quarta-feira, 22 de dezembro de 2021

“Matrix Resurrections”: déjà vu


Quando chegou aos cinemas na virada de século e de milênio Matrix imediatamente foi reconhecido como um ponto de virada nos filmes de ação. Nada mais seria igual, sua influência foi definitiva em tudo que se fez depois. Produto estimado da cultura pop, o longa foi inovador nos efeitos especiais, na coreografia das lutas, na criação de referências cult e na incorporação da filosofia em um produto de massa. Além de extasiar uma legião de fãs a trilogia Matrix antecipou em uma década a sociedade mega conectada, mergulhada no uso massivo da Internet. O legado deixado pelo filme, portanto, é gigantesco.


Passados pouco mais de 20 anos – quase o tempo de uma geração – chega o momento de retomar a saga, tantas vezes adiada e, a princípio, negada pelas irmãs Lana e Lilly Wachowski, criadoras da trilogia original. Então, é com o peso deste passado que chega às telas este Matrix Resurrections, desta vez dirigido apenas por Lana como um projeto solo, sem a participação de Lilly.

A nova aventura retoma a história a partir da linha temporal deixada pelo filme anterior (Revolutions, de 2003), ainda que vinte anos tenham se passado aqui, no nosso mundo. Neo (Keanu Reeves) agora vive uma vida aparentemente comum sob sua identidade original como Thomas Anderson, atuando como um famoso criador de um videogame de sucesso, chamado... “Matrix”. Para entender as estranhas visões e percepções que tem sentido, ele se trata com um terapeuta. Para complicar um pouco mais ainda sua cabeça ele também conhece uma mulher (Carrie Anne-Moss) que muito se parece com a personagem Trinity do videogame que criou. Tudo começa fazer algum sentido para o atordoado Thomas Anderson quando encontra uma nova versão de Morpheus, que oferece a pílula vermelha que reabre sua mente para o mundo da Matrix.


Os três primeiros filmes seguiram um caminho natural de expansão do universo original, mantendo a coerência da mitologia da série. Já neste volume quatro a proposta foi equivalente a uma versão atualizada de um programa clássico, com correções de segurança, adaptação de sistema, incorporação de novas atribuições e soluções de “bugs” funcionais. Matrix Resurrections praticamente abandona as referencias místicas, religiosas e metafísicas e centra atenção apenas nos conceitos tecnológicos, incorporando de uma vez por todas a condição de um videogame.

O filme é autorreferente e indulgente com a própria mitologia que construiu na trilogia original. Dá uma zoada geral e se limita a ser – sem dramas de consciência – um produto de massa a ser consumido por uma sociedade capitalista selvagem, que tanto criticava há 20 anos. Lana Wachowski parece querer nos dizer: “Relaxem. Desencanem. Este não é um filme-cabeça. Apenas aproveitem a experiência”. Isto se evidencia com a inclusão do humor em certas passagens, como aquela onde Anderson e um executivo da companhia discutem a possibilidade – e mesmo a necessidade - de criar uma nova versão do videogame. O papo ali era direto e reto, pois se referia nas entrelinhas à própria gestação da sequência de Matrix que sofreu a pressão da Warner para que o filme finalmente fosse produzido. Alguém tem lembrança de sequer ter esboçado minimamente um sorriso com alguma sequência dos três filmes originais? Pois em Matrix Resurrection isto ocorre, com um mal disfarçado ar de cinismo blasé que ecoa por todo o filme.


Neo ainda encarna o heroico personagem do “Escolhido” que surgiu para libertar a raça humana da submissão pelas máquinas. Vale destacar, porém, que o centro narrativo e mote da nova trama criada por Lana Wachowski desta vez é a personagem de Trinity, que assume um protagonismo mais evidente.

Matrix Resurrection é claramente um filme de passagem, de reformulação para uma nova saga revigorada que inevitavelmente virá (um reboot?). Nesta retomada da história é flagrante que algo de substancial se perdeu. Não fosse toda a bagagem e o legado que carrega, o novo Matrix por muito pouco não é apenas um filme de aventura genérico. Não somos apresentados a nenhuma sequência memorável, nenhuma das sequências de luta avança além do lugar comum e as trucagens e efeitos já não surpreendem (alguém lembra do espanto que o “bullet time” criou no final do século passado?). O filme, nesta perspectiva, é suficientemente inteligente para não se levar excessivamente a sério.


Para o arco da história, talvez no futuro fosse interessante uma prequel mostrando a história do Arquiteto (criador da Matrix) e da Oráculo, e seguindo a tradição de subtítulos com a letra R (Reload, Revolutions e Resurrections) o título bem que poderia ser Matrix Rises.


Assista ao trailer: Matrix Resurrections

 

Jorge Ghiorzi

Membro da ACCIRS

segunda-feira, 20 de dezembro de 2021

“A Última Noite”: o mal está lá fora

 


Os filmes de Natal são praticamente um gênero à parte. Feitos para divertir e despertar bons sentimentos, as produções natalinas invariavelmente apostam nas comédias leves, que cumprem seu principal propósito, que é o entretenimento. Porém, por vezes aparece uma “ovelha desgarrada” (rena seria mais apropriado?) que subverte as expectativas, oferecendo uma visão bem pouco otimista e reveladora dos verdadeiros sentimentos que ficam escondidos “debaixo do tapete”. A comédia de humor mórbido A Última Noite (Silent night) é a “rena pervertida” da temporada 2021.

O casal Nell (Keira Knightley) e Simon (Matthew Goode), juntamente com seus três filhos pequenos, dentre eles Art (Roman Griffin Davis de Jojo Rabbit), reúne um grupo de amigos para juntos celebrarem o Natal em sua propriedade no interior da Inglaterra. Aquela seria uma noite de muita alegria, presentes, taças de prosecco e... revelações. O que parecia ser o final de semana perfeito aos poucos se transforma em um encontro do mais puro terror quando uma inevitável tragédia mortal está chegando naquela que seria a última noite de todos.


O longa-metragem de estreia de Camille Griffin (também autora do roteiro) se equilibra naquela difícil tarefa de modular a comédia com o cinismo que contesta o socialmente correto nas convenções interpessoais e familiares. No primeiro ato somos apresentados a um divertido grupo de personagens de bem com a vida, bem humorados e descolados. Tudo leve e descontraído. Aos poucos surgem alguns sinais de que nem tudo é o mar de rosas que se apresenta ao primeiro olhar. Algo de tenebroso se esconde no subtexto, nas revelações e nas atitudes daquela gente.

Quem nos liga o alerta é o garoto Art, visivelmente desconfortável com o que está acontecendo além das paredes daquela casa/mansão. Ele – uma criança - é a única pessoa com os olhos realmente abertos para a trágica realidade que é passivamente aceita pelos adultos. Mais do que isso, ele é o único disposto a lutar e encontrar uma saída para o inevitável destino de todos. Assim, aos poucos, descobrimos que há algo mais além de uma alegre reunião de amigos. A verdadeira motivação para aquele encontro é o momento de virada na narrativa. E o riso, antes aberto e franco, fica amarelo e engasga na garganta.


Em certa medida a trama de A Última Noite traz uma metáfora e faz uma analogia simbólica com a pandemia que assola o mundo há quase dois anos. Personagens confinados se protegem do mal que está lá fora. Difícil também não lembrar do pesado drama Melancolia, de Lars von Trier, que aprofundava os temas filosóficos da humanidade frente à possibilidade do extermínio. O filme de Camille Griffin não avança tanto na abordagem, mas não deixa de ter sua contundência, porém, sem perder a ternura. O trato do tema é mais suave – afinal, trata-se de uma comédia – onde a realizadora demonstra um afeto incontido por suas personagens, pelos quais evidencia um olhar carinhoso e compreensivo, sem julgamentos morais.

Pouco importa a origem, as razões e a história da ameaça que faz daquela noite de Natal a última noite de todos. O que o filme propõe é uma reflexão sobre nossas escolhas (pessoais e coletivas) e como agimos e reagimos em momentos extremos. A Última Noite traz leveza na abordagem de uma situação limite, conseguindo cativar a atenção e envolver a audiência.

Assista ao trailer: A Última Noite

 

Jorge Ghiorzi

Membro da ACCIRS

quarta-feira, 8 de dezembro de 2021

“Amor, Sublime Amor”: recriação de um clássico

 


Em 1961 o musical Amor Sublime Amor, adaptado de um bem-sucedido espetáculo da Broadway, caiu como uma bomba na envelhecida Hollywood. Foi um sopro de renovação em vários aspectos do gênero, da encenação à cenografia realista, da interpretação às coreografias inovadoras que incorporavam movimentos livres, distantes da dança clássica. É até hoje o musical mais premiado da história com suas 10 estatuetas do Oscar, três Globos de Ouro, dois Grammys e outras tantas premiações.

Este estimado clássico do cinema norte-americano, exatos 60 anos depois, ganha uma refilmagem pelas mãos de um dos mais estimados e premiados diretores do cinema norte-americano. Por definição, potencialmente uma temeridade, um risco demasiado para resultados que poderiam ser devastadores para os envolvidos. Coube a Steven Spielberg esta, digamos, ousadia de mexer em um ícone. Justamente ele, que em sua extensa e destacada filmografia, com mais de trinta longas-metragens, apenas uma única vez apostou em uma refilmagem (Guerra dos Mundos) e nunca havia dirigido um musical.


O conhecido entrecho da paixão proibida dos amantes de famílias rivais de Romeu e Julieta, tragédia escrita por William Shakespeare, é o cerne da narrativa do libreto escrito nos anos 50 por Arthur Laurent, que viria a se transformar no famoso espetáculo da Broadway. Em Amor, Sublime Amor (West side story) a medieval Verona é substituída pelo Upper West Side, no subúrbio de Nova Iorque, e as famílias antagonistas dos Montéquio e Capuleto são transformadas nas gangues adversárias dos Jets (“polacos” estadunidenses nativos brancos) e Sharks (latinos imigrantes e/ou descendentes de porto-riquenhos). As duas gangues estão em constante conflito pela liderança territorial de um bairro que está literalmente desabando, submetido a uma reconstrução urbana (espetacularmente fotografada nas cenas de abertura). Por trás de uma aparente disputa por liderança no local o que realmente se manifesta é um evidente processo de preconceito racial e supremacia branca. Alheios a esta disputa estão os protagonistas apaixonados, Maria (Rachel Zegler), irmã de Bernardo, líder dos Sharks, e Tony (Ansel Elgort), um dos criadores do Jets e braço direito do líder Riff.


A visão artística de Steven Spielberg, dentre vários acertos, foi particularmente feliz ao optar por não atualizar o remake para os tempos contemporâneos, como normalmente costuma ocorrer em refilmagens. A estética dos anos 60 está maravilhosamente preservada e contribui para a manutenção do espírito original do filme dirigido por Robert Wise e Jerome Robbins (coreografia). Outro acerto gigante de Spielberg é a escalação do elenco. Diferentemente do filme de 1961, desta vez os “latinos” protagonistas são interpretados por atores / atrizes representativos da latinidade, conforme exigia os personagens. A Maria, que na primeira versão foi Natalie Wood (norte-americana, filha de imigrantes russos), encontrou na descendente de colombianos Rachel Zegler uma ótima intérprete. Já o líder de gangue Bernardo é interpretado pelo canadense de origem cubana David Alvarez. Infinitamente mais adequado que o norte-americano filho de imigrantes gregos George Chakiris, debaixo de pesada maquiagem para garantir a pele bronzeada (blackface?).


A extensa filmografia de Steven Spielberg revela sua afinidade com espetáculos de grande escala com forte presença da fantasia, da tecnologia e dos efeitos especiais. Pois não é exatamente o que se vê em Amor, Sublime Amor. Pelo contrário, está relativamente contido, não se deixando levar por grandes tomadas e movimentos de câmera que pudessem se sobrepor à emoção das personagens e, de modo particular, às exuberantes coreografias. Por si só um espetáculo à parte. Spielberg se apresenta extremamente reverente ao material original, sem no entanto renunciar a um olhar um pouco mais apurado e incisivo na temática do preconceito. Neste aspecto a nova versão avança algumas casinhas e torna mais explícita uma discussão que em 1961 ficou na superfície do tema. Aqui vale ressaltar a atriz Rita Moreno, presente nos dois filmes. No original interpretou Anita, a melhor amiga de Maria. Agora, na nova versão, ganhou um novo papel, que sequer existia no filme anterior. Como a latina Valentina, a dona da farmácia onde Tony trabalha, ela tem a voz ativa do discurso de igualdade, transitando entre os dois mundos antagônicos: os Jets e Sharks. Detalhe: Rita Moreno é uma das produtoras executivas do longa-metragem.

Amor, Sublime Amor é um musical cheio de energia e emoção, que respeita o original. Um trabalho artístico de primeira linha do qual Steven Spielberg triunfa em seu intento de recriar um clássico para apresentá-lo às novas gerações.

Assista ao trailer: Amor, Sublime Amor


Jorge Ghiorzi                                                                              

Membro da ACCIRS


quarta-feira, 17 de novembro de 2021

“Noite Passada em Soho”: sonhos e desejos em Londres


A multicolorida Londres dos anos 60 – conhecida como Swinging London - é o cenário elegante e charmoso onde transcorre grande parte do suspense psicológico Noite Passada em Soho (Last night in Soho, 2021) dirigido por Edgar Wright, o mesmo de Todo Mundo Quase Morto (2004), Scott Pilgrim Contra o Mundo (2010) e Em Ritmo de Fuga (2017). Naquele período específico a capital inglesa era a capital cultural do mundo e ditava a moda mais transgressora nos costumes, na música e no figurino dos moderninhos da época.

A protagonista Eloise Turner (a neozelandesa Thomasin Harcourt McKenzie, vista recentemente em Tempo do Shyamalan) representa muito bem o espírito daqueles tempos, ainda que a narrativa transcorra nos dias atuais. Estudante de Moda, fortemente inspirada pela estética e o estilo da sessentista, Eloise vai morar no descolado bairro do Soho, em Londres, para finalizar os estudos e iniciar carreira como estilista. Sozinha em seu quarto ela passa a ter sonhos e visões onde conhece a aspirante a cantora Sandie (Anya Taylor-Joy) com a qual se identifica de forma idealizada a ponto de torna-se quase um duplo aspiracional. Ela é tudo que Eloise desejava ser na intimidade: forte, livre, independente, voluntariosa e sexualmente liberada.


O que se segue é uma história que transita entre gêneros distintos. Inicialmente o que parece ser um pequeno drama juvenil sobre escolhas profissionais, lá pelas tantas vira a chave e se transforma em um thriller que flerta com o horror. São dois lados de uma mesma moeda. A Londres alegre e descontraída também possui suas áreas escuras e violentas. O mesmo ocorrendo em relação às personagens protagonistas, a real e a “ficcional”. Por trás dos sonhos mais inocentes por vezes se escondem os pesadelos mais terríveis. E é justamente esta dura realidade que Eloise tem que lidar em sua jornada pela cidade grande.

Personagens anacrônicos, que invariavelmente destoam do tempo e espaço onde estão inseridos, não são exatamente uma novidade nos filmes de Edgar Wright. Foi assim, por exemplo, em Scott Pilgrim e Em Ritmo de Fuga. Mais uma vez esta abordagem se faz presente em Noite Passada em Soho. A jovem Eloise Turner, uma personagem deslocada em busca de seu lugar no mundo, se refugia no terreno da fantasia, recriando um mundo particular que mistura sonhos e desejos, o real e o imaginário.


Esteticamente belo, com cenografia e fotografia elaborada, Noite Passada em Soho enche os olhos pela recriação de uma época particularmente marcada pelo estimulante apelo visual, que, convenhamos, soa nostálgico – mas fascinante - na maior parte das vezes. A trilha sonora, recheada com canções de sucesso da mais genuína brit music dos anos 60, faz a apropriada contextualização e transporta o espectador pelo túnel do tempo.

Em sua segunda metade o thriller se aproxima de um autêntico “giallo italiano”, com sotaque inglês, que ecoa o mestre Mario Bava, não apenas pela temática de crime, mas particularmente pelo uso massivo de cores vibrantes, especialmente o vermelho e azul, sempre ostensivos e contrastados.


Noite Passada em Soho é um filme dividido, sob diversos aspectos: na temática, na ambientação, nos gêneros, nas protagonistas. O que poderia ser sua fortaleza na verdade configura sua grande fragilidade como narrativa. A fruição estética proposta por Edgar Wright não passa de um deleite visual sem o devido suporte de um roteiro que realmente convença o espectador. Longe (muito longe) de fazer feio, o fato é que ao longo dos anos, com o devido distanciamento do seu tempo de realização, Noite Passada em Soho talvez venha a ser relembrado como um filme cult, ou como um estimado guilty pleasure.

Anya Taylor-Joy (já vista em A Bruxa e na série da Netflix O Gambito da Rainha) é o grande destaque do elenco e confirma seu potencial como a mais promissora jovem atriz candidata a estrela de primeira grandeza. Vale lembrar que o filme de Edgar Wright marcou o ocaso da grande estrela britânica Diana Rigg, falecida logo após as filmagens.


Assista ao trailer: Noite Passada em Soho

por Jorge Ghiorzi

quarta-feira, 10 de novembro de 2021

“Querido Evan Hansen”: meu melhor super amigo

 


“Hoje vai ser um dia incrível, e eu vou dizer por quê.”

Adaptações de grandes e aclamados musicais da Broadway para o cinema não garantem necessariamente sucessos de crítica e público. A desastrosa recente versão de Cats está aí para provar que nem sempre tudo funciona como o esperado. A linguagem do palco por vezes não dialoga bem com a dramaturgia cênica que se deseja nos filmes. Portanto, há sempre um fator imponderável de adequação assombrando as adaptações de musicais para o cinema.

Em cartaz na Broadway desde 2016, o musical “Querido Evan Hansen” foi indicado a nove Tony Wards (venceu seis), incluindo Melhor Musical, Melhor Trilha Sonora, Melhor Libreto e Melhor Ator, e ainda venceu o Grammy de 2018 para Melhor Álbum de Musical. Foi com este prestígio que chegou aos cinemas a adaptação Querido Evan Hansen (Dear Evan Hansen) dirigida por Stephen Chbosky, realizador de As Vantagens de Ser Invisível (2012) e Extraordinário (2017).


"Hoje tudo o que você precisa fazer é ser você mesmo!"

Evan Hansen (Ben Platt, que também estrelou o musical na Broadway) é um adolescente sensível, retraído, solitário, com problemas de relacionamento e poucos amigos. Por sugestão de seu terapeuta ele escreve cartas para si próprio, onde expressa abertamente seus sentimentos. Por acaso uma destas cartas cai nas mãos de Connor (Colton Ryan), um garoto depressivo que acaba por cometer suicídio. Por uma série de mal-entendidos Evan passa a ser reconhecido como o “melhor amigo” do suicida. Para não decepcionar a família enlutada de Connor ele acaba assumindo a mentira, sem imaginar as terríveis consequências que teria que enfrentar em breve.

 

“Eu queria que tudo fosse diferente. Queria fazer parte de alguma coisa.”

O enredo deste drama musical trata essencialmente de problemas típicos dos jovens: inadequação social, saúde mental, relacionamentos, bullying, violência psicológica e a vida vivida no ambiente das redes sociais. Sem esquecer, claro, o grande gatilho emocional normalmente presente nas histórias que retratam o universo adolescente: o suicídio.

Querido Evan Hansen embala todos estes elementos com a leveza sentimental de um musical tradicional, onde os sentimentos dos personagens são manifestados através de canções emotivas e sensíveis. Em suas partes de encenação realista o filme de Chbosky se equilibra como um pequeno drama adolescente já visto inúmeras vezes. Já quando assume seu lado musical, com as canções “comentando” as ações, a realização encontra seus melhores momentos, ainda que por vezes cause um pequeno estranhamento no ritmo pela forma como faz esta passagem, por vezes com pouca sutileza.


Como história de superação Querido Evan Hansen dá conta do recado sem grandes sobressaltos e novidades, com direito até àquela esperada sequência catártica de discurso diante de uma plateia que explode em aplausos (já vimos isso em Extraordinário, não?).

O que talvez falte a Querido Evan Hansen seja a capacidade de nos conectar - e mesmo simpatizar - com os personagens. Há um frio distanciamento no trato com todos eles, o que não contribui para nos aproximar verdadeiramente de seus dilemas e conflitos. Parte desta falta de empatia se deve certamente aos equívocos de casting dos jovens. É flagrante que estamos diante de um elenco com faixa etária incompatível com os personagens adolescentes que deveriam representar, em especial no caso do protagonista Evan, interpretado por um competente Ben Platt, que certamente funciona muito bem no palco, mas inadequado para uma versão cinematográfica. Na parte adulta do filme vale ressaltar a presença de duas ótimas atrizes: Amy Adams (como mãe de Connor) e Julianne Moore (como mãe de Evan). 

“Atenciosamente, seu super melhor amigo: eu mesmo.”


Assista ao trailer: Querido Evan Hansen

por Jorge Ghiorzi

quarta-feira, 1 de setembro de 2021

“Uma Noite de Crime – A Fronteira”: anarquia sem fim

 


Doze horas, sem lei e sem ordem. Doze horas onde a regra geral é o “vale tudo”. Doze horas onde crimes são permitidos sem as penas da condenação legal. Esta é a premissa da franquia de filmes da série “Noite de Crime”, amparada na tese sócio/política, de fundo fascista, que propõe uma catarse coletiva como forma de dominação e controle da violência latente provocada pela tensão social, racial, étnica e econômica. Um experimento social, restrito a um território delimitado, destinado a expurgar todos os males reprimidos.

O universo do “Expurgo” (The Purge) é uma criação do roteirista e diretor James DeMonaco, realizador dos três primeiros filmes: Uma Noite de Crime (2013) Uma Noite de Crime 2: Anarquia (2014), Uma Noite de Crime 3 (também conhecido como 12 Horas para Sobreviver: O Ano da Eleição, de 2016). O quarto filme foi lançado em 2018, A Primeira Noite de Crime, dirigido por Gerard McMurray.


Agora chegamos ao quinto expurgo com Uma Noite de Crime – A Fronteira (The Forever Purge) que, bem como diz o título, expande a anarquia até os limites do território dos Estados Unidos. A mudança da ação para as fronteiras com o México traz novos elementos para explorar os efeitos da violência, do preconceito e da repressão contra os mexicanos emigrantes ilegais que arriscam a vida para “tentar a vida na América”. Além, claro, de fazer referência à era Trump e seu muro mexicano.

Adela (Ana de la Reguera) e seu marido Juan (Tenoch Huerta) vivem no Texas. Juan trabalha para a rica família Tucker em uma de suas fazendas. Ele impressiona o patriarca Tucker, Caleb (Will Patton), mas isso só alimenta o ciúme do filho do fazendeiro, Dylan (Josh Lucas), que não faz questão de esconder seu preconceito contra os “chicanos”. Na manhã seguinte ao Expurgo, que deveria durar apenas 12 horas, as gangues permanecem agindo livremente e atacam a família Tucker. Num gesto de lealdade Juan salva seus patrões da morte. Juntos tentam sobreviver empreendendo uma fuga para o México, escapando do Expurgo que fugiu do controle do Estado e ameaça devastar toda a nação norte-americana.


Com roteiro do criador James DeMonaco e direção de Everardo Valerio Gout, Uma Noite de Crime – A Fronteira sofre do mesmo problema dos demais filmes da série: a abordagem fica aquém do tema a que se propõe. A premissa é por demais promissora, mas nunca encontrou o tom adequado na abordagem. O tratamento é sempre raso e desleixado. A opção pelo entretenimento como filme de horror com ritmo de filme de ação está sempre em primeiro plano. Parece clamar ao público: “não perca tempo, não pense muito, apenas divirta-se”.


A falta de ambição fica evidente mais uma vez. E assim, com este formulismo calculado, a série esgota-se em si mesma, sem perspectiva de apresentar algo além de clichês, sequências de ação apenas “ok”, personagens nulos e uma boa ideia que se esvai, filme após filme.

Assista ao trailer: Uma Noite de Crime – A Fronteira

por Jorge Ghiorzi

quinta-feira, 29 de julho de 2021

“Tempo”: uma vida em um dia


Se há algo incontestável que se possa dizer sobre M. Night Shyamalan é que ele não tem medo de arriscar. Após o sucesso mundial de O Sexto Sentido, na virada do século, o cineasta de origem indiana poderia simplesmente se contentar com uma carreira confortável em Hollywood dirigindo apenas filmes convencionais com grandes estrelas, sob a grife dos grandes estúdios. O fato é que recusou a zona de conforto – apesar das acusações de se repetir nos filmes – optando por seguir a trilha de cineasta “autoral”, ou tão autoral quando possível no meio da indústria hollywoodiana. Um rebelde silencioso contra o sistema. Já cometeu sua cota de erros, vários, mas segue na convicção de seu cinema de gênero baseado essencialmente no suspense.

Após quase uma década de projetos frustrados, Shyamalan voltou a atrair atenção a partir de Fragmentado em 2016. Chegamos então ao 14º filme da sua filmografia, Tempo (Old, 2021), uma adaptação da graphic novel francesa “Sandcastle” (Castelos de Areia), de Pierre Oscar Lévy e Frederik Peeters. E para não deixar dúvidas, suas marcas registradas estão todas lá: suspense, mistério, reviravoltas e maneirismos narrativos. Para o bem e para o mal.


Um casal (Gael Garcia Bernal e Vicky Krieps) e seus dois filhos pré-adolescentes em viagem de feriado se hospedam em um resort de verão. Lá são convencidos a conhecer (juntamente com outros hóspedes) uma praia isolada de difícil acesso. A promessa de aventura, descanso e diversão se transforma em tragédia ao ficarem presos, incomunicáveis e sob um estranho efeito. Naquele local misterioso o tempo transcorre mais rápido, fazendo com que todos envelheçam em poucas horas vários anos de vida.


O grande inimigo de Tempo é, ironicamente, o tempo. A maior parte da trama parece um episódio estendido do seriado Lost, onde uma situação básica é estabelecida e permanece rodando sem sair do lugar, acrescentando acúmulo de informações e pistas por todo lado. O que inicia com uma criativa e bem trabalhada inquietude aos poucos se transforma em tedioso incômodo. A premissa muito promissora parece não entregar tudo o que prometia, parecendo se contentar apenas com os aspectos superficiais de uma história de fundo fantástico e perturbador. O que, de modo geral, é uma falha recorrente em vários filmes de Shyamalan, onde ele costuma perder a mão. Seu cinema privilegia excessivamente a forma em detrimento do conteúdo. Ele é um cineasta esteta que se manifesta primordialmente pelo aspecto visual. Mais do que o que contar (narrar) Shyamalan se esmera primeiramente na forma visual do que será mostrado. Isto explica o uso frequente de enquadramentos inusitados e profundidade de campo nas tomadas. Artifícios da linguagem e da técnica cinematográfica utilizados com grande habilidade e virtuosismo, diga-se a bem da verdade.


Com Tempo Shyamalan parece se deparar com um impasse. Indeciso entre uma história de terror ou drama psicológico que reflete a inevitabilidade da morte, o realizador abre mão de mergulhar profundamente no tema, fazendo a opção fácil por uma trama centrada apenas no horror corporal. Um roteiro frouxo, superficial e pouco conclusivo não dá conta de amarrar todas as pontas levantadas ao longo da história. Personagens avulsos, que pouco fazem sentido ou se conectam convincentemente quando juntos, não ajudam a atrair a atenção ou empatia da plateia. Isto sem falar do elenco internacional que não dá liga em momento algum. No ranking que vai do melhor (O Sexto Sentido) ao pior (Fim dos Tempos) desta vez Shyamalan ficou no meio do caminho.

Assista ao trailer: Tempo

por Jorge Ghiorzi