Daí pra frente é lenda ou fato. Para algumas testemunhas ela provou o mate, para outras ela apenas segurou a cuia. Fica para a história, então, essa rede de intrigas.

Alien - Romulus: volta ao terror

“No espaço ninguém vai ouvir seu grito”. Esta foi a frase de impacto utilizada no lançado de Alien: O 8º Passageiro nos cinemas em 1979. Aquela inusitada e eficiente mistura de ficção científica e terror – sempre imitada, nunca igualada - conquistou um gigantesco sucesso, projetando o nome de Ridley Scott ao primeiro time de realizadores da sua geração. Logo a seguir realizaria nada menos que Blade Runner (1982). Hoje, 45 anos depois, a produção original gerou uma franquia com outros cinco títulos, mais dois spin-offs apenas com a criatura alienígena.

A qualidade das sequências e derivações do filme original são bastante distintas, variando da excelência ao deplorável. O mais recente episódio da saga, Alien: Covenant (2017), não foi dos mais felizes, para dizer o mínimo. Além de não deixar saudades este quinto filme deixou um sentimento de game over por destruir tudo que havia sido construído até então. O lançamento de Alien: Romulus (2024) chega, portanto, com a missão de redimir uma franquia em decadência e proporcionar um reboot para novos episódios.

Desta vez Ridley Scott abriu mão da direção e entregou o controle da nave-mãe a Fede Alvarez, realizador uruguaio que está fazendo carreira em Hollywood com títulos como o remake A Morte do Demônio (2013), O Homem nas Trevas (2016) e Millennium: A Garota da Teia de Aranha (2018). Consta, pelas informações de bastidores veiculadas pela mídia, que Ridley Scott praticamente não frequentou as filmagens, dando liberdade criativa a Fede Alvarez, também coautor do roteiro. Apesar deste aparente afastamento, é significativa a proximidade de Romulus com os conceitos e bases lançadas pela obra original de 1979. 

Desta vez saem de cena as forças militares e as grandes corporações. A ação de Alien: Romulus transcorre essencialmente entre aqueles que sobrevivem na base da pirâmide social, as pessoas comuns “escravizadas” pela exploração do trabalho nos subterrâneos da sociedade futurista. Um espectro social praticamente invisível em todos os demais filmes da franquia. Na trama, um grupo de jovens deseja abandonar o local onde vivem e partir em busca de melhores expectativas de vida em outro planeta. A oportunidade surge quando identificam uma estação espacial desativada circulando nas imediações. Na esperança de encontrar a tecnologia necessária para empreender uma viagem interplanetária para outro destino distante, os jovens inadvertidamente vasculham a estação e se deparam com um organismo aterrorizante que coloca a vida de todos em risco.

Uma das maiores virtudes de Alien: Romulus é sua decisão de abandonar qualquer complexidade da narrativa, algo muito presente em alguns episódios da série, que se perderam pela excessiva ambição dramática e reflexões filosóficas e existenciais. Desta vez o que temos é uma espécie de retorno ao básico, à essência de uma experiência de terror e suspense. Isto estava lá, na origem da série, mas se perdeu ao longo dos anos quando expandiu seu universo. Neste aspecto, vale ressaltar que na linha do tempo da saga, Alien: Romulus ocupa a segunda posição, entre o Alien original e Aliens: O Resgate (aquele do James Cameron). 

Há, aqui e ali, referências estéticas e sonoras que remetem intencionalmente ao filme de 1979, ao qual Fede Alvarez rende evidente tributo. Seu esforço e olhar criativo definitivamente dão um novo fôlego ao conceito original, abandonado ao longo dos anos. Então, as coisas voltam a ser colocadas no rumo certo. Alien: Romulus é aquela sequência que o próprio Ridley Scott nunca conseguiu entregar. Lembremos, ele foi o responsável pelo frustrante Prometheus (2012) e o já citado, e sofrível, Alien: Covenant.

Algumas passagens de Romulus são efetivamente emocionantes e provocam suspense genuíno e real na plateia. Parte deste efeito se deve a uma combinação de fatores, a começar pela ótima direção de cena de Alvarez, juntamente com uma cenografia criativa, efeitos práticos e uma edição muito afiada. Enfim, a essência dos elementos que compõem o que definimos como uma mise-en- scène eficiente. 

Com um elenco – e personagens – jovens, Alien: Romulus destaca-se pelas sequências de ação. Os corredores da estação espacial   se mostram particularmente tenebrosos e assustadores com os jovens exploradores sendo eliminados, um por um, ao serem perseguidos e encurralados por uma comunidade de “pequenos” aliens em fase de crescimento, que infestam aquele espaço confinado que flutua no espaço – onde ninguém ouve seu grito. Já vimos algo assim no Alien de 1979, certo? Mas, naquela vez, os personagens eram todos adultos.

O perfil jovem dos personagens de Romulus permite uma possível aproximação estética e temática com os filmes slasher, ao serem eliminados em sequências de terror gráfico, com direito à final girl. Estaria aí uma estratégia para captar o interesse das novas gerações, desconectadas com a saga iniciada há 45 anos? Um destaque absoluto do elenco é a presença da ótima Cailee Spaeny, de Priscilla e Guerra Civil. Sua personagem, Rain Carradine, não fica nada a dever à Tenente Ellen Ripley, bem como o desempenho, que emula uma jovem Sigourney Weaver.

Alien: Romulus, longe de buscar soluções estéticas e narrativas inovadoras, aposta – e acerta muito - no essencial: superar a apatia e impasse criativo que a franquia havia chegado. O filme de Fede Alvarez é tenso, sombrio e, no mais das vezes, assustador. Reacende o interesse de uma saga que parecia estar com os dias contados. Com uma nova e jovem protagonista – Rain Carradine – a saga Alien renova o interesse, garantindo a sobrevivência e muitas reencarnações da criatura alienígena.

Assista ao trailer: Alien: Romulus

Jorge Ghiorzi

Membro da ABRACCINE (Associação Brasileira de Críticos de Cinema) e ACCIRS (Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul)

Contato: janeladatela@gmail.com  /  jghiorzi@gmail.com

Tuesday – O Último Abraço: nas asas da morte

 

A representação da morte já teve muitas faces no cinema. Ingmar Bergman a exibiu com o aspecto de mago medieval em O Sétimo Selo. Nas comédias, Woody Allen e Monty Python optaram pela clássica figura fantasmagórica portando uma apavorante foice. Já no drama Encontro Marcado o chamado Anjo da Morte é representado pela loirice platinada de Brad Pitt. Uma inusitada nova face da morte é apresentada no drama fantástico Tuesday – O Último Abraço (Tuesday, 2023) dirigido pela cineasta croata Daina Oniunas-Pusic. O nome mais destacado do elenco é Julia Louis-Dreyfus, a inesquecível Elaine Benes da sitcom Seinfeld, aqui em um registro dramático completamente diferente das comédias que marcam sua carreira.

Um magnífico pássaro falante é a personificação da morte que surge para levar ao destino final a jovem Tuesday (Lola Petticrew), portadora de doença terminal. A inevitabilidade da morte afeta profundamente o comportamento da mãe (Julia Louis-Dreyfus) que se afasta do drama da filha e passa os dias a vagar sem rumo pela cidade, dividida entre a incapacidade de ação e a amargura pela situação que não pode controlar. A chegada do pássaro da morte provoca a reaproximação entre mãe e filha, que passam por um doloroso processo de acerto de contas mediado pela entidade fantástica.

Tuesady se configura como uma fábula que se propõe a problematizar os fatos essenciais da vida que são confrontados no momento final da existência. O pretexto para esta discussão é o relacionamento profundamente conflituoso entre mãe e filha, ainda que na aparência se mostre amoroso e terno. Ambas vivem um impasse emocional, marcado por dores reprimidas e emoções contidas. Na hora decisiva, simbolicamente representada pela chegada da “morte alada”, acontece a explosão dos sentimentos negados no colapsado relacionamento marcado por culpa e remorso.

O filme é um drama, porém muito distante de uma narrativa realista convencional, habitualmente presente em produções padrão “sessão da tarde” que buscam lágrimas fáceis a qualquer custo com histórias semelhantes. Comovente e profundo, Tuesday se constitui como uma narrativa que transita livremente do onírico ao fantástico, com um forte viés surrealista. Neste aspecto o filme da realizadora croata arrisca por novos caminhos, sem receio de apostar na ousadia e criatividade. Quem aceitar o convite para mergulhar nesta experiência radical será recompensado por uma viagem marcada por momentos da mais profunda sensibilidade.

A jornada das personagens centrais – mãe e filha – em seu ritual de despedida desafiam o espectador a revisitar suas próprias emoções, lidando com temas essenciais como os cinco estágios da morte: negação, raiva, barganha, depressão e aceitação. Os aspectos alegóricos e fantasiosos de Tuesday abrem caminho para um experimentalismo simbólico que remete ao cinema mais inventivo de realizadores como Spike Jonze e David Lynch, e, possivelmente, também ao pai de todos eles, o espanhol Luis Buñuel.

Deus existe? Há vida após a morte? Estas são questões primordiais que assombram o ser humano. Tuesday, um estudo sobre o luto em vida, no desfecho indica algumas chaves de compreensão – e aceitação – para possíveis respostas.

Assista ao trailer: Tuesday – O Último Abraço

Jorge Ghiorzi

Membro da ABRACCINE (Associação Brasileira de Críticos de Cinema) e ACCIRS (Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul)

Contato: janeladatela@gmail.com  /  jghiorzi@gmail.com

Queda na bilheteria dos filmes nacionais

 

O ano de 2023 não foi um bom ano para o cinema brasileiro em termos de bilheteria. Dados consolidados pelo OCA (Observatório Brasileiro do Cinema e do Audiovisual), um órgão da ANCINE, apontam que a arrecadação com ingressos, apenas em filmes nacionais, representou pouco mais de 3% sobre a arrecadação total, um dos mais baixos índices dos últimos anos.

Na temporada passada nenhum filme brasileiro chegou sequer perto da marca de 1 milhão de ingressos vendidos nas quase 3.500 salas de exibição do país. O levantamento divulgado pelo OCA considera apenas exibição em salas físicas, não inclui exibições em serviços de streaming, VOD ou ambientes virtuais.

Relação das 10 maiores bilheterias (e respectivos públicos) dos filmes brasileiros lançados em 2023:

10º) DESAPEGA

9º) NINGUÉM É DE NINGUÉM

8º) Ó PAÍ, Ó 2

7º) MEU NOME É GAL

6º) O SEQUESTRO DO VOO 375

5º) MUSSUM: O FILME

4º) MAMONAS ASSASSINAS: O FILME

3º) OS AVENTUREIROS: A ORIGEM

2º) NOSSO SONHO

1º) MINHA IRMÃ & EU

O Enigma de Kaspar Hauser: o indivíduo e a sociedade

 

Lançado há 50 anos, O Enigma de Kaspar Hauser (Jeder für sich und Gott gegen all, 1974) continua impressionando por sua história intrigante e sua abordagem segue provocando profunda reflexão sobre os mecanismos sociais que atuam na construção do comportamento do ser humano em sua interação com os semelhantes. A realização de Werner Herzog foi selecionada para o Festival de Cannes de 1975, onde recebeu o Grand Prix do Júri Oficial e foi escolhido como Melhor Filme pelo Júri Ecumênico e também pelo Júri da FIPRESCI (Federação Internacional de Críticos de Cinema). O título original em alemão quer dizer algo como “Cada um por si e Deus contra todos”, que carrega elementos poéticos e existências. O título internacional, por sua vez, é mais direto e objetivo por definir de antemão o nome do protagonista, até então pouco reconhecido fora da Alemanha. 

Kaspar Hauser foi um jovem (supostamente de 15 anos de idade) encontrado em uma praça de Nuremberg em 1828. Perdido, sem conseguir falar e andar, ele portava uma carta que explicava em parte sua história. O jovem havia passado toda a vida aprisionado em uma masmorra, sem contato com ninguém, simplesmente sendo alimentado com pão em água. Pelo fato de não conviver com outras pessoas, Kaspar Hauser não desenvolveu a capacidade da fala, bem como nenhuma capacidade de convivência com seres humanos. Criado por tutores e outras famílias da cidade, aos poucos Kaspar Hauser aprende a falar e se comunicar, da mesma maneira que uma criança. Com o tempo Hauser torna-se o centro das atenções sendo recebido como celebridade na alta sociedade de Nuremberg. Nunca foi descoberta efetivamente a origem do jovem, ainda que à época tenham surgido rumores de que Kaspar Hauser seria ser o príncipe herdeiro da família real de Baden, que havia sido roubado do berço em 1812.

A partir desta matéria prima como premissa em O Enigma de Kaspar Hauser o realizador Werner Herzog propõe um misto de recriação histórica e filme de tese, com um subtexto crítico à impositiva influência da sociedade na formatação do comportamento dos indivíduos no meio coletivo. A obra reproduz na trajetória de Hauser o processo de socialização de um ser humano vazio, sem desejos, sem objetivos, sem perspectivas. Enfim, em essência sem vida, apenas existência. 

De um momento para outro ele é obrigado a se relacionar com outros, reagir sem conhecer os limites dos próprios sentimentos e mergulhar em regras e comportamentos de um jogo social que não domina. Neste ponto o filme expõe a teoria sociológica de que não é o indivíduo que molda a sociedade. Pelo contrário, é a sociedade, representada pela união predominante das partes, que formata o indivíduo. O psicólogo, filosófico e sociólogo francês Émile Durkheim afirmou que “os fatos sociais moldam a maneira de agir das pessoas pela influência que eles exercem sobre elas”.

Kaspar Hauser não desenvolveu inteligência emocional e demonstrava um conhecimento precário do funcionamento das coisas e das engrenagens sociais. Ele próprio se via como um estranho, um deslocado, um estranho no ninho, impotente e submetido a uma realidade que não conseguia compreender e alcançar. Curiosa, neste aspecto, é a reação que ele provoca na alta sociedade da cidade alemã da época. Tratado como um animal em exposição, um “homem-elefante”, Hauser, em seu processo de humanização forçada foi pretexto para a exposição de virtudes da elite virtuosa e culpada. 

O longo período afastado do convívio social privou Hauser da elaboração de conceitos e raciocínios lógicos. Em razão disto ele tinha dificuldades de diferenciar sonho de realidade. Herzog por vezes insere passagens com imagens abstratas, representações audiovisuais de imagens aleatórias que povoam a mente de Kaspar Hauser. Ele não possuía o poder da abstração e tampouco a habilidade funcional de tarefas elementares do dia. Esta confusão mental, que torna difusas as fronteiras sensoriais, fica explícita nas sequências quando ele tenta, por mais de uma vez, contar uma história (uma reinterpretação da sua própria existência?), porém, Hauser sabe apenas como a história inicia, mas desconhece qual seria o fim.

A importância das relações sociais na formação do ser humano já havia sido tratada em filme cinco anos antes desta obra de Werner Herzog. Em 1969 François Truffaut dirigiu O Garoto Selvagem, que conta uma história em essência muito semelhante a de Kaspar Hauser. Um menino vivia sozinho, no meio da floresta com um bando de lobos, sem nenhum contato com a sociedade, no final do século XVIII. Ele não falava, não lia ou escrevia. Resgatado, o garoto é levado à Paris e tratado por um médico (interpretado pelo próprio Truffaut). 

O Enigma de Kaspar Hauser é um filme rico de interpretações, seja no campo da filosofia, da sociologia, da ética e, evidentemente, como a obra cinematográfica admirável que é. Werner Herzog exerce amplo domínio sobre todos os aspectos da narrativa e realiza uma obra radical e profunda.

Assista ao trailer: O Enigma de Kaspar Hauser

Jorge Ghiorzi

Membro da ABRACCINE (Associação Brasileira de Críticos de Cinema) e ACCIRS (Associação de Críticos de Cinema do Rio Grande do Sul)

 

Contato: janeladatela@gmail.com  /  jghiorzi@gmail.com